80 The Best Of A Flock Of Seagulls

Purchased :  March  1988

Tracks :  I  Ran / Space  Age  Love  Song / Telecommunication / The  More  You  Live  The  More  You  Love / Nightmares / Wishing / Talking / Transfer  Affection / Who's  That  Girl / D.N.A.

This  is  the  first  single  artist  compilation  to  feature  here  and  the  first  album  bought  on  cassette  for  some  time. It  was  bought  for  £2.99  from  a  cassette  sale  at  Save  Records  on  Rochdale  Market  probably  on  the  way  to  one  of  the  last  few  matches  of  a  dire  season.

As  I  don't  have  any  of  the  four  albums  that  preceded  it  and  supply  all  10  tracks ( nor  the  one  issued  under  the  group  name  in  1989  that  only  featured  Mike  Score )  we can  for  once  take  a  look  at  the  group's  career  as  a  whole  although  the  track  selection  doesn't  help in that  respect with  only  track  each  from  their  latter  two  LPs.

The  band  were  never  critical  favourites  ( that's  putting  it  mildly )  and  antagonism  towards  them  increased  exponentially  when  they  had  major  US  success  as  part  of  the  so-called  Second  British  Invasion  in  1982.  For  a  time  that  rather  endeared  them  to  me  but  by  1984  I'd  lost  interest  after  a  string  of  uninspiring  singles  and  bought  this  mainly  for  "Wishing" , by  far  their  biggest  UK  hit  from  November  1982.

The  band  were  from  Liverpool  and  were  formed  by  hairdresser  Mike  Score  ( vocals  and  keyboards )  in  1979  .  He  was  joined  by  his  brother  Ali  on  drums  and  fellow  hairdresser  Frank  Maudsley  on  bass. After  the  original  guitarist  was  replaced  by  talented  youngster  Paul  Reynolds  they  attracted  the  attention  of  Bill  Nelson  who  produced  their  first  two  singles  in 1981  and  released  them  on  his  own  Cocteau  Records. The  band  then  signed  with  Jive  and  though  their  first  release  "Modern  Love  Is  Automatic " ( sadly  not  included  here )  flopped  the  second  single  "I  Ran" just  missed  out  on  the  UK Top  40  then  surpassed  all  expectations  by  reaching  number  9  in  the  USA. The  UK  caught  up  with  the  success  of  "Wishing"  a  few  months  later.  Mike  Score also  unveiled  what  is  still, thirty  years  on, pop's  most  ludicrous  hairstyle. Thereafter  their  decline  was  fairly  swift  in  both  markets  - assisted  by  their  place  alongside  Squeeze  and  The  Motors  as  the  least  photogenic  of  bands - and  Reynolds  quit  with  exhaustion  after  the  third  LP. The  remaining  trio  dissolved  after  one  more  album  in  1986  reuniting  only  briefly  in  2003 at  VH1's  behest.  Mike Score  now permanently resident  in  Florida  has  released  records  and  toured  as  A  Flock  Of  Seagulls  without  any  participation  from  the  other  members.


It's  " I  Ran"  that  kicks  off  proceedings  here, their  signature  song  and  one  that  illustrates  their  sound  pretty  well . M  Score's  synth  washes  and  lyrical  preoccupation  with  sci-fi  themes  made  them  obvious  if  rather  late  candidates  for  the  futurist  tag  but  Reynolds  was  a  true  post-punk  guitarist  and  his  prominence  on  a  lot  of  their  material  takes  it  closer  to  U2  or  Siouxsie  and  The  Banshees  than  their  New  Romantic  fellow  travellers.  Lyrically  "I  Ran"  seems  to  be  about  meeting  a  girl  and  then  promptly  being  abducted  by  aliens. It's  dominated  by  Reynold's  riff  which  no  doubt  helped  sell  it  to  the  Americans  and  the  coda  is  vaguely  similar  to  that  in   Hong  Kong  Garden. Though  it  is  a  strong  pop  single  the  limiting  factors  in  the  band's  make-up  are  in place  here ; M  Score  is  no  great  shakes  as  a  singer  and  his portly  balding  brother  is  a  pedestrian drummer  even  when  assisted  by  machines.

