100 Upstairs At Eric's - Yazoo

Purchased : August  26  1988

Tracks : Don't  Go / Too  Pieces / Bad  Connection / I  Before  E  Except  After  C / Midnight / In  My  Room / Only  You / Goodbye 70s / Tuesday / Winter  Kills / Bring  Your  Love  Down

This  was  my  second  Friday  afternoon  purchase  from  Soundsearch.

So  here  we  are  at  number  100  and  I'm  glad  it's  a  good  one. This  was  a  failsafe  purchase  as  I'd  already  borrowed  it  while  at  university  in  1985, from  a  guy  called  Andy. He  was  a  Geordie, basically  decent  and  friendly  but   unworldly - he  genuinely  thought  the thudding  noises  he  could  hear  from  the  girl  in  the  room  above  were  the  result  of  her  skipping - and  somewhat  lacking  in  social  skills ( those  friends  who  moved  into  a  shared  house  with  him the  following  year  found  living  with  him  a  bit  of  a  trial ).

This  was  Yazoo's  debut  LP  released  in  the  summer  of  1982. It  reached  number  2,  held  off  the  top  spot  if  I  remember  correctly by  The  Kids  From  Fame, a  phenomenon  that  I  took  no  interest  in  whatsoever  ( though  I  do  now  think  the  original  film  was  pretty  good ). The  prosaic  title  refers  to  Eric  Ratcliffe , the  producer  who  went  on  to  be  Vince  Clarke's  partner  in  his  next  musical  venture, the  virtually  stillborn  Assembly  project.     

"Don't  Go" , their  number  3  hit  in  July  1982  opens  proceedings. Clarke  plays  its  edgy  synth  riff  a  couple  of  times  then  in  comes  the  sledgehammer  beat  that  dominates  the  song. Although  he  wrote  the  song  it's  clearly  from  the  point  of  view  of  a  woman  involved  with  a  dangerous  man  and  Alison  Moyet  attacks  it  with  rough-edged  gusto  and  sexual  menace. This  sort  of  collision  between  pop  craftmanship  and  the  exploration  of   darker  emotional  territory   was  what  this  duo  was  all  about  and  it's  their  most  typical  song.

"Too  Pieces" is  a  strange  one.  As  the  title  suggests  ( despite  the  mis-spelling )  it's  two  short  pieces  of  music ( both  written  by  Clarke )  welded  together , a  solitary  verse  about  a  woman's  unfulfilled  longing  and  a  pleasant  synth  instrumental  that  could  have  come  from  The  Man  Machine. It's   fine  but  leaves  you  wishing  they'd  developed  the  first  song.

"Bad  Connection"  got  a  fair  amount  of  radio  play  through  an  almost  universal  expectation  that  it  would  be  the  third  single  ( which  never  actually  materialised , a rather  throwaway  new  song "The  Other  Side  Of  Love"  was  released  a  few  months  later  instead ). Heavily  influenced  by  Daniel  Miller's  cover  of  Memphis  Tennessee ( in  the  guise  of  The  Silicon Teens ) it's  brimming  with  pop  hooks  as  Alison  bemoans  the  fact  that  she  can't  deliver  a  parting  message  to  her  dumped  lover  because  the  phones  aren't  working. To  provide  a  middle  eight  they  mischieviously  dialled  a  random  operator  , didn't  say  anything  and  then  recorded  her  exasperated  rather  schoolm'arm  response. There's  no  record  of  the  woman  being  aware of  the song but   perhaps  legal  considerations  decided  against  its  issue  as  a  single.

Then  we  come  to  the  problematic  "I  Before  E  Except  After  C"   four  and  a  half  minute's   worth  of  spoken  word   collage, the  bulk  of  it  by  Clarke, Moyet's  contribution  being  low  in  the  mix  and  probably  reluctant. In  the  latter  half  there  are  some  little  snatches  of  synth  music  to  sugar  the  pill  but  they  don't  really  help. I  think  the  idea  is  to  replicate  the  babble  of  information  hitting  a  child's  brain  at  primary  level  but  for  me  it  doesn't  work  and  I'm  always  tempted  to  skip  over  it.

"Midnight"  is  the  first  of  Moyet's  songwriting  contributions,  the  mea  culpa  of  a  woman  who's  cheated  on  and  lost  her  dutiful  man. Starting  off  unaccompanied,  Moyet 's  bluesy  vocal  is  passionate  but  inexpert - she  wanders  off-mike  on  some  words  -  and  Clarke  sounds  like  he's  struggling  to  string  something  together  to   accompany  her  until  the  coda  when  she  restricts  herself  to  just  groans  and  he  can  play  a  simple  melody  line. It's  interesting  but  botched  in  execution.

Side  One  concludes  with  "In  My  Room"  an  ambitious  song  about  incarceration  with  Clarke  reciting  The  Lord's  Prayer  behind  Moyet's  anguished  vocal  about  personal  hell  perhaps  exacerbated  by  religious  indoctrination. The  stop start  rhythm  ensures  its  not  easy listening.

Then  comes  their  debut  single,  the  deathless  electro-ballad  "Only  You"  which  reached  number  2  in  May  1982  ( and  number  one  in  a  ropey  version  by  The  Flying  Pickets  eighteen  months  later ). I  remember  it  being  discussed  on  Roundtable  and  the  panel  commenting  on  what  a  great  voice  he  had  so  it  was  a  shock  when  they  appeared  on  Top  Of  The  Pops  with  Moyet  singing. The  other  shock  of  course  was  her  size  ( the  publicity  photo  was  a  dual  headshot  giving  no  hint  that  she  was  the  biggest  woman  in  pop  since  Cass  Elliott ). Originally  written  for  Depeche  Mode  it  showed  a  new  side  to  Clarke  it  taps  into  the  same  vein  of  suicidal  romanticism  as  Alone  Again  Naturally  or  Seasons  In  The  Sun    ( I  was  very  susceptible  to  this  line  of  thought  in  1982 )  without  resort  to  the  emotional  blackmail  of  Can't  Stand  Losing  You . Moyet's  soulful  but  restrained  delivery  is  a  perfect  fit  for  Clarke's  melancholy  melody riding  over  the  top  of  the  Kraftwerkian  rhythms.
One  of  the  most  perfect  pop  records  of  the  decade.

It's  followed  by  "Goodbye  70s"  which  was  actually  previously  released  on  a  various  artists  EP  alongside  offerings  by  some  indie  nonentities  but only  David  Jensen  seemed  to  pick  up  on  it. It's  a  Moyet  song ,  although  ironically  it's  the  track  that  would  fit  most  comfortably  on  Speak  And  Spell , the  backing  track  sounding  like  a  harder, faster  update  of  Nodisco.  The  lyric  is  hard  to  decipher, perhaps  an  attack  on  the  music  press  for  its  attempt  to  manufacture  trends  although  why  she  would  expect  the  new decade  to  deliver  something  different  is  unclear. The  incongruity  of  the  line  "I'm  tired  of  fighting  in  your  fashion  war"  in  this  context  doesn't  need  further  comment.

"Tuesday"  is  another  amazing  song  where  Clarke  gets  inside  the  head  of  a  thirty-year  old  woman, this  time  agonising  between  the  prospect  of  a  new  life  and  deserting  her  family. Rising  out  of  a  low  synth  drone  the  song  is  a  slow  mounful  lament  with  a  wonderful  vocal  from  Moyet, wordlessly  accompanying  herself  as  she bewails  the  woman's  situation, each  verse  culminating  in  the  exhortation  "Pack  up  and  drive  away". The  music  speeds  up  just  as  the  woman's  realised  she  can't  go  anywhere  emphasising  the  hopelessness, like  a  friend  driving  away  because  there's  nothing  to  be  done.

