118 If You Want To Defeat Your Enemy Sing His Song -The Icicle Works

Purchased  :  13  January  1989

Tracks : / Hope  Springs  Eternal / Travelling  Chest / Sweet  Thursday / Up  Here  In  The  North  Of  England / Who  Do  You  Want  For  Your  Love / When  You  Were  Mine / Evangeline / Truck  Driver's  Lament / Understanding  Jane /Walking  With  A  Mountain 

This  was  purchased  from  Soundsearch  for  £4.50.

So  we  move  into  the  last  year  of  the  eighties. As  far  as  the  UK  singles  chart  goes, out  of  the  period  where  I  was  giving  it  my  full  attention  ( 1973  to  roughly  1995 ) 1989  was  the  absolute  nadir,  a  parade  of  useless  charity  records  and  mechanical  so-called  "pop"  from  the  SAW  stable  crowned  by  the  success  of  Jive  Bunny. The  singles  I  did  rate  usually  peaked  in  the  forties  and  fifties. It  brought  home  to  me  that  musically   there  was  now  a  generation  gap;  what  I  liked  and  what  "the  kids"  were  buying  would  rarely  be  the  same  again . In  terms  of  the  charts  this  was  exacerbated  by  a  continuing  decline  in  singles  sales  which  made  the  Woolworth's  demographic   proportionally  more  significant. It  seemed  very  bizarre  that  a  middle aged  sweaty   loudmouth  whose  working  career  began  on  f**king  steam  trains  had  more  of  a  finger  on  the  pulse  of  youth  than  me  but  so  it  was.

On  the  flip  side  this  did  leave  more  room  for  catching  up on older  records  such  as  this  one  which  was  nearly  two  years  old. This  was  the  Liverpool   trio's  third  album, produced  by  yet-to-be Lightning  Seed  Ian  Broudie  and  they  were  still  trying  vainly  to  chalk  up  another Top  40   hit  to  follow  1984's  "Love  Is  A  Wonderful Colour "; I'm  wondering  if  they  hold  the  record  for  the  most  attempts  to  follow  a  solitary  significant  hit.  They  were  further  hampered  by  acquiring  an  unwanted  champion  in  the  now  ( post-Relax ban )  seriously  uncool  DJ  Mike  Read. In  1986  a  kiss  and  tell  tabloid   story  revealed  that  he  liked to  make  love  to  their  ( glaringly  unsuitable  you'd  have  thought )  music  and  every  subsequent  review  of  their  records   for  the  next  year  or  so  contained  some  reference  to  Mike  Read  bonking.  Their  failed  follow-ups  varied  in quality  but  one  in  particular  "Understanding  Jane"  from  summer  1986  had  caught  my  ear  and  it  was  that  that  drove  this  purchase. It  might  also  have  been  a  factor  that  I  was  getting  a  little  too  fond  of  a  pub  mate's  girlfriend  who  was  called  Jane  at  this  point  in  time.

I  must  admit  I  haven't  listened  to  this  for  a  long  time  so  it  will  be  a  journey  of  re-discovery  to  some  extent.

The  album  kicks  off  with  the  wryly-titled  "Hope  Springs  Eternal".  It's  a  would-be  anthem calling  for  optimism  in  the  face  of  adversity  with  a  decent  lyric but  musically  it's  a  bit  ponderous  and  brings  you  right  up  against  the  central  problem  with  their  music. Ian  McNabb  as  ever  sounds  like  Julian  Cope  attempting  Scott  Walker  and  not  quite  making  it ; if  any  one  factor  put  a  glass  ceiling   in  the  way  of  the  band's  prospects  that  was  probably  it  but  I  guess  when  you  write  all  the  songs  you  call  the  shots  as  to  who  sings  them.

"Travelling  Chest"  is  a  Big  Country-ish  mock  heroic  song  about  returning  to  your  love  after  a  dangerous  enterprise  although  there's  a  seemingly  incongruous  reference  to  a  picket  line  in  the  second  verse. There's  military  drumming, banjos  and  massed  acoustic  guitars  to  fill  out  the  sound. There's  a  similarity  to  the  Associates' Party  Fears  Two  in  the  galloping  rhythm  and  more  than  a  hint  of  Winner  Takes  It  All  in  the  main  melody. Again  its  McNabb's  voice  that  lets  it  down ; my  wife  in  passing  thought  it  was  David  Essex  which  tells  you  a  lot.

"Sweet  Thursday"  pilfers  the  oscillating  guitar  sound  from  How  Soon  Is  Now  but  uses  it  to  good  effect  on  a  string-laden  epic  about  a  girl  in  danger  of  being  left  on  a  shelf. It  might  even  have  given  them  that  second  hit  if  chosen  as  a  single.

"Up  Here  In  The  North  Of  England" is  a  state-of-the-city  meditation  about  Liverpool  prompted  in  some  way  by  a  student's  query  ( shades  of  Common  People ) . It's  fun  picking  out  all  the  allusions  to  things  like  Boys  From The  Blackstuff  and  Michael  Heseltine  which  also  include  a  staggeringly  glib  reference  to  Heysel -"we're  folklore  in  Turin" ( never  mind , retribution's  just  round  the  corner,  boys ) . The  only  one  that  stumped  me  initially  was  the  name check  to  Pete  Townshend  apparently  because  he  was  fronting  the  government's  anti-heroin  campaign.  Once  you've  done  that  though  the  musical  attractions  are  limited  with  the  slow  grind  not  leading  up  to  any  real  chorus  though  the  coda  is  impressive. 

The  first  few  bars  of  "Who  Do  You  Want  For  Your  Love"  (  another  single  ) with  the  prodding  strings  sound  very  like  fellow  Scousers  Echo  and  the  Bunnymen   but  it  settles  into  a  sturdy  pop  song  demanding  a  girl  makes  up  her  mind. Broudie  helps  out  on  guitar  and big  piano  chords  underpin  the  chorus  and  again  there's  no  obvious  reason  for  its  failure  other  than  McNabb's  unwavering  boom. 

"When  You  Were  Mine "  utilises  a  lot  of  strings  to  bolster  a  rather  indifferent  song  about  moving  on  from  a  past  relationship  and  ends  up  sounding  like  a  Bunnymen  B-side  ( circa  Ocean  Rain ) .

"Evangeline"  is  a  ( not  very  scary )  urban  legend  tale  about  picking  up  a  girl  hitchhiker  in  the  American  South. It  was  one  of  three  singles  from  the  LP  which  peaked,  with  remarkable  consistency,  at  numbers  52, 53  and  54. It  sounds  like  U2's  tubthumper  I  Will  Follow ( even  including  glockenspiel  flourishes )  slowed  down  a  bit.  It  also  features  unobtrusive  backing  vocals  from  nineties  dance  diva  Alison  Limerick.

"Truck  Driver's  Lament"  is  a  dodgy  song  about  a  self-pitying  old  guy  coming  onto  a  young girl  he's  just  picked  up. The  verses  are  a  grind  with  Chris  Layhe's  bass  splodging  away  before  a  passable  chorus  and  a  pretty  good  guitar  solo. Hank  Williams  pops  up  again  in  the  lyric.

It  almost  segues  into  the  one  I  was  waiting  for. " Understanding  Jane"  is  a  terrific  pop  song about  unrequited  love  framed  by  what  sounds  like  a  great  long  lost  Sex  Pistols  backing  track  ( perhaps  they  were  influenced  by  all  the  "ten  years  on"  retrospection  going  on  that  summer ). McNabb  actually  copes  quite  well  with  the  pace  and  it  is  their  best  song. A  re-mixed  version  was  released  to  promote  a  post-split  retrospective in  '92  but  didn't  chart.

That  leaves  "Walking  With  A  Mountain"  which  largely  drops  the  guitars  in  favour  of  synths  and  electronic  percussion  for  an  unfocussed  ballad  that  sounds  a  bit  like  mid-80s  Human  League  without  the  girls. It's  not  wholly  successful  but  was  worth  a  go.