It's  followed  (as  it  was  on  their  debut  LP  and  their  single  release  schedule)  by  "Space  Age  Love  Song"  which  is  little  more  than  a  Clinton  Cards  message  set  to  a  U2  riff. Replace  Score's  monotonous  drone  with  a  little  girl  voice  and  it  could  be  Altered  Images. Score  adds  a  litle  colour  on  keyboards  towards  the  end   but it's  pretty  vacuous  all  the  same. Nevertheless  it's  well-produced  and  hit  the  Top  40  on  both  sides  of  the  pond.

We  then  have  a  third  track  from  the  debut  LP  in  "Telecommunication"  though  it  was  originally  their  second  single  for  Cocteau  in  1981  and  has  a  harsher  more  metallic  sound  as  you  would  expect  from  Bill  Nelson's  involvement. It's  a  strangely  compelling  mix  of  influences  with  Score  impersonating  John  Foxx in  both  his  dehumanised vocal  and  techno-fetishistic lyric, an  intro  that  recalls  Hawkwind's  Silver  Machine,  the  main  part  of  the  song  clearly  in  debt  to  Joy  Division's  Isolation  and  Reynolds  providing  intermittent melodic  relief   with  his  Edge-like  guitar  breaks.

Then  it's  forward  to  1984  with  the  uninspiring  "The  More  You  Live  The  More  You  Love"  single, their  last and  second  biggest  Top  40  hit  in  the  UK  and  last  US chart  entry. It  was  also  where  my  interest  in  the  band  ended. It's  just  dull; the  keyboards  are  mixed  down  to  make  the  band  sound  even  more  like  U2, the  melody  is  bland, the  rhythm  section  plods  and  the  chocolate  box  sentiments  of  the  lyric  are  just  laughable.

The  first  side  concludes  with  "Nightmares"  a  strange  choice  for   second  single  from  their  sophomore  LP  which  peaked  at  53  in  the  UK  and  did  nothing  (if  released)  in  the  U.S. M  Score  abandons  the  synth  for  clipped  rhythm  guitar  and  the  result  is  a  rather  plodding  slab  of  Goth-lite  like  Bauhaus  without  the  Bowie  impersonations  but  with  a  cheeky  nod  to  These  Boots  Are  Made  For  Walking  in  the  first  verse . Reynold's  guitar  interjections  threaten  to  turn  into  the  Banshees' Spellbound  while  the  lyric  about  childhood  trauma might  have  been  influenced  by  Tears  For  Fears'  recent  commercial  breakthrough. There  are  no  hooks  whatsoever  so  it's  not  surprising  it  fell  short.

Side  two  starts  with  an  extended  version  of  "Wishing  (If  I  Had  A  Photograph  Of  You )"  which  displays  all  the  commercial  nous  that  its  follow-up  lacked.  A  stark  metallic  beat  leads  straight  into  the  glorious  OMD  keyboard  hook  that  dominates  the  song, Reynold's  guitar  for  once  playing  second  fiddle. The  lyric about  a  lovesick  man  who's  somehow  neglected  to  take  a  photograph  of  the  object  of  his  attentions  is  nothing  special  but  that  hook  and  the  crunching  backbeat  carry  all  before  it. The  extended  coda  doesn't  really  add  much  of  interest  but  allows  a  wallow  in  their  finest  moment.

It's  followed  by  a  re-recorded  version  of  their  debut  single  "( It's Not  Me ) Talking"  about  an  alien  encounter  which  went  on  their  second  album  and  failed  again  as  a  single. That's  not  too  surprising  as  it's  the  least  melodic track  on  the  album, again  recalling  John  Foxx  at  his  most  robotic. It  doesn't  sound  like  A  Score  is  on  the  track  with  a  rigid  primitive  drum  machine  hammering  away. The  chorus  is  just  a  drone  of  the  title.

"Transfer  Affection" , a  minor  hit  in  the  summer  of  1983,  is  another  outing  for  the  band's  more  wistful, romantic  side. It  benefits  from  more  prominent  backing  vocals  from  Maudsley  and  Reynolds  to  boost  the  song's  melodic  impact. A  chattering  percussion  track  also  helps  fill  out  the  sound. They  don't  quite  compensate  for  the  lack  of  any  real  chorus  but  it's  pleasant  enough.