Moyet's  "Winter  Kills"  is  just  as  bleak  but  in  a  different  way, the  season  a  metaphor  for  a  relationship  degenerated  to  the  point  where  the  participants  are  looking  to  inflict  the  maximum  amount  of  pain  on  each  other.  The  sound  is  not  far  removed  from  Ultravox's  icy  Your  Name  with  a  desolate  piano  accompanied  only  by  muffled  single  beats  and  later  in the  song, Closer  synth  washes  and  half-heard  whispers. Moyet's  vocal  glides  between  nasal  sneer  and  pained  whisper  as  befits  a  song  where  she's  both  victim  and  aggressor  eventually  becoming  only  a  ghost  in  the  background  on  the  coda. It's  surely  only  waiting  for  the  call  to  soundtrack  the  next  Scandinavian  crime  drama.

Moyet  also  claims  the  closing  spot  on  the  album  with  "Bring  Your  Love  Down"  a  hard-slamming  electro-dance  track  with  Moyet  the  sexually  confident  female  assuring  her  itchy-footed  lover  that  he  won't  find  anyone  better.  Again  Clarke  seems  to  have  re-used  a  melody  from  Speak  And  Spell  ( this  time  Puppets) but  it's  an  effective  closer  with  Moyet  given  the  space  to  ad  lib  as  she  crushes  him  into  submission.

This  was  an  excellent  adventurous  debut  which  for  me  just  shades  it  over  their only  other  LP  which  we've  previously  discussed.. Neither  party  would  do  anything  quite  as  good  again.

99 Voices In The Sky The Best Of - The Moody Blues

Purchased : August 1988

Tracks : Ride  My  See-Saw / Talking Out Of  Turn / Driftwood / Never Comes  The  Day / I'm Just A  Singer / Gemini Dream / The  Voice / After  You  Came / Question / Veteran Cosmic  Rocker / Isn't  Life  Strange ? / Nights In White  Satin

This  was  also  purchased  from  Britannia,  along  with  the  previous  entry  in  a  buy one get one  half  price  promotion.

While  I'd  always  loved  "Nights  In White  Satin"  I  first  became  seriously  interested  in  The  Moody  Blues  around  1982  when  bands  like  Tears  For  Fears  and  especially  Talk  Talk  were  being  compared  to  them  but  hadn't  acted  on  this  curiosity  until  now. This  compilation  was  originally  issued  in  1984.  It's  a  rather  odd  selection which  doesn't  neatly  reflect  their  success  either  in  England  or  the  USA. Licensing  issues  preclude  the  appearance  of  anything  from  their  mid-sixties  Decca  period  led  by  future Wings  gooseberry  Denny  Laine   ( and  therefore  their  only  chart-topper, "Go  Now" )  but  they  were  effectively  a  different  band then. Two  of  their  subsequent  albums  including  1983's  "The  Present"  are  completely  unrepresented  while  1981's  "Long  Distance  Voyager"  claims  a  full  third  of  the  LP. Most  bizarrely  of  all  "Voices  In  The  Sky"  the  song  itself , a  UK  Top  30  hit  in 1968,  doesn't  appear.

It  isn't  sequenced  chronologically  but  the  order  works  for  me  because  it  saves  the  best  stuff  for  Side  Two; halfway  through  Side  One  I  was  thinking  I'd  made  an  awful  mistake.

 "Ride  My See-Saw"  was  a  Top 30  hit  in  1968  taken from  their  third  album "In  Search  Of  The  Lost  Chord". Although  its  composer , bassist  John  Lodge,  wasn't  in  the  Denny  Laine  line-up  there  are  still  traces  of  the mid-sixties  beat  group  sound  in  the  driving  rhythm  and  Searchers  harmonies  while  Mike  Pinder's  keyboards are  kept  on  a  tight  leash. The  later  elements  are  the  complex  four-part  harmonies  in  the  middle  eight, Justin  Hayward's  Telecaster  work  and  the  exhortation to  personal  liberation  in  the  lyrics. It  was  effectively  the  opening  track  on  its  parent  LP  and  sounds  like it  rather  than  a  standalone  song.

There's  then  a  big  jump  to  the  first  track  from "Long  Distance Voyager" . "Talking  Out  Of  Turn"  is  another  Lodge  composition . It's  a  dreary, soporific ballad  about  a  relationship  wrecked  by  a  careless  word  which  drowns  in  the  glutinous  synth  sounds  ( like  Tony  Banks  at  his  worst )  provided  by  the  departed  Pinder's  replacement  Patrick  Moraz. Producer  Pip  Williams  then  compounds  the  error  with  an  unnecessary  string  arrangement. It's  aural  treacle.

Justin  Hayward's  "Driftwood"  the  lone  track  from  their  1978  comeback  album "Octave" ( the  last  to  feature  Pinder ) is  better  because  less  cluttered. It's  a  straightforward  ballad  with  Hayward  pleading  not  to  be  deserted; as  Marcello  commented  on  one  of  their  earlier  albums  there's  no  one  better  at  playing  the  little  boy lost. It's  exquisitely  sung  and  his  guitar  work's  pretty  good  too . I'd  just  knock  a  mark  off  for  the  cheesy  sax  from  session  man  R A  Martin   which  drops  it  into  the  MOR  bracket.

"Never  Comes  The  Day"   comes  from  1969's  chart-topping  "On  The  Threshold  Of  A  Dream"  and  its  failure  to  chart  as  a  single  illustrated  the  divergence  between  the  two  markets  at  the  turn  of  the  decade. Perhaps  the  Nirvana-anticipating  quiet/loud  dynamic confused  the  late  sixties  buyer. It  starts  with  just  Hayward  on  acoustic  and  Lodge  ( a  star throughout  the  song )  on  the  most  limpid  of  fireside ballads  but  the  humming  swell  from  Pinder's  mellotron  heralds  a  change  of  gear  and  the  entrance  of  Ray  Thomas's  harmonica  and  Graham  Edge's  drums  for  an  upbeat  chorus. It  doesn't  quite  work  for  me  but  I  can  appreciate  the  craft  in  the  arrangement.

"I'm  Just  A  Singer"  was  the  first  song  that  I'd  previously  heard  and  a  real  Proustian  rush  for  me  as  a  record  that  was  being  played  on  Radio  One  when  I  first  got  into  pop  music  at  the  beginning  of  1973. It  was  the  second  single  from  1972's  "Seventh  Sojourn"  reaching  number  36  ( 12  in  the  States )  and  was  the  last  release  before  their  mid-70s  hiatus. Even  forty years  on  it's  tremendously  exciting.  Edge   claims  the  intro  with  a  Cozy  Powell-ish  drum  break  gathering  pace  then  sets  a  frantic  tempo  ( anticipating  punk )  for  the  rest  to  follow.  Lodge  wrote  the  song  and  his  is  the  dominant  gruff  voice  in  the  four  man harmony. By  this  point  Pinder  had  replaced  the  Mellotron  with  the  more  sophisticated  Chamberlin  and  he  plays  it  as  though  locked  in  a  duel  with  Hayward's  searing  guitar  for  dominance  in  the  song. There  are  a  couple  of  pauses  ( for  breath ?) in  the  song  which  only  make  it  more  thrilling. The  lyrics  are  touchingly  naive in  their  Bono-esque  conviction  that  music  can  change  the  world  but  perhaps  the  title  is  actually  subverting  that  idea. In  this  context  it  doesn't  really  matter.