This  is  actually  a  slightly  better  LP  than  I  remembered  although  I'm  still  disinclined  to   buy  any  of  their  other  LPs. The  original  trio  made  just  one  more  LP  before  Layhe  and  Sharrock  quit, ( the  latter  becoming  a  much-in  demand  drummer  for  hire  who  is  currently  in  Beady  Eye  after  being  the  last  in  the  long  line  of  Oasis  sticksmen )  and  Beggar's  Banquet  took  the  opportunity  to  drop  them. McNabb  released  one  more  album  under  the  group  name  then  became   a  modest-selling  solo  artist   finally  squeezing  into  the  Top  40 again  ( just )  with  his  last  single  in  2005.







 
 

117 In My Tribe - 10,000 Maniacs

Purchased  :  28  December  1988

Tracks : What's  The  Matter  Here ? / Hey  Jack  Kerouac / Like  The  Weather / Cherry  Tree / The  Painted  Desert / Don't  Talk / Peace  Train / Gun  Shy / My  Sister  Rose / A  Campfire  Song / City  Of  Angels / Verdi  Cries

This  was  bought  from  W H  Smith's  in  Rochdale  though  I'm  not  quite  sure  what  I  was  doing  there  as  it  wasn't  a  match  day.

It  feels  like  we've  come  to  a  watershed  here. After  discussing  my  sister's  final  gifts  we  now  come  to  an  LP, one  of  my  all-time  favourites , which  points   towards  many  subsequent  purchases. In  a  way  this  was  my  first  LP  of  the  nineties.   

This  was  something  of  a  speculative  purchase. The  band  had  lurked  around  the  edges  of  my  consciousness  for  a  while  before  I  saw  them  doing  "Don't  Talk "  on  Channel  4's  Earsay
( a  late  night  Whistle Test -type  rock  show  that  came  in  for  vituperative  abuse  in  Record  Mirror 's  TV  column  despite  featuring  many  bands  who  got  good  reviews  elsewhere  in  the  magazine )  and  was  moderately  interested. I  then  read , again  in  Record  Mirror, a  review  of  a  UK  gig  which  really  sold  the  band  to  me  saying  something  like  "Natalie  Merchant  sings  about  the  subjects  others  don't  dare  to  even  think  about". And  so  I  thought  this  was  worth  a  punt.

This  LP  was  released  at  the  tail  end  of  summer  1987  and  was  their  second  for  a  major  label.  The  first  had  received  a  fair  bit  of  critical  acclaim  but  little  in  the  way  of  sales. This  one  was  recorded  after  the  departure  of  one  of  their  guitarists  ( and  co-writer  of  the  first  LP ) John  Lombardo. He wasn't  replaced  and  "In  My  Tribe " is  a  more  collaborative  effort   with  a  cleaner  sound   cannily   produced  by  Sixties  survivor  Peter  Asher . It's  also  helped  by  less  mannered  singing  from  Merchant. Here  the  songs  are  everything; only  one  track  has  a  guitar  solo. The  band  impress  through  versatility  rather  than  virtuosity. Shamefully  it's  never  charted  in the  UK  but  broke  through  in  the  States  ( number  37 ) where  it's  been  a  college  rock  favourite  ever  since.

"What's  The  Matter  Here ?"  is  a  co-write  with  guitarist  Robert  Buck. It's  a  song  about  child  abuse  from  the  point  of  view of  a  suspicious  neighbour  whose  self  righteousness  ( a  perennial  accusation  made  against  Merchant ) - " Get  this  through  that I  don't  approve", "Answer  me  and  take  your  time" -  is  balanced  out  by  the  obvious  compassion  for  the  boy  and  the  confession  of  cowardice  in  the  song's  pay-off.  Buck  works  hard  to  fit  a  wordy  lyric  into  place  opting  for  a  circular  jangly  riff  to  accompany  the  vocal. Although  it  softened  over  time  Merchant's  keening  vocal  style , somewhere  between  kd  lang  and  Stevie  Nicks  is  still  something  of  an  acquired  taste  ( my  US  pen  friend  finds  it  an  impenetrable  barrier ) and  it's  well  exercised  here. The  song  was  a  minor  hit  as  a  single  in  the  USA.

"Hey  Jack  Kerouac"  is  an  upbeat  but  wistful  song  about  the  Beat  writers  and  their  legacy  which  has  me  at  something  of  a  disadvantage  as  I  haven't  read  anything  by  them  not  even On  The  Road . Merchant  has  never  been  self-conscious  about  her  bookishness  and  each  writer  is  addressed  familiarly  by  their  first  name. Allen  Ginsburg  apparently  took  exception  to  this  and  the  blunt  reference  to  his  interest  in  young  boys  and  actually  tackled  her  about  it  receiving  the  disingenuous  answer  that  he  was  included  because  his  name  scanned.  It's  very  tight  musically  with  the  rhythm  section  giving  it  a  real  pop  kick.

"Like  The  Weather "  was  their  first  hit  in  the  States  reaching  number  68  helped  by   a  video  which  introduced  Merchant's  idiosyncratic  dancing  to  the  wider  public . It's  a  Merchant  solo  composition  written  from  the  point  of  view  of  a  housewife  with  Seasonal  Affective  Disorder  who  can  barely  rouse  herself  from  bed. The  subject  matter  is  in  contrast  to  the  upbeat  African-tinged  music  with  Jerome  Augustyniak's  drums  the  lead  instrument  and  a   killer  chorus.

"Cherry  Tree"  is  the  only  song  I'm  aware  of  to  tackle  the  subject  of  adult  illiteracy.It's  an  immensely  warm  song  from  Dennis  Drew's  organ  to  Merchant's  heartfelt  vocal  really  getting  under  the  skin  of  the  protagonist  torn  between  the  desire  to  access  the  world  of  knowledge  and  the  shame  of  admitting  her  deficiency. 

"The  Painted  Desert "  ( a  co-write  with  Augustyniak ) seems  like  a  more  personal  song  about  a  relationship  failing  to  sustain  itself  by  letter  after  one  party  has  moved  away  and  found  a  new  friend.  It's  slower  than  its  predecessors  with  sad  organ  chords  and  Merchant's  vocal  aches  with   wounded  loss.

The  side  ends  on  a  high  with  possibly  their  greatest  song  "Don't  Talk " where  Merchant  adopts  the  persona  of  the  battered  wife  confronting  her  partner's  alcohol-fuelled  abuse. The  verses  seethe  with  pent-up  rage  with  Steve  Gustafson's  melodic  bass  line  duelling  with  Augustyniak's  aggressive  drumming  and  Buck's  angry  guitar  blasts   while  Merchant   drills  through  the  man's  excuses  with  merciless  insight. The  urgent  chorus  provides  a  melodic  sweetener  without  letting  go  of  the  bone   and  then  Buck  is  finally  let  off  the  leash  to  close  it  out  with  a  mournful  solo. I  have  to  admit  there  is  a  similarity  to  Go  Your  Own  Way  in  the  song's  structure  but  as  that's  a  personal  fave  too  I  can  overlook  the  debt.

"Peace  Train"  is  a  cover  of  the  Cat  Stevens  song  and  no  longer  appears  on U.S. CDs  of  the  album, the  band  pulling  it  in  the  wake  of  his  support  for  the  Salman  Rushdie  fatwa  and  consequent  concerns  about  where  he  might  direct  the  royalties. It's  a  largely  faithful  cover  driven  along  by  Augustyniak's  percussion  skills  and  Merchant  recapturing  the  spirit  of  late  60s  idealism  that  its  author  lost  somewhere  along  the  way.

"Gun  Shy"  follows  on  quite  naturally  with  Merchant  casting  herself  as  the  peacenik  sister  of  a  young  man  who  wants  to  join  the  army. It's  folk-rock  at  its  best  with  Drew's  warm  and  woozy  organ  chords  complimenting  Merchant's  achingly  sad  vocal.