"Who's  That  Girl ( She's  Got It )" was  the  surprise  of  the  album  for  me. I  heard  it  once  or  twice  when  released  in  the  autumn  of  1985  ( when  it  peaked  at  66 , their  last  encounter  with  any  chart)  but  didn't  pay  it  much  attention. Two  and  a  half  years  later  it  sounded  astonishingly  fresh  and  exciting. With  Reynolds  having  quit the  band  the  remaining  trio  went  for  a  Hi-NRG  synth-based  sound  similar  to  fellow  Liverpudlians  Dead  Or  Alive. This  celebration  of  a  hot  girl  rattles  along  at  pace  with  a  frantic  synthetic  xylophone riff  and  girlie  backing  vocals. Even  M  Score's  vocals  sound  brighter  and  more  confident. By  the  time  it  was  released  the  band  had all  but  dissolved; maybe  too  soon  on  this  showing.

The  album  concludes  with  the  one  track  I'd  never  heard  before, "D.N.A."  a  track  from  the  debut  LP  which  doubtless  owes  its  inclusion  to  the  fact  that  it  earned  them  a  Grammy  for  Best  Rock  Instrumental  of  1982. It's  mainly  Reynolds's  show  with  some  melodic  riffing  over  a  drum  machine  and  Jean  Michel  Jarre  synth  washes. At  two  and  a  half  minutes  it's  quite  short  and  you'd  have  to  conclude  there  wasn't  much  competition  that  year.

So  there  we  have  it. A  Flock  Of  Seagulls  weren't  a  great  band  and  were  perhaps  a  bit  lucky  to  achieve  the  success  they  had  but  they  weren't  as  untalented  as  critical  opinion  might  suggest. That  doomed  kid  on  the  couch  in  Pulp  Fiction could  have  been  called  something  worse.

79 Man Of Colours - Icehouse

Purchased  :  March 1988

Tracks :  Crazy / Electric Blue / Nothing Too Serious / Man Of  Colours / Heartbreak Kid / The Kingdom / My Obsession / Girl In The  Moon / Anybody's War / Sunrise

This  was  purchased  in  Manchester  as  soon as  it  came  out.

"Man  Of  Colours"  was  Icehouse's  fifth  album  and  for  me  should have  been  titled "Pacific  Crossing". It's  one  of  those  LPs  every  music  fan  dreads, when  an  adored  band  jettison  everything  you  love  most  about  them  and  embrace  a  new  style,  to  which  you  can  only  respond  with  distaste, in  pursuit  of  a  broader  audience  ( in  most  cases,  as  here, the  Yanks). For  the  purposes  of  this  blog  I'll  be listening  to  the whole  album  for  only  the  second  time   since  I  bought  it  so it's  probably  the  right  time  for  a  re-appraisal.

The  sound  of  the  album  is  due  to  the  US  breakthrough  of  their  fourth  album  "Measure  For  Measure"  (  which  we'll  cover  in  due  course )  and  its  lead-off  single  "No  Promises". The  latter  only  made  number  72  in  the  UK  and  the  LP  didn't  chart  at  all  so  it's  not  too surprising  that  they  changed  tack  and  went  for  the  bigger  market.

In  hindsight  the  single  "Crazy"  ( which  gave  them  a  second  Top  40  hit  here  on  re-release  in  February  1988 )  gives  a  good  warning  about  what  to  expect,  with  its  echoey  power  chords  , cavernous  drums  and  screechy  keyboards, the  MTV  power  ballad  par  excellence. It's  not  a  bad  song  with  a  tuneful  chorus  and  Iva  Davies  chucking  in  the  usual  Ferry-isms  , it  just  lacks  that  subtle,  slightly  sinister  edge  that  they  had  assimilated  from  their  European  influences. In  the  video  Davies  ( now  sporting  a  hideous shoulder-length  mullet )  enters  the  room  of  a  girl, sees  posters  of  the  band  in  previous  guise  and  retreats. What  message  was  he  sending  out  to  his  old  fans  there ?