"Gemini  Dream"  also  stirs  some  memories; as  the  lead  single  from  "Long  Distance  Voyager"  it  received  a  lot  of  airplay  from  Simon  Bates  in  May  1981  when  I  was  mired  in  ( ultimately  fruitful )  O  Level  ( remember  them ? )  revision. That  wasn't  enough  to  get  it  into  the British  charts ( 12  in  the  US )  at  a  time  of  quite  exceptional  competition.  The  sound  is  dominated  by  Moraz's  pulsing  synths  fusing  with  Hayward's  wailing  guitar  and  Edge's  rigid  drum  beat  to  create  the  template  for  ZZ Top's  Eliminator.  Over  that  you  have  a  Hayward/Lodge  composition  seemingly  celebrating  their  working  relationship   with  some  self-referential  touches  like  the  Mellotron-aping  choral  synths  on  the  chorus  and  a  surely  intentional  poke  at  fellow-Brummies  ELO  with  its  sudden  lurches  into  a  string  passage. It's  impressive  but  there's  a  slight  air  of  smugness.

Side  Two  commences  with  its  follow-up  single  "The  Voice"  a  Hayward  composition  that  set  the  tone  for  subsequent  releases  being  an  upbeat  pop  song  incorporating  acoustic  guitar  and  melodic  synth  flourishes.  Hayward's  in  that  winsome  juvenile  mode  again  -  the  first  line  is  "Won't  you  take  me  back  to  school ? "  - and  the  lyric  is  an  easy-to-mock  exhortation  to  surrender  to  some  unspecified  spiritual  force. It  acquires  great  force from  Hayward's  conviction  and  the  fabulous  harmonies.

"After  You  Came"  is  the  only  track  from 1971's  "Every  Good  Boy  Deserves  A  Favour"  ( another  number  one )  and  not  a  great  advert  for  it. One  suspects  it  was  included  to  give  its  composer  Graham  Edge  a  cut  of  the  royalties.  The  song  is  vaguely  anti-materialist  and  ambitious  enough  with  its  complex  vocal  arrangement  and  frequent  changes  in  tempo  but  there's  a  definite  air  of  mutton  dressed  as  lamb  about  it. It's  the  last  disappointment  before  a  parade  of  winners.  

"Question"  very  nearly  gave  them  a  second  number  one  -its  runner-up  status  to  Back  Home was  the  precursor  to  the  Vienna / Shaddup  You  Face  chart  debate  - in 1970. Opening  with  a  loose-wristed  display  of  acoustic  virtuosity  from  Hayward  the  frenetic  strum  continues  through  two  angry and  urgent  verses  soon  backed  up  by  Lodge's  clever  bassline  and  a  wordless  mellotron  chorus  before  the  music  drops  to  the  most  sedate  of  romantic ballads.  After  two  verses  and  a  chorus, the  guitar  picks  up  pace  again  and  Pinder's  sudden  portentous  chords  herd  us  back  to  the  start  again, nothing  resolved.  It was  a commendably  ambitious  single  and  I  suspect  that  if  it  hadn't  been  outgunned   by  Bohemian  Rhapsody  a  few  years  later  we'd  hear  it  a  lot  more  today.

"Veteran  Cosmic  Rocker"  is  the  last  selection  from "Long  Distance  Voyager"  written  by  the  group's  wildcard  member  Ray  Thomas. While  the  title  might  suggest  something  gently  self-mocking  it  is  in  fact  an  extraordinary  blend  of  Abba, Scott  Walker, Blancmange  and   Tusk-era  Fleetwood  Mac  with  an  acerbic  lyric  about  someone   performing  whilst  off  their  head  on  spiked  coke. Thomas's  vocal  is  suitably  theatrical  but  the  real  glory  is  the  bizarre  middle  eight, the  kaleidoscopic  shifting  of  musical  styles, blues  harp, Indian  sitar, Arabic  scale etc. evoking  the  horrors  of  a  bad  trip.

"Isn't  Life  Strange?"  was  a  Top  20  hit  in  1972, an  achingly  sad  meditation  on  life  and  love  written  by  John  Lodge  where  Mike  Pinder  prises  the  sound  of  a  full  orchestra  out  of  the  Chamberlin ( though Thomas  does  the  flute ). Hayward  and  Lodge  sing  the  funereally  slow  verses  in  querulous  harmony  before  the  others  come  in  on  the  majestic  tumbling  chorus  with  Hayward's  fuzz  guitar  ( perhaps  someone  heard  Goodbye  To  Love )  a  sixth  voice. Only  the  near-contemporary  Alone  Again  Naturally  tops  it  as  the  supreme  expression  of  seventies  melancholia.

That  just  leaves  us  with  "Nights  In  White  Satin"  their  signature  song, thrice  a  hit,  umpteen  times  the  featured  record  on  Our  Tune  and  a  stonewall  classic. I  know  some  people  loathe  it  as  pompous  and  overblown   and  applaud  The  Dickies' 1979 demolition  ( which  provoked  the  original's  third  chart  run  in  response ) . Perhaps  they  have  never  had  the  sort  of  long  night  of  the  soul  for  which  this  song  , before  and  beyond  Joy  Division  et  al,  is  the   perfect  soundtrack, flute  solo  and  all.

This  blog  will  have  to  run  for  some  while  before  we come  back  to  The  Moodies, this  sating  my  curiosity  for  the  next  couple  of  decades  while  their  critical  stock  sank   below  rock  bottom ( Q  and  The  Guardian  were  particularly  vitriolic  towards  them  in  the  nineties ).  They  are  still  going   without  Moraz  ( fired )  and  Thomas  ( retired ) but  you've  got  most  of  what  you  need  right  here.    

 

 

98 Greatest Hits -The Cars

Purchased :  August  1988

Tracks : Just What I Needed / Since You're Gone / You Might Think / Good Times Roll / Touch And  Go / Drive  / Tonight  She  Comes / My Best Friend's Girl / Let's  Go / I'm Not The One / Magic / Shake  It  Up

This  was  my  next  purchase  from  Britannia  delayed  by  the  national  postal  strike  in  the  summer  of  1988. That  had  previously  entailed  sending  back  a  Status  Quo  album  because  my  "No  thank  you"  card  hadn't  reached  the  company  in  time. It  also  delayed  the  goodies  from  joining  the  Prisoner  Cell  Block  H  Fan  Club  which  had  become  something  of  an  obsession  by   this  time. I  first started  watching  it  for  Peta  Toppano  who'd  been  the  star  of  the fabulously  trashy  Aussie  supersoap  Return To  Eden  but  stayed  hooked  after  she  left  the  series. Remarkably  the contagion  then  spread  to  my  dad, something  I  can't  begin  to  understand but  it  was  about  the  only  thing  we  shared  in  the  last  decade  of  his  life.

I  digress. I  was  a  latecomer  to  The  Cars. Like  many  of  my  peers  I  was  more  than  a  little  suspicious  of  the  skinny-tied   US  "New  Wave"  acts  typified  by  The  Knack  and  this  lot. Were  they  in  business  to  smooth  out  punk  for  Midwestern  consumption ?  My  friend  Sean  told  me  that  Elvis  Costello ( not that  he  was  any  great  hero  of  mine )  had  agreed  to  work  in  The  Cars's  studio  with  the  proviso  that  he  didn't  have  to  meet  Cars  mainman  Ric  Ocasek. The  record  that  really  turned  me  on  to  them  was  the  title  track  of  their  1984  album  "Heartbeat  City"  ( not  included  on  the  vinyl  version  of  this  but  I  had  it  anyway )  and  this  purchase  followed  on  from  that.