She  stays  in  the   sibling  role  for  "My  Sister  Rose"  the  happiest  song  on  the album  as  Merchant  dissects  an  Italian-American  wedding  to  a  cha-cha  rhythm  although  there's  an  undercurrent  of  sadness  at  the  loss of  her  companion  to  married  life.

"A  Campfire  Song"  is  a  moral  fable  , timely  in  the  year  of  Wall  Street,  with   a  simple  "greed  is  bad"  message  although  the  natural  metaphors  suggest  there's  also  an  eco-theme. The  ringing  guitars  and  gorgeous   folk-rock  melody  suggest  The Byrds  or  maybe  someone  else. And  lo  and  behold  there's  another  voice  coming  in  on  the  middle  eight  and  one  Michael  Stipe  Esq.  makes  his  first  appearance  in  our  story. ( When  I  saw  them  in  Manchester  six  months  on  from  here  Merchant  picked  a  guy  from  the  audience  to do  Stipe's  bit  and  his  singing  was  so  bad  it  removed  any  suspicion  that  he  was  a  stooge).

"City  Of  Angels"  is  the  nearest  this  album  gets  to  a  duff  track. It's  a  protest  song  about  the homeless  people  of  Los  Angeles  with   an  excess  of  laboured  irony  around  the  city's  name. An  unattractive  hectoring  tone  also  creeps  into  Merchant's  voice  as  the  song  progresses. The  languid  pace  and  guitar  work suggest   a  Cocteau  Twins  influence. It's  actually  OK  ; it  just  doesn't  shine  in  this  exalted  company.

That  leaves  the  astonishing   "Verdi  Cries"  (  a  big  favourite  with  Stipe  who  re-wrote  it  as  Nightswimming  a  few years  later )  which  is  effectively  a  Merchant  solo  recording  , her  voice  and  piano  accompanied  only  by  some  guest  string  players. If  anyone  can  listen  to  this  beautifully  played  and  sung   litany  of  dearly -held  childhood  holiday  memories  with  its  pregnant  pauses  without  welling  up  they've  already  died.  The  older  you  are  the  more  you  feel  this  extraordinary ( especially  given  Merchant  was  only  23 when  she  wrote  it ) song.

There's  nothing  better  than  an  album  which  exceeds  all  your  expectations. This  is  definitely  one  of  my   Desert  Island  Discs. It  blew  away  any  last  vestiges  of  anti-American  prejudice  in  my  record-buying  for  good  ( as  you'll  see ). That  none  of  its  participants  have  ever  done  anything  quite  as  good  since  doesn't  really  matter.

116 Children - The Mission

Acquired  :  25  December  1988

Tracks :  Beyond  The  Pale / A Wing  And  A  Prayer / Heaven  On  Earth / Tower  Of  Strength / Kingdom  Come  / Breathe / Child's  Play / Shamera Kye / Black  Mountain  Mist / Heat / Hymn ( For  America )

As  explained  in  the  previous  post  this  was  my  last  LP  Christmas  present  from  my  sister.

When  The  Mission  first  hit  the  charts  some  other  popster  ( I  think  it  was  Lloyd  Cole  but  as  he  didn't  have  a  record  out  at  the  time  that's  uncertain ) laid  into  Wayne  Hussey along  the  lines  of  "He  poses  as  being  fey  and  bisexual  but  everyone  knows  he's  really  a  Tetley  Bitterman  who  listens  to  Led  Zeppelin ". Whoever  it  was  would  have  felt  justified  when  The Mission  re-emerged  at  the  beginning  of  1988  with  John  Paul  Jones  as  their  producer. As  you  might  expect  this  a  less  Goth album  than  their  debut  with  a  heavier  denser  sound.

"Beyond  The  Pale"  rises  slowly  out  of  children's  playground  noises  with  a  Cult-like  circular  riff  gradually  making  itself  heard  before  the  rhythm  section  kicks  in  around  the  two  minute  mark  and  Hussey  coming  in  not  long  after.  It's  a  pretty  good  song  about  the  call  of  the  sea  although  the  lyrics  are  reliably  cliché-ridden - "the  wind  is  blowing  wild" "From  a  whisper  to  a  scream"  and  so  on. Juliane  Regan  reappears  to  boost  a  strong  rock  chorus  and  combine  well  with  a  mandolin  break  in  the  middle  eight. An  abridged  version  was  released  as  the  second  single but  underperformed, peaking  at  32. 

"A  Wing  And  A  Prayer "  is  a  better-written,  driving  rock  song  about  being  enslaved  to  drugs  with  Jones  giving  them  a  much  crisper  drum  sound  than  on  the  previous  LP. He  might  also  be  responsible  for  the  glockenspiel  which  doesn't  quite  disguise  the  fact  that  the  main  melody  is  very  boring, a  persistent  weakness  throughout  the  LP.

"Heaven  On  Earth"  is  a  case  in  point.  The  acoustic  guitar / congas  arrangement  is  inventive  and  Jones's  string  arrangement  gradually  makes  its  presence  felt  but  it's  mutton  dressed  as  lamb  because  the  song  itself  is  a  tuneless  drone  with  Hussey  murmuring  his  way  through  a  stew  of  quasi-religious  clichés.

"Tower  Of  Strength"  the  lead  single  got  to  number  12  and  seems  to  be   generally  regarded  as  their  best  song. A  remixed  version  was  a  smaller  hit  in  1994; it  didn't  do  much  for  me  but  I  remember  one  of  Top  Of  The  Pops '  forgotten  goon-presenters of  the  90s wittering  on  about  the  bassline. There's  a  big  Eastern  influence  to  the  arrangement  with  its  chattering  tablas  and  the  Indian  melody  line  on  the  strings. Hussey's  devotional  lyrics  are  heartfelt  and  it  builds  up  nicely  to  a  thunderous  climax. 

Side  Two  kicks  off  with  "Kingdom  Come"  which  has  a  strong  intro  with  some  nice  melodic  guitar  but  the  song  itself  is  very  routine, vaguely  sexual  lyrics, declamatory  vocals  and  instantly  forgettable  tune.

"Breathe"  is  a  mere  snatch  of  a  love  song, slow  and  heavily  indebted  to  Purple  Rain.

"Child's  Play"  is  big  and  blustery  with  heavy  drums  and  frantic  guitar  thrashing. Hussey  works  himself  into  a  froth  seemingly  about  drugs  again,  personified  as  a  femme  fatale.

That's  followed  by  "Shamera  Kye"  a  brief  and  pointless  violin  drone  which  acts  as  a  prologue  to  "Black  Mountain  Mist"  an  acoustic  ballad  of  nostalgia  for  home  and  innocence.  , Regan  returns  and  is  a  plus  but  neither  she  nor  the  harp  player  can  save  it  from  Hussey's   one  dimensional  theatrical  vocal which  is  ill  suited  to  the  material  and  the dreariness  of  the  tune.

"Heat"  is  full  on  metal  with  heavy  drums , sexual  lyrics  and  hard  rock  guitar . It's  alright  if  you  like  that  sort  of  thing  but  what  on  earth  the  "Fe  Fi  Fo  Fum"  kiddie  chant  at  the  end  is  all  about  is  anyone's  guess.

"Hymn ( For  America) "  rivals  Def  Leppard's  Hello  America  for  the  subtlety  of  its  intentions.  Despite  the  Indian-flavoured  guitar  this  is  even  heavier  than  the  track  before  with  the  sort  of  hectic  drum  and  bass  gallop  that  Iron  Maiden  have  made  their  trademark. With  its  lyrics  about  prostitution, murder  and  corporate  religion  it  was  never  likely  to  endear  them  to  the  Yanks  and  there's  not  even  the  pretence  of  a  tune, just  another  bizarre  kiddie  chant  interlude  courtesy  of  the  Woodstock  Children's  Choir. If  there's  some  over-arching  concept  going  on  here  it'  over  my  head.

If  as  seems  likely the  band  were  hoping  to  break  out  of  the  Goth  ghetto  to  reach  a  new  mainstream  rock  audience  this  wasn't  a  strong  enough  effort  to  do  the  trick ( although  it  is  their  highest  charting  LP  reaching  number  2 ) ; certainly  America  was  never  interested  ( although  my  American  pen  friend  liked  them ).   

All  in  all  this  was  a  pretty  disappointing  LP  , the  second  side  in  particular  is  wearing. Just  as  well  that  my  next  LP  purchase  exceeded  all  expectations.

115 Fisherman's Blues - The Waterboys

Acquired  : 23  December  1988

Tracks : Fisherman's  Blues / We  Will  Not  Be  Lovers / Strange  Boat / World  Party / Sweet  Thing / And  A  Bang  On  The  Ear / Has  Anybody  Here  Seen  Hank / When  Will  We  Be  Married / When  Ye Go  Away / Dunford's  Fancy / The  Stolen  Child / This  Land  Is  Your  Land


This  record  and  the  next  have  a  melancholy  significance  as  they  mark  the  end  of  a  subplot  that's  been  running  since  the  start  of  the  story. They  are  the  last  LPs  to  be  bought  as  birthday/ Christmas  presents  by  my  sister  Helen  as  this  was  the  last  Christmas  she  was  at  home. She  returned   from  Oxford  after  graduating  in  the  summer  of  1987  and  got  a  job  as  a  library  assistant  in  Rochdale  before  starting  a  librarian's  course  at  Liverpool in  September  1988. I  have  few  memories  of  that  last  year  she  lived  with  us; I  suppose  with  both  of  us  working  that's  not  so  surprising. By  the  time  she  left  Liverpool  she had  a  dodgy  boyfriend  and  soon  took  off  with  him  to  Oxford  where  they've  remained  and  it's  just  been  a  utilitarian  ( and  essentially  pointless ) exchange  of  tokens  ever  since. I  do  remember  her  being  chuffed  that  the  guy  behind  the  counter  complimented  her  on  her  taste  when  she bought  this.

On  to  the  Waterboys  then  and  one  of  the  more  interesting  left  turns  in  the  decade's  music. After  finishing  the  tour  to  promote  the  previous  album in  1986  Karl  Wallinger  left  the  band  and  Mike  Scott  went  with  violinist  Steve  Wickham  for  an  extended  stay  in  Dublin. They  gradually  accumulated  a  new  line  up  ( retaining  original  saxophonist  Anthony  Thistlethwaite )  and  this  LP  was  the  first  fruit  from  long  sessions  recording  at  Spiddal  House  on  the  West  Coast  of  Ireland . This  was  featured  on  the  cover  with  Scott  and  the  new  band  looking  like,  as  Q's  Mark  Cooper  in  an  unenthusiastic  review  put  it , "Bronco, The  Band, or  an  awful  lot  of  people  from  1970". The  "Big  Music"  of  yore  isn't  entirely  absent  from  this  LP  but  Irish  folk  influences  are  now  very  much  to  the  fore.

The  album  starts  with  its  title  track  which  gave  them  a  second  hit  ( number  32 ) at  the  beginning  of  1989.  It's  a  Scott/ Wickham  composition  with  the  latter's  fiddle   and  Thistlethwaite's  mandolin  very  much  to  the  fore. The  song  sees  Scott's   escapism  taking  the  form  of  wishing  to  be  a  simple  fisherman  or  brakeman,  travelling  light   but  still  hoping  for  love. It's  jaunty  rather  than  maudlin  and  has  cropped  up  on  one  or  two  soundtracks  e.g. Good  Will  Hunting  since.

"We  Will  Not  Be  Lovers"  is  more  recognisably  from  the  band  that  made  "This  Is  The  Sea". It's  a  bitter  brush-off  of  a  girl  who's  bad  news  sung  with  Scott's  usual  intensity. Wickham's  fiddle  plays  the  main  riff  with  impressive  stamina , Trevor  Hutchinson's  bass  prowls  and  prods  and  Dave  Ruffy's  powerful  rock  drumming  brooks  no  argument . The  lyrics  are  good  but  it  is  a  bit  wearing  over  7  minutes.

"Strange  Boat"  a  Scott/Thistlethwaite  co-write  is  a  disarmingly simple  mellow  song   with  a  country  flavouring  that  could  either  be  a  literal  description  of  the  emigrant  experience  or  a  metaphor  for  the  band's  own  new  musical  journey. Wickham's  sympathetic  fiddle  is  first  class.

"World  Party"  is  the  highlight  of  the  album, an  absolute  Waterboys  classic. It's  exact  relationship  to  the  new  group  formed  by  the  departed  Karl  Wallinger  isn't  clear. Wallinger  has  a  composer  credit  and  his  influence  in  the  piano  part   that  drives  the  song  is  obvious  although  it's  actually  Scott  himself  playing  on  the  track . The  lyric  could  be  interpreted  as  a    send-off  to  someone  wanting  their  own  space  but  the  themes  of  wistful regret  and  chasing  a  vision  are  long term  Scott  staples  and  the  third  verse  is  entirely  introspective. The  arrangement  is  fantastic  with  Thistlethwaite  wrenching  some  amazing  sounds  from  his  fuzz  mandolin, Wickham  sawing  away, Noel  Bridgeman  coming  up  with  a  nice  trumpet  solo  and  the  Abergavenny  Male  Voice  Choir  beefing  up  the  chant  of  "Party !  Party!"

"Sweet  Thing"  is  a  cover  of   a  Van  Morrison  song  from  the  hallowed  Astral  Weeks. Now  I'm  not  a  big  fan  of  Van  the  Man; while  respecting  his  influence  and  extraordinary  creative  longevity  I  don't  like  his  voice  and  find  a  lot  of  his  stuff  overblown  and  tedious. Scott  actually  aggravates  the  problem  by  making  it  nearly  as  twice  as  long  as  the  original, some  of  which  time  is  filled  up  by  working  in  a  snatch  of  the  Beatles'  Blackbird   to  no  great  effect  ( except  financially  no  doubt ). The  lyric  about  finding  spiritual   fulfilment  in  another's  arms  in  typically  exalted  language  is  impressive  but  the  arrangement  is  less  interesting  than  the  original  and  it  doesn't  do  much  for  me.  Some  sources  have  the  brief  burst  of  chatter  and  rough-cut  violin  waltz  that  follows  as  a  separate  track  "Jimmy  Hickey's  Blues"  but  that  isn't  the  case  with  the  vinyl  version.

The  second  side  is  all  then-recent  material  recorded  at  the  Spiddal  sessions  in  1988. "And  A  Bang  On  The  Ear"  was  the  second  single  (in  abridged  form ) , peaking  at  a  disappointing  51.
It's  a  High  Fidelity  - style  catalogue  of  Scott's  past  loves , possibly  fictional, with  each  verse  ending  with  the  title  line, an  Irish  expression  approximating  to  "peck  on  the  cheek" . It's  a  great  song  despite  Scott  acquiring  some  dodgy  Irish inflections  in  his  singing  voice  which  justifies  its  running  length  by  gradually  building  up  the  music  with  each  verse  culminating  in  some  great  Hammond  work  from  Thistlethwaite  abetted  by  Martin  O' Connor  on  accordion.
The  song  also  features  Jay  Dee  Daugherty  from  Scott's  longtime  heroes  the  Patti  Smith  Group. one  of  six  different  drummers  featured  on  the  LP.

"Has  Anybody  Here  Seen  Hank ? " , a  Scott / Thistlethwaite  co-write  is  a  drowsy  tribute  to  the  increasingly  fashionable  though  long  dead  country  outlaw  Hank  Williams  with  the  very  un-pc  line  "I  don't  care  what  he  did  with  his  women". The  pseudo-Irish  vocals  don't  go  with  the  subject  matter  or  the  country  stylings   in  the  music  and  its  relative  brevity  is  a  bit  of  a  relief.