The  album  was  released  in  1985  and  primarily  aimed  at  the  American  market; less  than  half  the  tracks  were  hits  in  the  UK. It  largely  sticks  to  its  brief  of  collecting  together  the  biggest  hit  singles  so  that  their  second  and  third  albums  ( both  Top  5  LPs )  only  supply  one  track  each  while  the  eponymous  debut  and  recent   "Heartbeat  City"  account  for  half  the  album.

The  album  kicks  off  with  their  debut  hit  in  the  US  though  it  doesn't  thereafter  follow  in  chronological  order. "Just  What  I  Needed"  was  actually  a  bigger  hit  in  the  UK  reaching  number  17  in  early  1979. Untypically  sung  by  bassist  Benjamin  Orr  it's  a  rather  patronising  sexist  song  with  the  protagonist  nonchalantly  allowing  the  girl  to  sleep  with  him. Typically  the  lyrics  also  slip  into  attempted  street  jive  - "doesn't  matter  where  you've  been  as  long  as  it  was  deep , yeah"  - despite  Ric  Ocasek  being  self-evidently  a  geek. That  said , muscally  it's  fine  with  a  great  synth  break  from  Greg  Hawkes  where  the  first  chorus  would  normally  be  and  then  again  in  the  middle  eight.

"Since  You're  Gone"  comes  from  their  fourth  album  and  made  the  Top  40  here  in  1982  after  featuring  on  one  of  Jonathan  King's  first  "what's  on  in  the  USA " slots  ( the  success  of  which  in  chart  terms  baffled  me  but  the  evidence  is  there )  on  TOTP. It's  the  first   introduction  to  what  I've  always  assumed  to  be  the  limiting  factor  to  their  success, Ric  Ocasek's  voice  - a  low-pitched  hoarse  drawl  of  such  limited  range  he  often  sounds  like  he's  merely  talking. It's  difficult  to  imagine  any  other  band  letting  him  be  main  vocalist  but  as  he  wrote  nearly  all  the  songs  I  guess  he  called  the  shots. The  song  is  a  straightforward  evocation  of  loss  after  a  break-up  and  has  some  interesting  elements  like  the  Dave  Brubeck-ish  drum  pattern  and  Elliot  Easton's  Heroes  guitar  solo  but  it  doesn't  really  go  anywhere  after  that  and  becomes  quite  dreary.

"You  Might  Think"  has  become  very  familiar  to  me  over  the  past  year  or  so  as  it  features  ( as  a  cover  by  Weezer ) in  Cars  2  a  DVD  on  heavy  rotation  in  my  household.  It  was  originally  the  first  single  from "Heartbeat  City" , a  massive  hit  in  the  USA  as  the  band  discovered  how  to  use  MTV  to  their  advantage  which  didn't  quite  make  it  over  here  despite  heavy  support  from  Radio  One  in  the  autumn  of  1984. It  was  produced  by  Mutt  Lange  which  isn't  normally  a  recommendation  but  his  trademark  brash  and  bouncy  style  suits  the  driving  rock  of  the  song  and  the  staccato  keyboard  riff  drills  into  the  ear  to  great  effect. The  song is  a  fairly  flippant  account  of  sexual  desire  with  a  brazen  theft of  the  hookline  from  Roxy Music's  All  I  Want  is  You  but  it's  an  exhilarating  ride.

"Good  Times  Roll"  is  less  familiar  to  British  ears  being  the  third  single  from  the  debut  LP  and  ignored  here.  It  has   a  seventies   Stones-ey  groove  with  a  synth-y  veneer , and  a  sombre  melody  that  suits  Ocasek's   voice  and  runs  against  the   straightforward  lyric. The  key  element  is  the  chorus  which  builds  up  to  a  sudden  multi-harmonied   declaration  straight  from  producer  Roy  Thomas  Baker's  most  illustrious  clients , Queen.

"Touch  And  Go"  is  the  only  track  from  third  album "Panorama"  reaching  37  in  the  USA in  1980. The  staccato  synth  riff  on  the  verses  might  have  influenced The  Police's  Spirits In The  Material  World  of  the  following  year. Otherwise  it's  a  fairly  conventional, vaguely  suggestive  power  pop   track  with  a  generous  helping of  Easton's  guitar.

The  first  side  concludes  with  their  greatest  worldwide  hit  "Drive" an  FM  radio  staple  to  this  day. In  the  UK  it  was  a  hit  twice,  reaching  number  5  in  November  1984  then  re-entering the chart  to  go  one  place  higher  the  following  summer  when  it  was  used  as  a  soundtrack  to  harrowing  footge  of  starving  Ethiopians  in  a  break  between  acts  at  Live  Aid  ( and  later  performed  in  The  Cars' s  own  set ). A  bemused  Ocasek  donated  the  royalties. Michael  Hurll then  disgraced  himself  by  choosing  to  show  the  original  video on  TOTP   rather  than  spoil  his  "party " vibe  despite  the  fact  that  its  own  images  of  mental  disturbance  were  hardly  condusive  to  a  good  times  amosphere. Leaving  aside  the  history  it's  atypical  with  Orr  doing  the  lead  vocal  and  no  guitar  on  the  track.  The  lyric  is  a  set  of  pointed  questions  posed  by  a  man  on  exiting  a  relationship  cradled  in  a  bed  of  neurasthenic  synths  polished  up  by  Lange. It  does  owe  something  to  I'm  Not  In  Love  but  is  great  in  its  own  right.

Side  Two  begins  with  "Tonight  She  Comes"  the  new  track  carrot  which  reached  number  7  in  the  States  but  didn't  chart  here. It's  one  of  their  best  songs , a cuckold's  resigned acceptance  of  his  girlfriend's  infidelity   set  to  a  great  tune. Everyone's  at  their  best  here, Ocasek's  throaty whimper  actually  suits  the  theme  and  Hawkes's  synth  work  underlines  the  pathos. Add  to  that  a  great  solo  from  Easton  and  a  crunching  bassline  from  Orr  and  it's  a  little-recognised  classic.

"My  Best  Friend's  Girl"  was   their  biggest  British  hit , a  surprise  number  three  in  the  autumn  of  1978.  Actually  in  retrospect  it's  not  that  surprising  as  it's  full  of  pop  hooks  from  the  arresting  rhythm  guitar  and  handclaps  intro  to  the  "Here  She  Comes  Again"  refrain  on  the  chorus. Ocasek  slyly  reveals  that  l  used  to  be  his  but  it's  ambiguous  whether  he's  bemoaning  the  fact  or  boasting  ( as  one   imagines  David  Beckham  was  tempted  to  do  when  his  cast-off  was  picked  up  by  the  Premiership's  ugliest  player  Phil  Neville ). The  chugging  organ only  underlines  that  this owes  far  more  to  Del  Shannon  than  The  Ramones.

"Let's  Go"  is  the  only  track  from  second  album "Candy O"  in  1979. A  typical  ode  to  a cool  girl  in  one  sense,  there  are  disparate  echoes  in  the  music. Ben  Orr's  whiny  voice  and  the  synth  tone  replicating  the  Heil talk  box  both  suggest  Joe  Walsh  while  the  drum  break accompanying  the  title  chant  could  be  Bay  City  Rollers. The  circular  guitar  riff  isn't  far  off  a  wound-down  version  of  Peter  Hook's  bassline  on  Digital . 