"When  Will  We  Be  Married "  is  a  Scott / Wickham  co-write  of  an  Irish  folk  tune  where  the  protagonist  or  his  conjugal  rights  despite  full  awareness  that  his  "Molly"  is  eye-ing  up  other  men. It's  well-executed  with  Wickham  excelling  once  again  and  Scott  himself  playing  the  drums  at  the  dramatic  climax  but  it  does  raise  the  question  of  whether  Scott  is  bringing  anything  new  to  the  table  beyond  an  appreciation  of  the  Dubliners  and  Chieftains.

"When  Ye  Go  Away"  is  a  Shane-like  tale  of  a  charismatic  visitor  who  won't  be  staying,   a  Scott-penned  low-key  strumalong  with  Alec  Finn's  bouzouki  lending  it  an  exotic  air.

"Dunford's  Fancy"  is  a  brief  little  jig  penned  by  Wickham  and  named  for  the  producer  which  doesn't  feature  Scott  at  all.

"The  Stolen  Child " is  a   W B  Yeats  poem  set  to  Scott's  music. The  poem  is  based  on  Irish  legends  about  fairies  stealing  children  but  it's  not  too  hard  to  see  how  these  might  have  originated  from  experience  of  infant  mortality. The  verses  are  read  in  a  thick  brogue  by  Thomas  McKeown  while  Scott  sings  the  four  line  refrain  at  the  end  of  each  one. It  culminates  in  the  devastating  line  "For  the  world's  more  full  of  weeping  than  you  can  understand"  which  puts  me  in  mind  of  The  Virgin  Suicides   idea  that  the  four  young  girls  checked  out  because  they  understood  what  was  coming. Scott's  music  is  perfectly  sympathetic  particularly  Colin  Blakey's  flute  and  the  effect  is  extraordinary. Why  they  felt  the  need  to  bookend  this  masterpiece  with  a  pub singalong  verse  of  "This  Land  Is  Your  Land"  is  mystifying  but  that's  Scott  for  you.

So  here  we  have  another  bewilderingly  uneven  album  ( not  the  last  either ) from  one  of  our  most  erratic  talents.

114 Raintown - Deacon Blue

Purchased  :  December  1988

Tracks : Born In A  Storm / Raintown / Ragman / He  Looks  Like  Spencer  Tracey  Now / Loaded / When  Will  You ( Make  My  Telephone  Ring)  ? / Chocolate  Girl / Dignity / The  Very  Thing / Love's  Great  Fears / Town To Be  Blamed

This  was  the  next  purchase  from  Britannia.

Like  Ancient  Heart  this  was  a  popular  LP  at  the  time  but  has  worked  its  way  towards  the  back  of  people's  cupboards  since  then. Just  ask  yourself  when  you  last  heard  any  of  these  guys'  17  Top  40  hits  on  the  radio ? 

This  was  the  band's  debut  LP   released  in  the  summer  of  1987. It  proved  to  be  a  slow  burner  sticking  around  the  charts  ( highest position  14 )  for  eighteen  months  despite  the  lack  of  a  Top  30  single.  Its  critical  reception  was  lukewarm  and  this  may  have  been  down  to  disappointment  at  who  they  were  not. A  band  from  Glasgow  with  the  word  Blue  in  their  name  singing  melancholic  and  romantic  songs  about  their  home  city  with  a  rooftop  shot  on  their  album  cover - we've  been  here  before  haven't  we  ?  Their  name   also  made  them  suspect   in  being  gleaned  from  a  song  by  Steely  Dan, a  band  still  not  fully  rehabilitated   from  pre-punk  pariah  status.

"Born  In  A  Storm"  is  a  brief   piano  and  voice  piece  that  introduces  Ricky  Ross's  plaintive  vocals  and  the  lyrical  themes  of  adverse  fate  and  the  weather  before  segueing  straight  into  "Raintown"  with  its  cascading  piano  intro. The  song  rests  on  a  light  white  funk  rhythm  reminiscent  of  China  Crisis  before  erupting  into  a  dramatic  chorus  with  Fairlight  crashes  and  Lorraine  McIntosh's  gospel-y  wails. It's  that  conflict  that  makes  this  album  intriguing - the  head-on  collision  between  old-fashioned  singer-songwriter  values  and  bombastic  eighties  over-production. The  song  places  a  couple  kept  apart  by  job  commitments  against  the  backdrop  of  the  rainy  city  and  is , if  a  Radio  4  documentary  is  to  be  believed, well  regarded  by  its  inhabitants.

"Ragman"  is  a  magnificent  Prefab  Sprout  impersonation ( with a hint  of  the  Lotus  Eaters' First  Picture  Of  You  for  good  measure ) . Like  the  Pet  Shop  Boys'  Rent  it  seems  to  be  about  a  relationship  where  the  pair  are  not  economic  equals, obviously  a  major  concern  of  the  times.
The  glossy  production  is  well-judged  staying  just  on  the  right  side  of  tasteful.  It's  not  a  bad  little  song  , it's  just  hard  to  give  it  full  credit  when  it  sounds  so  much  like  someone  else's.

"He  Looks  Like  Spencer  Tracey  Now"  is  inspired  by  the  American  physicist  Harold  Agnew  ( still  alive  at  the  time  of  writing  and  yes  he  does  a  bit ) who  flew  with  the  bomb   (though  not  on  the  same  plane  that  OMD  celebrated ) to  Hiroshima   and  took  pictures.  It's  an  interesting  lyric  but  the  song's  a  bit  soporific,  the   over-lush  production  and  Ross's  earnest  vocal  making  it  sound  very  like  Paul  Young. Plus  it's  got  the  same  melody  as  "Dignity ".

"Loaded"  is  a  pop  at  some  dissatisfied  yuppie  reminding  him or  her  of  their  privileged  position. Released  as  a  single  in  the  summer  of  1987  it  failed  to  chart  despite  a  reasonable  amout  of  exposure; perhaps  the  video  ( pointedly  filmed  in  London ) , where  Ross's  div  dancing  makes  Andy  McCluskey  look  like  Nureyev  didn't  help.  It's  a  sprightly  funk-flecked  piece  of   Wet  Wet  Wet-ish  guitar  pop  with  a  warm  chorus.

"When  Will  You ( Make  My  Telephone  Ring)"  their  second  modest  hit  of  1988  is  a  slow  smoochy  soul-pop  number,  again  not  too  far  away  from  Wet  Wet  Wet,   with  straightforward  lyrics  about  waiting  for  an  errant  lover's  call  of  explanation.  Paul  Young's  backing  trio are  on  hand  ( shortly  before  going  out  on  their  own  as  Londonbeat ) to  beef  up  the  chorus. It's  not  really  my  cup  of  tea   but  well  enough  executed.

Side  two  kicks  off  with  "Chocolate  Girl"  which  fell  just  short  of  the  Top 40  as  a  single. It's  a  third  person  tale  of   a  smug  complacent  man  who  can't  understand  why  his  kept  girlfriend  isn't  more  responsive. This  one  struck  a  particular  chord  with  me  as  the  girl  I  fancied  at  work  was  being  bad  mouthed  by  her  boyfriend  for  being  too  passive  in  bed  ; he  wasn't  the  sort  of  guy  who  might  reflect  on  what  this  said  about  his  own  performance. It's  a  louche  country-flavoured  ballad  featuring  in-demand  pedal  steel  guitarist  B J  Cole  spicing  up  an  already  strong  chorus.

"Dignity"  was  the  first  single  to  crack  the  Top  40  ( number  31 ) . It  starts  out  as  an  affecting  little  folk  song  about  a  street  cleaner's  dreams  of  sailing  a  small  boat  then  cranks  itself  up  into  a  piano-led  stomper  with  a  lyric  about  reading  Maynard  Keynes   which  raises  the  dread  spectre  of  compatriots  Hue  and  Cry. The  lyrical  concept  is  a  bit  cack-handed  but  the  attractive  tune  saves  it.

"The  Very  Thing"  is  the  most  frustrating  track. For  a  verse  and  a  chorus  they  achieve  the  emotional  majesty  of  the  Blue  Nile  jumping  off  from  the  heart breaking  line  "One  day  all  of  us  will  work"  then  destroy  the  mood  by  cranking  up  the  drums  and  losing  lyrical  focus. It  returns  to  that  key  line  at  the  end  in  a  nice  coda  but  its  an  unsatisfactory  song.

The  final  two  tracks  are  co-writes  with  keyboard  player  Andy  Prime . "Love's  Great  Fears"  is   the  sort  of  lush  piano-led  AOR   that   could  have  come  from  Bruce  Hornsby  or  Don  Henley  ( with  a  hint  of  Nik  Kershaw's  Wouldn't  It  Be  Good   in  the  main  piano  riff )  with  an  adult  lyric   about  talking  through  relationship  insecurities. Chris  Rea  pops  up  to  add  a  little  spice  to  the  latter  stages  with  some  searing  guitar.

The  final  track  "Town  To  Be  Blamed"  is  clunkily-titled  ( isn't  Glasgow  a  city  anyway ? )  and  works  hard  to  be  big  and  dramatic  with  loud/quiet  switches  and  some  squally  rock  guitar.  It  does  capture  a  night  time  in  the  big  city  mood  and  the  piano  work  and  Ross's  vocal  are  first  class.

This  LP  laid  the  groundwork  for  the  next  one  to  go  straight  to  number  one  helped  by  a  big  breakthrough  hit  in  "Real  Gone  Kid" ( the  subject  of  which  will  pop  up  here  in  due  course) but  by  that  time  too  much  bombast  had  crept  into  their  music  for  me  and  I  lost  interest  in  the  band. After  splitting  in  1994  and  Ross  failing  with  a  solo  LP  they  got  back  together  in  1999  and  have  continued  on  a  part-time  basis  ( less  guitarist  Graeme  Kelling  who  died  in  2004 )  ever  since.

 

113 God's Own Medicine - The Mission

Purchased  :  November  11  1988

Tracks : Wasteland / Bridges  Burning / Garden Of  Delight / Stay  With  Me / Let  Sleeping  Dogs  Die / Sacrilege / Dance  On  Glass / And  The  Dance  Goes  On / Severina / Love  Me  To  Death

This  was  purchased  from  Soundsearch  for  £4.50.

When  my  loyal  reader  Dee  C.  Harrison  recently  mentioned  The  Mission  in  the  thread  on  the  last  Bolshoi  album  I  resisted  the  temptation  to  tell  him  how  soon  they'd  be  coming  up.

When  I  went  to  Leeds  University  in  the  autumn  of  1983  I  was  vaguely  familiar  with  the  Sisters  of  Mercy  from  the  David  Jensen  show  but  more or  less  dismissed  them  as  a  sub-Joy  Division  outfit   who  wouldn't  escape  the  confines  of  the  independent  charts.  I  was  therefore  surprised  by  how  big  a  deal  they  were  in  their  home  city  or  at  least  campus  ( although  Andrew  Eldritch  had  left  the  university  by  that  point ). The  Mission  formed  as  an  offshoot  from  the  Sisters   in  a  very  messy  and  acrimonious  process  in   the  latter  half  of  1985. Bassist  Craig  Adams  quit  the  group  after  an  argument  with  Eldritch  and  guitarist  Wayne  Hussey  decided  to  take  his  side. When  Eldritch  heard  they  intended  to  call  themselves  The  Sisterhood   he  gazumped  them  by  releasing  a  new  single  under  that  name  himself  and  won  an  ensuing  court  case  forcing  his  ex-bandmates  to  find  a  new  name  for  their  enterprise.  Despite  an  arguably  better  claim  to  the  Sisters  legacy - two  as  opposed  to  one  of  the  last  line-up  including  increasingly  the  main  songwriter - the  music  press  sided  with  Eldritch  and  The  Mission  were  doomed  to  a  permanently  rough  ride  from  the  critics.

Adams  and  Hussey  filled  the  gaps  in  the  line-up  with  Mick  Brown  , the  human  drummer  the  Sisters  never  had,  from  Leeds   agit-rockers  Red  Lorry  Yellow  Lorry  and  a  second  guitarist  Simon  Hinkler  who  had  briefly  been  in  an  early  line-up  of  Pulp. The  material  on  this  debut  LP  released  in  November  1986  was  almost  all  originally  written  for  the  Sisters  ;  some  were  recorded  in  rough  form with  Eldritch, others  are  songs  he  had  rejected.

I  first  became  interested  in  them  when  "Wasteland"  made  number  11  ( their  highest  ever  placing  as  it  turned  out )  in  January  1987  just  before  I  secured  my  first  job  and  it  seemed  very  appropriate  for  both  a  particularly  harsh  winter  and  my  own  situation. I  loved  the  spoken  word  intro  "I  still  believe  in  God  but  God  no  longer  believes  in  me"  although  sadly  almost  inaudible  on  the  album  version. The  song  itself  is  quintessential  Goth  rock  with  its  blend  of  acoustic  and  electric  guitar,  driving  bass  , rock  solid  drumming  and  dramatic  vocals  and  lyrics. There's  certainly  a  Bono-ish  tinge  to  the  latter  as  the  song  seems  to  detail  a  spiritual  crisis - "Heaven  and  hell  I  know  them  well  but  I  haven't  yet  made  my  choice".

"Bridges  Burning"  is  less  impressive  , a  string  of  heroic  clichés  and  trite  rhymes  slung  together  over  an  Indian-flavoured  riff , Hinkler  achieving  the  sound  of  a  sitar,  and  wild  animal  noises  suggesting  a  familiarity  with  recent  Cure  LPs. Listening  to  this  Eldritch's  biting  criticism  of  Hussey's  lyric-writing  begins  to  bite.

"Garden  Of  Delight"  was  one  of  the  songs  the  Sisters  were  working  on  before  the  split  and  came  out  as  a  single  on  an  independent  label  ( making  number  49 )  before  the  band's  deal  with  Mercury. This  is  a  different  version  again  , slowed  down  and  orchestrated  with  scraping  strings. It's  unashamedly  sexual,  full  of  unsubtle  erotic  metaphors  but  the  song  isn't  really  strong  enough  to  warrant  such  a  dramatic  treatment.

"Stay  With  Me"  gave  the  band  the  Top  40  hit , in  autumn  1986, that  had  always  eluded  the  Sisters  up  to  that  point. Another  ode  to  the  joys  of  sex - "take  me  deep  inside" , "sleepless  nights  I've  spent  with  angels  heaven  sent"  and  so  on,  it   has  a  good  swing  carried  by  the  massed  acoustic  guitars  and  melodic  riff.

"Let  Sleeping  Dogs  Die"  is  the  first  track  that  you  suspect  might  be  about  the  Sisters'  split  with  lyrics  of  hurt  betrayal  and  Hussey  intoning  the  verses  in  a  voice  as  close  to  the  Eldritch  baritone  as  he  can  get. While  the  lyrical  coherence  is  welcome  it's  not  a  great  song ,  a  hollow  epic  that  seems  to  be  building  up  to  a  big  chorus  then  doesn't  deliver.

"Sacrilege"  picks  up  the  pace  with  an  intro  featuring  frantic  pounding  from  Brown  and  purposeful  verses  based  around  a  melodic  guitar  riff. Hussey  musters  some  righteous  anger  about  heroin  addiction  -"Say  goodbye  to  the  salad  days, arms  stretched  out  for  the  needle  haze"  and  the  chorus  features  some  nice  Banshees  guitar.

"Dance  On  Glass"  makes  a  point  to  Eldritch  for  it  was  originally  intended  for  the  first  Sisters  album  but  Eldritch  disliked  the  lyrics  and  re-wrote  it  as  Black  Planet. It's  hard  not  to  take  his  side  as  Hussey  seems  to  have  hit  the  rhyming  dictionary  pretty  hard  again - "dust/rust, spell/tell , meek/cheek"  etc.  and  thus  his  straining  passion  as  the  song  progresses  becomes  rather  risible. The  slow  and  dry  arrangement  is  also  inferior  lacking  all  the  dark  drama  of  the  Sisters  song  despite  a  small  contribution  from  Julianne  Regan  on  backing  vocals.