"I'm Not  The  One"  is  a  re-recording  of  a  track  from  1982's  "Shake  It  Up"  to  provide  a  second  single  from  this  LP.  It's  largely  a  dour  synth  ballad  with  echoes  of  Duran's  The  Chauffeur   with  a  breakout  synth  solo  that's  notably  similar  to  Alphaville's  Forever  Young. The  song  is   a  disavowal  of  amny  responsibility  for  a  partner's  troubles  with  a   poignant  chorus  neatly  offetting  Ocasek's  mopey  vocal. My  only  criticism  is  that  it  fails  to  climax.

That's  also  true  of  the  album  sequencing  as  the  remaining  two  tracks  are  pretty  mediocre. "Magic" is  the  least  memorable  of  the  five  singles  taken  from "Heartbeat  City" ( six  if  you  count  the  title  track's  UK  release ) , a  typical  Mutt  Lange  smoke  and  mirrors  production  job  with  power  chords  and  that  trampoline  drum sound  masking  the  back  of  a  fag  packet  lyrics  and  Hawkes's  least  interesting  keyboard  part. Replace  Ocasek's  hiccups  with  Joe  Elliott's  snarl  and  you've  got  Animal .

"Shake  It  Up"  is  vaguely  reminiscent  of  Lene  Lovich's  Lucky  Number   with  an  aggravatingly  banal  set  of  dance  slogans  for  Ocasek  to  stutter  his  way  through. It's  "New  Wave"  pop  at  its  " quirky " worst,  already  out  of  date in  1982  and  a   poor  way  to  finish  a  decent  album.

Like  Blondie  and  Ultravox  before  them  The  Cars  found  that  releasing  a  "Greatest  Hits"  mid-career  is  not  without  the  risk  that  it  will  be  received  as  a   bookend  with  the  audience  snubbing subsequent  material.  Their  next  LP  did  comparitively  poorly  and  they  split  in  1988 , not  coming  together  again  , despite  less  than  stellar  solo  careers , until  2010 by  which  time  Orr  had  succumbed  to  cancer. 

 

 

 
 

97 All About Eve - All About Eve

Purchased :  19th  August  1988

Tracks : Flowers  In  Our  Hair  / Gypsy  Dance / In  The  Clouds / Martha's  Harbour / Every  Angel / Shelter  From  The  Rain / She  Moves  Through  The  Fair / Wildhearted  Woman / Never  Promise / What  Kind  Of  A  Fool / In  The  Meadow

This  was  a  milestone  purchase, the  first  from  Sound  Search  Records  in  Ashton-under-Lyne  on  a  Friday  lunchtime. Tucked  away  behind  the  market  hall  it  was  ostensibly  a  second  hand  shop  but  nearly  every  LP  I  bought  from  there  was  in  mint  condition  and  I  can  only  remember  having  to  take  two  back  to  the  shop. From  this  point  on  buying  an  album  for  the  weekend  became  a  regular  habit  and  the  bulk  of  the  remaining  vinyl  to  be  considered  here  came  from  that  source.

At  the  time  of  purchase  this  was  a  current  chart  LP  as  the  single  "Martha's  Harbour"  was  at  number  10  ( its  peak )  in  the  singles  chart. All  About  Eve  formed  in  1985  and  grew  a  following  steadily  through  a  string  of  independent  singles  each  doing a  little  better  than  the  last. They  were  also  supported  by  The  Mission  and  singer  Julianne  Regan's  prominent  appearance  on  their  1987  hit  Severina  clinched  a record  deal  with  Mercury.  Thereafter  their  singles  started  making  the  charts  and  this  LP  entered  at  no  7  in  February  1988.

All  About  Eve  threw  down  a  gauntlet  to  critics  from  the  punk  generation. They  were  the  first  group  who  came  out  of  the  indie  scene  to  openly  proclaim  a  love  of   early  seventies  folk  rock , Fairport  Convention, Trees, Pentangle  et  al. You  could  apparently  trust  a  hippie  again. Their  timing  was  good,  with  the  burgeoning  New  Age  movement  coming  out  of  the USA   and  even  Margaret  Thatcher  acknowledging  a  change  in  the  weather  with  her  pro-environment  speech  in  1988. More  parochially  the  replacement  of  Janice  Long  by  Nicky  Campbell  on  Radio  One's  evening  show  entailed  an  abrupt  switch  from  post-punk  orthodoxy ( adhered  to  successively  by  Mike  Read, Richard  Skinner, David  Jensen  and  Long )  to  pre-punk  Old  Grey  Whistle  Test  fare  and  gave  the  band  a  radio  champion.

This  was  mirrored  in  my  own  case  by  working  in  the  Accountancy  team  at  Tameside. The  majority  of  staff  were  in  their  thirties  and  it  was  my  first  real  contact  with  people  who  were  ten  to  fifteen  years  older  than  me. They  were  mostly  non-graduates  who'd  worked  their  way  up. They  were  music  fans  but  didn't  buy  a  music  paper  and  didn't  regard  punk  as  a  seismic  Year  Zero  event. I  was  amazed  at  one  guy  who  held  The  Jam  and  The  Style  Council  in  equal  esteem. Another  guy  asked  me  if  I  was  interested  in  a  ticket  to  see  Barry  White. One  woman  claimed  her  husband  had  once  been  in  Jethro  Tull  but  I've  never  seen  any  confirmation  of  that. This  did  have  a  drip drip  effect  ( as  you'll  see  from  future  entries ) ; a  year  before  I  might  have  considered  All  About  Eve  "uncool"  but  now  the  barriers  were  down.

"Flowers In  Our  Hair" , their  last  independent  single  in 1987  could  hardly  have  a  more  provocative  title  but  it's  no  mere  nostalgia-fest. Tim  Bricheno's  steely   U2  guitar  riff  indicates where  they  were  coming  from  and  the  lyrics  are  full  of  doubt  and  scepticism - "Do  you  ever  think  we'll  make  it  something  more  than  a  uniform?" Then  you  have  Julianne  Regan's  glorious  voice, pure  and  powerful  and  always  suggesting  deeper  wells  of  emotion  than  their  pop rock  sound  could  really  manage. She's  the  best  example  that  Britain  doesn't  really  treasure its  great  singers.

"Gypsy  Dance"  is  acoustic  based  with  a  generous  helping  of  violin  from  Ric  Sanders  ( tellingly  borrowed  from  Fairport  Convention ) .  The  verses  are  slow  and  mordant  - "Promises of  fate  and  destiny / Old  woman I don't want to know"  - but  the  chorus  is  bright  and  exultant  championing  the loss  of  self  in  the  dance  and  thereby  connecting  the  group  with  their  rave  contemporaries.

"In  The  Clouds"  was  the  first  single  for  Mercury  and  fell  just  short  of  the  Top  40. It  was  recorded  before  the  arrival  of  drummer  Mark  Price  and  so  features  The  Mission's  Mick  Brown  instead. The  densely textured  guitars  point  the  way  towards  their  eventual  move  into  the  shoegazing  scene  although  Brown  anchors  the  song  in 1987. Appropriately  enough  the  precise  meaning  of  the  song  is  obscure  but  that  sense  of  vulnerability  and  impermanence
that  pervades  the  whole  album  is  present  again.