"And  The  Dance  Goes  On"  also  seems  to  refer  to  the  feud  and  is  a  perfectly  acceptable  slice  of  Goth rock  with  some  good  guitar  work  and  a  string-augmented  middle  eight.

"Severina"  was  the  third  single  notable  for  introducing  the  golden  tones  of  Julianne  Regan  to  the  charts. A  tribute  to  some  hippy  chick,  it  shows  a  grasp  of  song  construction  not  evidenced  elsewhere  with  dramatic  pauses  and  a  call  and  response  dynamic  between  Hussey's  lines  and  his  guitar. But  it's  Regan  who  lifts  it  high  with  her  wordless  Claire Torrey-esque  contribution  in  the  middle  eight  and  outro,  conjuring  up  the  spirit  of  early  70s  mysticism  so  prevalent  in  her  own  band's  work.

Wayne  the  lover  man  returns  for  "Love  Me  To  Death" which  gives  David  Coverdale  a  run  for  his  money  for  how  many  dodgy  sexual  metaphors  can  be  crammed  into  four  and  a  half  minutes. Regan  obviously  took  it  in  good  part  for  she's  back  to  add  sugar  to  the  chorus  and  it's  not  a  bad  song  to  round  off  the  LP  with  a  crisp  beat  and  some  good  guitar  work.

I  had  relatively  modest  expectations  for  this  LP  and  it  just  about  delivered, proving  that  they  chose  the  singles  well  if  nothing  else.  It's  not  long  before  we'll  be  discussing  the  next  one.
   

112 The Collection 1977-1982 - The Stranglers

Purchased  : November  3  1988

Tracks : Grip - Peaches - Hanging  Around - No  More  Heroes - Duchess - Walk On By - Waltzinblack - Something  Better  Change - Nice 'n' Sleazy - Bear  Cage - Who  Wants  The  World - Golden  Brown - Strange  Little  Girl - La  Folie

This  was  the  next  purchase  from  Britannia. The  spur  for  this  came  from  my  time  at  Liverpool  doing  the  CIPFA  qualification. At  lunchtimes  I'd  usually  go  down  with  my  friend  Mark  to  a  city  centre  pub  whose  name  now  escapes  me  for  something  to  eat. It  was  the  first  pub  I'd  come  across  with  a  CD jukebox  but  the  downside  was  that  the  selection  was  a  Patrick  Bateman- approved  catalogue  of  yuppie  horrors,  Genesis, Dire  Straits, Whitney  Houston, Bruce  Springsteen   etc. Apart  from  The  Queen  Is  Dead  this  was  the   only  "edgy"  item on there  and  in  "Walk  On  By"  had  a  particularly  long  track  to  give  VFM  ( I was  doing  accountancy  after  all ! )

I'd  always  had  a  hit  and  miss  relationship  with  The  Stranglers  loving  one  single  then  hating  the  next  which  is  why  I'd  never  been  tempted  to  purchase  one  of  their  regular  LPs. This  compilation  was  issued  in  1982  to  fulfil  their  obligations  to  EMI  who  had  bought  out  their  label  Liberty. EMI  had  viewed  them  as  a  spent  force  but  ironically   they  were  departing  just  as  they  achieved  their  greatest  success  with  "Golden  Brown".

The  vinyl  version  isn't  a  complete  collection  of  their  singles  up  to  that  date - the  sound  is  compressed  enough  as  it  is- with  "Five  Minutes"  the  most  grievous  omission. Nevertheless  it  summarises  the  first  phase  of  their  long  career  well  enough. The  Stranglers  started  out  as  The  Guildford  Stranglers  ( strangely  enough  I've  just  been writing  about  Guildford  on  another  blog ) in  1974  , earned  their  spurs  on  the  pub  circuit  then  started  having  hits  in  1977  just  as  punk  went  over ground.  This  leads  on  to  the  first  of  the  two  big  questions  that  dogged  the  band  at  this  point  - were  they  really  punk ? Well  they  owed  nothing  to  McLaren  or  the  NME  that's  for  sure  but  punks  liked  them , bought  the  records  and  wore  the  badges   so  I  would  say  they  passed  any  worthwhile  test  of  their  credentials. The  other  more  difficult  question  is  whether  they  were  as  unpleasantly  misogynistic  as  a  number  of  their  songs  might  suggest. One  can't  be  sure  but  Hugh  Cornwell  was  a  biochemist  and  Jean-Jaques  Burnel  a  closet  bisexual who  once  took  a  young  Steve  Strange  to  bed  so  it  seems  unlikely  that  their  most  provocative  work  was  entirely  without  irony.

The  running  order  isn't  strictly  chronological  but  it  starts  with  their  first  single  and  minor  hit "Grip".  The  song  is  a   frantic  commentary  on  their  pre-fame  lifestyle  as  a  working  band  delivered  in  matter-of-fact  style  by  Hugh  Cornwell. It  displays  all  the  elements  of  their  initial  sound  namely  Jet  Black's  less  is  more  jazz-flecked  drumming, Jean-Jacques  Burnel's  crunching  basslines  and  Dave  Greenfield's  dextrous  arpeggio-laden  keyboard  riffs  which  often , as  here, leave  Cornwell's  scratchy  guitar  almost  superfluous. The  icing  on  the  cake  on  this  track  is  the  unexpected  sax  blast  on  the  chorus. As  an  opening  statement  of  intent  it's  hard  to  beat.

"Peaches"  was  the  band's  second  single  and  their  first  big  hit  reaching  number  eight  in  the  summer  of  1977  although  it  was  a  double  A-side  with  the  raucous  but  unobjectionable  R & B  song  "Go  Buddy  Go"  and  that  was  the  song  that  was  featured  on  Top  Of  The  Pops and  Radio  One  until  the  band  issued  a  more  radio-friendly  version of  the  other  side  that  didn't  feature  the  words  shit, clitoris and  bummer.  It's  the  fount  of  all  the  accusations  of  unpleasant  sexism  as  the  whole  song  consists  of  the  observations  of  a  lecherous  man  looking  at  girls  on  the  beach. The  song  is  played  in  a  queasy , lurching  reggae  style. Cornwell  sneers  rather  than  sings  the  song  and  it's  hard   to  believe  he's  being  serious - the  mispronunciation of  "clitoris"  is  the  big  clue  here. He's  playing  the  part  of  Les  Dawson's  contemporaneous  creation  Cosmo  Smallpiece.  Whether  the  band's  audience  got  the  irony  is  another  question; I  remember  my  12-13  year  old  schoolmates  being  thrilled  that  something  so  rude  had  got  in  the  charts.

"Hanging  Around" was  never  released  as  a  single  but  it's  a  stonewall  classic , the  highlight  of  their  debut  LP  "Rattus  Norvegicus". The  intro  is  a  gem  in  itself  , eight  hi-hat  taps  from  Black, ominous  stabs  of  Greenfield's  Hammond, a  spindly  riff  from  Cornwell  and  then  the  entrance  of  Burnel's  bass  which  hits  like  a  sledgehammer. The  rest  of  the  song  doesn't  disappoint  with  Cornwell's  deadpan  dissections  of  members  of  their  audience  all  indulging  in  some  form  of  substance  abuse  leading  via  ascending  chords  to  a  killer  chorus  dominated  by  Greenfield's  fast  fingerwork  and  a  middle  eight  where  Cornwell  and  Greenfield  have  an  instrumental  dialogue  that  keeps  the  tension  going. As  an  evocation  of  the  febrile, dangerous  world  of  urban  Britain  in  the  late  70s  ( at  least  as  viewed  from  the  safety  of  a  parental  home  in  small  town  Lancashire )  it's  second  only  to  Down In The Tube  Station  At  Midnight. It  was  a  minor  hit  in  1981  as  a  passable  cover  by  Cornwell's  former  girlfriend  Hazel  O'  Connor  who,  it  was  speculated, may  have  been  the  "big  girl  in  the  red  dress"  of  the  first  verse.