Then  we  have  the  big  hit,  "Martha's  Harbour"  and  it's  a  tragedy  that  such  a  lovely  song   is  best  remembered  for  a  sound  engineer's  glitch  humiliating  the  band  when  they  "performed"  it  ( or  more  accurately  didn't )  on  Top  Of  The Pops . The  track  only  features  Regan  and  Bricheno ( strangely  producer Paul Samwell-Smith  isn't  credited  with  the  string  arrangement  or  wave sound  effects  as  he  is  elsewhere )  with  the  former  singing  over  the  latter's  limpid  acoustic  lines. The  song , channelling  the  spirit  of  Sandy  Denny  with  its  overt  nautical  metaphors, captures  the  tension  between  security  and  adventure - " I  hide  in  the  water  but  needed  the  danger". She's  telling  her  lover  he  has  her  for  now  but  "maybe  I'll just  stow  away".

In "Every  Angel" the  boot's  on  the  other  foot  and  Regan  fears  her  lover  will  fly  away. The  track  ( which  reached  number  30  as  a  single )  is  a  more  overt  rock  song  with  a  riff  that  owes  something  to  Don't  Fear  The  Reaper  and  another  peerless  vocal  performance  from  Regan  especially  on  the  middle  eight.

"Shelter  From  The  Rain"  is  a  superb  Gothic  power  ballad,  a  plea  rather  than  a  celebration. It  rises  out  of  a  static  string  arrangement  from  Paul  Samwell-Smith  with  the  odd  Spaghetti Western  church  bell  and  allows  Bricheno  his  first  real  solo. Wayne  Hussey  warbles  on  the  second   and  final  choruses  but  is  completely  superfluous.

Side  Two  begins  with  a  version  of  the  old  Irish  folk  song  "She  Moves  Through  The  Fair"
covered  by  all  and  sundry  since  Fairport  Convention  tackled  it  in  1968  ( and  less  than  a  year  later it  would  top  the  charts  in  re-written  form  as  Simple  Minds's  Belfast  Child ). This  is  an  agonisingly  slow  version  mainly  consisting  of  Regan  singing  over  Samwell-Smith's  drone  ( the  credited  contributions  from  Bricheno  and  Sanders  are  hard  to  detect ). It's  an  impressive display  of  vocal  prowess  but  also  the  track  I'm  most  likely  to  skip.

"Wild  Hearted  Woman"  was  the  first  single  to  crack  the  Top  40  early  in  1988. It  was  written  as  an  appreciation  of  Janis  Joplin  and  so  is  sung  in  the  third  person  though  it's  difficult  to  believe  Regan's  never  been  tempted  to  apply  it  to  herself.  It's  a  perfect  distillation  of  their  sound, Bricheno's  interwoven  acoustic  and  electric  guitars, Regan's  pure  vocals  and  a  soaring  chorus.

"Never  Promise ( Anyone  Forever) " taps  into  the  same  vein  of  domestic  dread  as  Abba's  The  Visitors  although  the  fear  is  of  what  might  happen  when  someone  ( i.e. her  partner )  goes  out  rather  than  intruders  coming  in. It's  a  further  subversion of  their  early  seventies  influences  specifically  detailing  the  signifiers of  homely  bliss  that   won't   provide  protection  - "Cat  on  the  hearth, dog  at  the  door". Regan   supplements  her  vocal  with  some  forlorn  piano  while  Mick  Brown  punctuates  with  the  snare.

"What  Kind  Of  Fool ?" was  reluctantly  released  as  a  sixth  single  to  cash  in  on  the  success  of  "Martha's  Harbour"  and peaked  at  29. It  wasn't  a  great  choice  being  rather  langourous  for  a  single. Based  around  a  simple  piano  motif  it's  another  warning  against  over-reaching  and  not  counting  your  blessings. Samwell-Smith  boosts  it  with  a  tasteful  string  arrangement   but  it's  not  one  of  the  stronger  tracks.

That  leaves  us  with  "In  The  Meadow"  another  dark  song  of  a  lovelorn  maid  who's  possibly  being  exploited  by  her  master - "you  must  not  forget  that  you  are  who  you  are."  It's  Bricheno's  chance  to  shine  and  he  introduces  it  with  a  climbing  riff  then  takes  posssession  of  the  last  two  and  a  half  minutes  with  an  elongated  solo.

So  it's  a  very  good  debut  from  an  under-rated  band ; it's  hard  to  believe  Evanescence  or  The  Pierces  aren't  familiar  with  it. Why  they  proved  unable  to  build  on  it   we'll  explore  in  future  posts.

96 Reveal - Fischer-Z

Purchased : 13th  August 1988

Tracks:  The  Perfect  Day / Leave  It  To  The  Businessmen To  Die  Young / I  Can't  Wait  That  Long / Tallulah  Tomorrow / Realistic Man / Fighting Back  The  Tears / Big  Drum / Heartbeat / It  Takes  Love / So  Far

This  was  bought  on  order  from  Save  Records  in  Rochdale  for  £5.99.

It  was  a  major  surprise, early  in 1988 , to  come  to  the  Singles  page  in  Record Mirror and  see  a  review  ( not  a  favourable  one )  for  a  new  Fischer-Z  record , "The  Perfect  Day" . The  following  week  it  was  the  opening  video  on  The  Chart  Show  and  it  made  the  75-100  section  of  the  charts  after  picking  up  a  bit  of  radio  play. This  "comeback " album  duly  followed.

Fischer-Z  came  to  my  attention  in  May  1979  when  they  appeared  on  Top  Of  The  Pops  to  perform "The  Worker", their  second  single  which  was  just  outside  the  Top  40. I  thought  it  was  fantastic  and  it  still  is  one  of  my  favourite  records  of  all  time. Unfortunately  it  became  one  of  the  very  rare  instances  in  those  heady  days  of  a  single  going  down the  charts  after  featuring  on  the  programme. Front  man  John  Watts,  in  a  Record  Mirror  interview  two  years  on,  blamed  it  on  the  production  which  emphasised  the  "nice  poppy  keyboards"  instead  of  the  voice  and  guitar  ( i.e. him ).  I  don't  think  that  performance  has  ever  made  it  on  to  TOTP2  but  there's  a  contemporary  appearance  from  a  Dutch  TV  show  on  youtube  which  suggests  that  his  own  prattish  stage  antics  might  have  been  the   problem ( in  similar  fashion  to  Howard  Devoto whose  over-squeamish  appearance  the  previous  year  was  thought  to  have  scuppered  Shot  By  Both  Sides ) .

That  was  as  near  as  they  ever  came  to  a  hit  in  the  UK  though  they  were  popular  in  Europe  ( quite  how  much  I've  never  been  able  to  ascertain ) particularly  in  Germany  and  Portugal. They  recorded  three  albums  before  splitting  up  in  1981. John  Watts  thereafter  continued  as  a  solo  artist  with  some  success  in  Germany. I'm  not  sure  why, in 1987,  he  decided  to  resurrect  the  brand  name  without  reuniting  with  the  other  three  musicians. The  line-up  for  this  album  is  a  six  piece  with  an  extra  guitarist  and  female  backing  singer  but  as  sole  writer  and  producer  of  every  track  Watts  is  clearly  in  charge.

This  purchase  wasn't  without  risk; after  all  one  single  doesn't  make  an  album  and  the  second  single  vanished  without  trace  or  me  hearing  it. I'd  also  heard  the  odd  John  Watts  solo  track  in  the  intervening  years  and  not  been  impressed;  they'd  sounded  leaden  and  unmelodic.

"The  Perfect  Day"  ( a  Top 20  hit  in  Australia )  kicks  off  the  proceedings  with  the  pure  tones  of  Jennie  Cruse  singing  the  refrain  "It's  a  game  everyone  has  to  play"  then  there's  a  pause  which  is  a  second  or  so  longer  than  you'd  expect  before  the  music  comes  in, a  pulsing  bass and  the  clanking  keyboard  noises  last  heard  on  their  original  contemporaries  The  Flying  Lizards's  Money. Then  Watts  enters  with  that  unmistakable  voice, a  brittle  tenor  always  threatening  to  break  down  and  frequently  doing  so , into a  high-pitched   yowl  somewhere  between  Robin  Gibb  and  Neil  Young. It's  not  always  likeable  but  certainly  distinctive. The  song  details  sad  lives  spent  waiting  for  something  to  turn  up  with  a  despairing  chorus  that  hints  at  depression  setting  in  - "you  come  for  a  day  stay  for  a  week". The  song  is  brisk  enough to  begin  with  but  becomes  frantic  at  the  end  as  if  time  is  running  out for  these  people. It's  a  stunning  return  to  form. I've  also  just  noticed  some  definite  similarities   to  We  Didn't  Start  The  Fire suggesting  that  Billy  Joel  thought  so  too. 

The  next  two  tracks  are  an  immediate  return  to  the  pedestrian guitar  rock  of  Watts's  solo  years. "Leave  It  To  The  Businessmen  To  Die  Young"  gives  the  lie  to  the  album's  title  being  lyrically  impenetrable. Many  of  Watts's  songs  are  like  overhearing  someone  on  the  phone, full  of  personal  references  which  defy  a  comprehensive interpretation. The  verses  are  addressed  to  a  girl  who  seems  too  good  to  be  true  but  what  that's  got  to  do  with  businessmen  popping  their  clogs  is  anyone's  guess. Musically  it's  very  dull  with  sparse  verses  exposing  a  particularly  harsh  Watts  vocal   and  a  lame  chorus.

"I  Can't  Wait  That  Long"  continues  the  theme  of  impatience  but  could  also  concern  the  arrival  of  Care  In  The  Community  about  which  you'd  expect  Watts, a  former  mental  health  worker  to  have  an  opinion. The  song  is  from  the  point  of  view  of  a  wanderer  having  some  sort  of  breakdown  in  public  and  remembering  when  he  was  "shut  and  bolted". It's  serious  stuff  but  again  it's   musically  too  lame  to  grab  your  attention. The  main  interest  is  the  credit  for  original  keyboard  player  Steve  Skolnick. I  don't  know  if  he  came  in  to  lay  down  a  part  or  the  track  had  been  started  prior  to  1981 ( more  likely  given  Watts's  outrageous  belittling of  his  outstanding  playing  on  "The  Worker" quoted  above ) but  it's  barely  audible and  represents  the  only  contribution  any  of  Watts's  original  colleagues  made  to  the post-88  model's  music.

Matters  improve  with  "Tallulah  Tomorrow"  whose  high-life  guitar  stylings  and  tumbling  vocal  delivery  suggest  Watts  had  been  listening  to  Graceland.  Tallulah  is  a  presumably  elderly  lady  who  has  died  Benny  Hill - style in  front  of  the  TV  but  unlike  him  "still  waiting  for  her  moment  to  come on" . It's  that  compassion  for  unfulfilled  lives  that  should  have  put  Watts  on  the  same  pantheon  as  Morrissey  or  Jam-era  Weller  but  it  never  happened. Watts  details  Tallulah's  removal  from  the  house  drily  enough  leaving  it  to  the  wistful  melody, Cruses's  ethereal  backing  vocal   and  child like  xylophone  to  express  the  sentiment.

"Realistic  Man"  features  only  Watts  and  new  musical  foil  Ian  Porter  ( the  only player  apart  from Watts  to  appear  on  every  track ). If  the  credits  are  correct  Porter  deserves  great  credit  for  getting  amazingly  authentic-sounding   string  sounds  from  his  keyboard. It's  another  deeply  personal  song  conveying  a  stoic  acceptance  of  personal  betrayal  to  a  slow  sad  waltz  with  echoes  of  Therapy ?'s  Diane.

"Fighting  Back  The  Tears"  starts  off  a  more  consistent  second  side  although  it's  probably  the  weakest  track  of  the  bunch. The  unrelenting  rimshot  snare  beat  and  minimalist  clipped  guitar  might  be  a  riposte  to  the  Police  comparisons  that  dogged  them  first  time  round  but  don't  actually  help  to  shore  up  an  indifferent  song. There  seems  to  be  more  than  one  narrative  voice  here   with  Watts  both  victim  and  transgressor  but  there's  no  tune  to  anchor  it.

"Big  Drum" the  second , completely  ignored, single  seems  to  be  a  comment  on  the  emptiness  of  over-produced  eighties  music. There's  a  fair  resemblance  to  Tears  For  Fears's  Change  in  the  music  but  there's  an  attractive  plantive  chorus and  good  pace  to  the  song.

The  final  three  songs  are  more  introspective and  concerned  with  love. "Heartbeat" is  virtually  a  tribute  to  Talking  Heads  with  Watts  doing  an  uncanny  impersonation of  David  Byrne  on  the  verses  and  replicating  that  scratchy  white  funk  guitar  throughout. Gospelly  backing  vocals  from  sessioners  Judy  la  Rose  and  Lorenza  Johnson  and  percussion from  former  Haircut  100 man  Mark  Fox  complete  the  picture. The  chorus  adds  some  melody  with  Porter   underscoring  it  with  a  Propaganda-ish  epic  keyboard  line. It's  not  Watts's  greatest  song  but  the  vim  of  the  performance  carries  you  along.

"It  Takes  Love"  returns  us  to  the  turn of  the  decade  white  reggae  sound  of  The  Planets  or  Boomtown  Rats's  Banana  Republic  for  the  first  of   two  hymns  to  domesticity. Watts  does  it  almost  entirely  in  his  highest  register  and  too  loud  in  the  mix  which  is  a  bit  hard  on  the  ears  and  the  Bobby  McFerrin  scat  in  the  background  ( probably  also  him )  is  equally  irritating.  The  Sapphires  ( presumably  the  UK  soul  trio  who  put  out  a  couple  of  singles  on  Stiff  earlier  in  the  decade )  make  the  chorus  a  bit  more  appealing  but  it's  a  bit  of  a  dog's  dinner. Incidentally  one  Mark  Donnelly  is  credited  on  sax  but  it   sounds  more  like  an  abrasive  trumpet  to  these  ears.

"So  Far"  is  much  more  acceptable  blending  the  quirky  synth  sounds  of  Scritti  Politti's  The  "Sweetest"  Girl   with  the  choppy  guitar  sound  of  Steely  Dan's  Haitian  Divorce.  Watts   sings  it  in  the  softest  tones  he's  capable  of  as  befits  a  song  of  comfort  to  a  partner  fretting  about  lack  of  finance - "It's  only  money  and  what's  money  without  us ?" Cruse  makes  her  only  appearance  on  this  side  and  her  soothing  tones  reinforce  the  message. She  gets  a  chance  to  shine  on  the  middle  eight  where  she  sounds  like  Judie  Tzuke. It  ends  the  album  on  a  high.