Then  it's  straight  on  to  another  classic  in  "No  More  Heroes"  the  first  "punk"  hit  that  I  genuinely   liked  as  opposed  to  wanted  to  like. Whatever  the  group's  credentials  it's  the  perfect  hymn  to  the  nihilism  of  the  times  although  the  name checked  examples - Trotsky, art  forger  Elmer  de   Hory, Lenny  Bruce  , Sancho  Panza - are  certainly  an  electic  bunch  and  as  there  are  four  of  them  one  suspects  that  each  band  member  got  to  nominate  a  favourite. Musically  it's  a  thrilling  ride  from  Cornwell's  descending  guitar  figure  at  the  start  to  the pounding  finish. Greenfield's  arpeggios  dominate  as  he  and  Burnel  intermesh  leaving  Cornwell  a  jagged  solo  at  the  start  of  the  middle  eight.

Then  the  album  jumps  forward  to  1979's  "Duchess"  their  last  Top  20  hit  until  1982  heralding  a  troubled  start  to  the  new  decade  with  Cornwell  getting  himself  banged  up  for  heroin  possession  and  their  singles  struggling  to  make it  into the  Top  40.  It's  clear  that  they've  turned  down  the  aggression  a  notch; Burnel's  bass  is  a  bit  lower  in  the  mix  as  if  his  solo  album  earlier  in  the  year  got  something  out  of  his  system. The  song  is  a  swipe  at  the  English  class  system  with  the  titular  woman  a  working  class  girl  with  pretensions  holding  out  against  the  working  class  "Rodneys"  who  want  to  take  her  out. Greenfield  again  dominates  this  one  achieving  a  harpsichord  tone  as  he  piles  on  the  arpeggios  but  for  me  the  song  doesn't  really  go  anywhere.

The  full  version  of  their  cover    of  "Walk  On  By"  is  a  strange  inclusion  given  its  six  minute  length  could  have  alternately  accommodated  two  of  the  omitted  singles. Perhaps  the  band  wanted  this  testament  to  their  musical  abilities   to  take  centre  stage. Cornwell  sings  it  straight  but  the  real  point  of  the   track  is  the  four  minute  instrumental  break  introduced  by  Cornwell's  memorable  "just  go  for  a  stroll  in  the  trees" ad  lib. All  four  musicians  excel  in  a  passage  which  does  call  to  mind  The  Doors' Light  My  Fire  though  of  course  there  was  no  equivalent  to  Burnel's  relentless  bass  in  the  earlier  group's  music.

"Waltzinblack"  is  another  curious  inclusion , an  instrumental  preferred  to  either  single  release  to  represent  their  poor  selling   1981 LP  " The  Gospel  According  To  The  Men  In  Black". It  is,  as  the  title  suggests , a  sinister  fairground  waltz  where  the  others  take  a  back  seat  to  Greenfield  ( in  fact  it's  not  clear  if  there' s  anyone  else  on  it  )   giving  him  room  to  blend  synthesisers  with  his  previous  electronic organ  sound. The  Mr  Punch  laughter  noises  in  the  second  half   don't  quite  work  for  me,  recalling  that  Several  Furry  Creatures...  nonsense  on  Pink  Floyd's  Ummagumma  but  it's  an  interesting  diversion.

Side  Two  starts  by  taking  us  back  to  1977  for  their  second  big  hit  "Something  Better  Change"  which  is  a  three  and  a  half  minute  "fuck  off "  to  their  critics  sung  with  yobbish  relish  by  Burnel   particularly  the  climactic  line  to  the  second  verse  "Stick  my  fingers  right  up  your  nose". There's  a  nice  swelling  organ  intro  and  a   spiky  guitar  solo  from  Cornwell  to  keep  things  interesting  but  the  chanted  chorus  is  weak  and  compared  to  the  rest  of  their  1977  material  it's  a  bit  disappointing.

"Nice n Sleazy"  is  another  gem  from  the  early  summer  of  1978. The  song  describes  the  band's  European  tour  in  1977  and  in  particular  their  ( it  seems, enjoyable )  encounter  with  the  Hell's  Angels  of  Amsterdam. It's  hung  on  a  fat  melodic  bassline  from  Burnel  and  Cornwell  sings  it  in  an  odd  robotic  manner. What  really  catches  the  ear  is  the  startling  middle  eight  where  Greenfield  cuts  loose  with  screeching  atonal  synth  noises  that  even  now  you  wouldn't  expect  to  hear  on  a  chart  single. The  song  is  still  notorious  for  its  performance  at  Battersea  Park  that  year  when  they  were  joined  by  half  a  dozen  strippers  on  stage; it's  notable  how  little  of  the  band  you  see  on  the  video.

The  rest  of  the  album  deals  with  their  early  80s  output. "Bear  Cage " was  released  with  brilliant  timing  just  as  Cornwell  went  down  to  Pentonville  in  the spring  of  1980  but  actually  describes  the  experience  of  living  in  the  island  that  was  West  Berlin  during  the  Cold  War. It's  not  one  of  their  better  songs  with  its  dull  chant  of  a  chorus  and  Cornwell  sings  it  like  he  was  addled  at  the  time.

"Bear  Cage"  stiffed  in  the  thirties  and  its  follow-up  "Who  Wants  the  World"  did  no  better. A  Hammond-heavy  R & B ( in  the  original  sense  of  the  term )  number  it  concerns  aliens  dropping  in  on  the  world  and  getting  out  again  damn  quick. Cornwell's  shaky  vocal  is  bolstered  by  the  others  coming  in  halfway  through  each  verse. It's  passable  but  you  do  get  the  sense of  a  band  losing  its  way.

Then  they  brilliantly  resurrected  themselves  with  "Golden  Brown"  their  biggest  hit  and  the  most  likely  Stranglers  song  to  be  heard  on  the  radio.  I can't  imagine  any  reader  not  knowing  it  pretty  well - a  dangerously  seductive  paean to  heroin  set  to  Greenfield's rolling  harpsichord  patterns  with  the  rhythm  section  barely  audible. Utterly  timeless  and  an  object  lesson  in  how  to  restore  your  fortunes  in  one  fell  swoop   with  the  right  song.

"Strange  Little  Girl"  is  the  obligatory  "new"  track  for  release  as  a  single  but  it's  actually  a  re-recording  of  a  track  they  submitted  on  an  unsuccessful  demo  to  EMI  back  in  1974. It's  a  brief  little  Syd  Barrett-ish  ditty  about  a  young  girl  leaving  home  and  getting  lost  in  the  big  city  set  to  a  fuzzy  but  still  slightly  menacing  keyboard  melody ( with  slight  echoes  of  Sparks' This  Town  Ain't  Big  Enough  For  Both  Of  Us  ).  It  gave  them  another  Top 10  hit.

At  this  point  I  usually  lift  the  needle  off  the  disc  because  I  can't  abide  the  final  track  " La  Folie", the  title  track  of  the  album  that  spawned  "Golden  Brown"  and  in  a  decision  that  took  contrariness  beyond  the  point  of  lunacy , released  as  its  follow-up.  It  got  to  number  49  on  the  strength  of,  I'm  assuming,  buyers  not  having  actually  heard  it  beforehand.  A  tasteless  resume  of  a  recent  Parisian  murder  case  where  the  victim  was  actually  eaten  afterwards  it's  mumbled  in  French  by  Burnel  with  an  Air-prefiguring  neurasthenic  synth  backing  which  also  owes  something  to  Vienna  ( a  debt  made  more  obvious  by  the  video  which  has  the  foursome  mooching  about  the  streets  of  Paris ).  It  always  seems  a  lot  longer  than  its  four  minutes.

Surprisingly  for  a  good  value  hits  package   the  LP  only  got  to  number  12  in  the  charts.  Perhaps   EMI  didn't  really  get  behind  it  given  the  circumstances  which  seems  a  shame  since  it  contains  some  of  the  best  music  in  my  collection.