Predictably  enough  this  album  did  nothing  chartwise; it's  so  stylistically  diverse and  unanchored to  anything  else  that  was  happening  in  1988  that  it's  difficult  to  conjure  up  what  sort  of  audience  attract. Watts  continued  making  Fischer-Z  records  for  the  next  8  years  shedding  more  members  as  he  went and  other than  them  not  getting  radio  play  or  appearing  on  shelves  I've  no  real  reason  for  their  failure  to  appear  here. We  will  come  to  Fischer-Z  again  but  going  back  rather  than  forwards. 

95 Tornado - The Rainmakers

Purchased : 3  August  1988

Tracks : Snakedance / Tornado  Of  Love / The  Wages  Of  Sin / Small Circles / No  Romance / One  More  Summer / The  Lakeview  Man / Rainmaker / I  Talk  With  My  Hands / The  Other  Side  Of  The  World

This  was  bought  on  cassette  from  Woolworth's  in  Ashton-under-Lyne  and  must  have  been the  result  of  a  brainstorm  on  my  part  buying  an  album  at  full  price  on  the  strength  of  one  song  heard  once.

Like  most  people  I  first  came  across  Kansas  City's  The  Rainmakers  when  they  hit  the  UK  charts  early  in  1987  with  the  single  "Let  My  People  Go-Go"  after Simon  Bates  picked  up  on  it. Unfortunately  they  then  fell  foul  of  Top  Of  The  Pops  producer  Michael  Hurll  who  refused  to  let  a  thoughtful  slice  of  US  college  rock  interrupt  the  "party"  vibe  and  ruined  their  appearance  by  tellling  the  audience  to  whoop  and  clap  over  every  other  beat  as  they  might  for  the  latest  Black  Lace  offering. The  single  still  went  up  10  places  the  following  week  but  its  follow-up  was  ignored. I  heard  nothing  more  from  them  until  early  1988  when  Bruno  Brookes  ( a  DJ  I  absolutely  detested  but  credit  where  it's  due )  gave  a  spin  to  their  new  single  "Small  Circles"  which  grabbed  me  on  first  listen   which  was  just  as  well  as  I  never  heard  it  on  radio  again. Its  presence  here  was  the  main  spur  to  the  purchase.

"Snakedance"  the  opening  track  was  a  single  in  the  USA  and, like  the  album  ( their  second ) ,  made  a  minor  impact  in  the  Billboard  charts.  It's  not  that  far  away  from  "Let  My  People  Go-Go"  with  the  same  sledgehammer  drumming ,  Rob  Walkenhorst's  over-enunciated  Midwestern  vocals  ( not  quite  as  mannered  as  Stannard  Ridgeway )  and  blaring  brass sounds. It  doesn't  have  the  Biblical  lyrics  but  the  same  intent  to  create  a  universalist  call  for  community; the  second  verse  namechecks  Boston, Texas  and  Los  Angeles  which  let's  face  it  is  as  near  to  universal  as  most  people  from  their  neck  of  the  woods.  It's  a  bit  too  blustery  for  my  tastes.

"Tornado  Of  Love"  is  a  bizarre  meld  of  influences  that  starts  out  like  Billy  Idol, then  the  guitar  sounds  more  like  The  Cult's  Billy  Duffy. It's  a  pacey  tale  of  post-nuclear  survival  with  some  biting  lyrics  but  it's  rather  marred  by  the  upfront  drum  sound  usually  to  be  found  on  Mutt  Lange's  work. This  is  particularly  intrusive  on  the  coda  where  the  melancholy keyboards  have  to  contend  with  the  beat  getting  faster  and  faster to  no  purpose.

"The  Wages  Of  Sin"  sounds  like  a  slowed-down  re-write  of  "Let's  Stick  Together"  with  Walkenhorst  tackling  the  New  Testament  this  time  with  references  to  the  Bad  Thief  and  Mary  Magdalene  and  sounds  like  a  challenge  to  the  Protestant  work  ethic -" The  wages  of  sin  the  reward  of  fear, is  worrying and  fretting  every  second  of  the  year".  Again  the  flashy  production  doesn't  quite  mesh  with  the  blue  collar  earthiness  of  the  song.

Then  we  come  to  "Small  Circles"  a  song  which  combines  the  best  of  Springsteen ( the  narrative  of  proletarian  first  lovers  now  drifted  apart  and  the  sax  break )  and  The  Smiths  ( the  very  Marr-ish  ringing  guitar  work ) . The  last  couple  of  verses  detailing  the  hardening  effects  of   adult  materialism  ( let's  not  forget  they'd  still  got Reagan  at  this  point )  are  particularly  compelling  - "I  wish  I  cared  but  I  don't  know  how". The  drums  are  still  too  loud  but  the  song's  so  strong  you  hardly  notice.

"No  Romance"  extends  the  theme  of  that  last  line  quoted  above  as  it's  sung  from  the  viewpoint  of  someone  who's  lost  faith  in  the  idea  of  love - "You  might  find  lines  but  no  valentines  written  all  over  my  face". The  tumbling  melody  is  very  attractive  and  the  musical  arrangement  - heavy  beat  and  synths  , not  too  far  from  Dancing  In  The  Dark -  suits  the  more  introspective  nature  of  the  song.

Side  Two's  opener  "One  More  Summer" is  very  disappointing  coming  after  two  class  tracks. It  sounds  like  an  amped-up  version  of  Springsteen's  Spare  Parts  and  the  subtle  lyric  about  a  disillusioned  old  man  is  negated  by  the  tuneless  thud  that  frames  it.

"The  Lakeview  Man"  updates  Credence  Clearwater  Revival  adding  a  crashing  eighties  beat  to  a  swamp  rock  tale  of  a  wild  man  or  ghost  living  in  the  woods. Good  if  you  like  that  sort  of  thing.

"Rainmaker"  is  more  to  my  tastes  being  a  rollicking,  critique  of  consumerism  with  a  fat , bouncing  bassline  from  Rich  Ruth and  a  good  tune.

It's  followed  by  the  worst  track. "I  Talk  With  My  Hands"  is  a  half-written  song  about  a  breakdown  in  civilisation   padded  out  to  wearisome  length  with  over produced  bombast , crashing  drums, Fairlight  brass, female  backing  vocals, the  works.  It  reminds  me  somewhat  of  Frankie's  Rage  Hard  in  its  noisy  vacuity.

They  redeem  themselves  on  the  closer  "The  Other  Side  Of  The  World"  a  cheery  celebration of   music's  power  to  unite  with  a  good  guitar  riff  and  killer  chorus. There's  a  very  amusing  second  verse  about  England  - "Between  the  Royal  Wedding  and  the  kids  on  the  dole"  but  that's  forgivable.

The  album  didn't  chart  in  the  UK  and  the  band  broke  up  when  the  next  one  failed  everywhere  but  mainland  Europe. They  reformed  in  the  mid-nineties  to  take  advantage  of  enduring  popularity  in  Scandinavia  releasing  two  more  albums  before  dissolving  again  in 1998. They're  currently  having  a  third  crack  having  re -formed  again  last  year.

This  is  their  only  entry  here  - I  borrowed  the  debut  LP  from  a  friend  and  wasn't  that  excited  by  it  so  interest  in  the  group  faded  away. They  definitely  had  potential  but  perhaps  compromised  too  much  with  the  production  when  the  tide  was  turning  towards  a  rootsier  approach.  That  said,  this  LP  is  a  harbinger  of  other  purchases  soon to  come ; I'll  leave  readers  to  guess  the  bands  in  question.