"Electric  Blue"  was  another  big  hit  in  the  U.S. ( and  a  near-miss  over  here). It  was  co-written  by  and  features  John  Oates  ( the  short  one  with  the  'tache )  and  is  a  shamelessly  commercial piece  of  AOR  pop  rock  that  could  easily  have  found  its  way  to  Belinda  Carlisle  or  Cher.  Lyrically  it's  a  straightforward  tale  of  obsession ( with  the  odd  phrase  recycled  from  personal  favourite  "Goodnight  Mr  Matthews"  from  the  second  LP ) . I  didn't  like  it  much  at  the  time  but  hearing  it  now  it's  actually  aged  quite  well  with  a  very  strong  melodic  structure.

"Nothing  Too  Serious"  ,an  account  of  the  morning   after  a  wild  night, is  a  fast-paced  rocker  halfway  between  Huey  Lewis  and  the  News' The  Heart  Of  Rock  And  Roll  and  Glenn  Frey's  The  Heat  Is  On . Davies   gives  it  his  best  shot  at  a  rock  growl ( only  half  convincing )  and  the  blaring  Fairlight  horns  and  obligatory  sax  solo  give  it  some  gusto  but  it's  just  not  my  cup  of  tea.

The  title  track  does  come  across  as  something  of  a  sop to  older  fans  being  a  slow  ballad  about  an  ageing  artist  with  some  delicate  oboe  and  synth  although  it's   the  hazy  synthscape  of  Drive  or  Take  My  Breath  Away  rather  than  say  Ultravox  or  Simple  Minds. It's  a  relief  from  the  rock  stomp  but  a  rather  soporific  song.

The  side  closes  with  the  hollow  epic  "Heartbreak  Kid "  with  its  hackneyed  third  person  lyric  about  a  gunman  brought  down  by  a  woman. With  the  heavy  drumming  and  ponderous  piano  chords  it  sounds  like  a  Phil  Collins  album  track  and  Rob  Kretschmer's  tedious  guitar  solo  doesn't  save  it.

Side  Two  begins  with  the  likeable  "The  Kingdom"  about  a  woman  relying  on  her  inner  world  like a  less  sinister  Angie  Baby.  Davies  returns  to  his  normal  plaintive  tones  and  the  chorus  is  tuneful. However  the  similarity  of  the  backing  track  to  Bryan  Ferry's  Don't  Stop  The  Dance  is  very  obvious.

"My  Obsession"  is  the  sort  of  straightforward  pop  rock  number  that  could  have  soundtracked a  Brat  Pack  movie  from  the  likes  of  John  Parr  and  John  Waite. It's  perfectly  listenable  with  some  nice  keyboard  work  but  it's  so  uninspired  lyrically  it  could  almost  be  a  Diane  Warren  song.

"Girl  In  The  Moon" is  just  horrible, a  drum  heavy  piece  of  bombast  with  no  real  tune  and  some  of  the  worst  lyrics  of  Davies's  career  - " Put  on  my  Cadillac  boots    and   my  magazine  jeans  but  the  colours  don't  rhyme. "  The  nagging  guitar  is  vaguely  reminiscent  of  The  Cure's  similarly  enervating  One  Hundred  Years.

"Anybody's  War "  is  another  third  person  narrative this  time about  a  feuding  couple   that  Davies  clumsily  tries  to  turn  into  an  Everyman  anthem  - "People  just  like  you  and  I ". It  starts  promisingly  enough  with  a  Moroder-ish  synth  pulse  and  a  quiet  verse but  then  all  the  ugly  bombast  of  drums  and  slashing   guitar   come  in  to  amplify  the  shouted  chorus  and  it  becomes  an  earache.

"Sunrise"  does  boast  an  interesting  lyric  about  the  bombing  of  Hiroshima , some  nice  Japanese  keyboard  motifs  and  a  virtually  empty  middle  eight ( possibly  copped  from  Kate  Bush's  Breathing ). On  the  downside  it's  got  yet  another  big  bawled  chorus  which  ruins  all  the  atmosphere  built  up  in  the  verses.

As  I  suspected  would  happen  this  LP  doesn't  sound  as  bad  to  me  now  as  it  did  then. The  softening  of  my  anti-American  bias  would  ironically  begin  with  a  single  released  just  a  couple  of  months  after  this  but  that's  for  future  posts. This  did  become  Icehouse's  biggest  seller  but  it  was  a  short-lived  triumph  with   grunge  just  around  the  corner  and  their  next  LP  ( and  their  few  subsequent  efforts)   failed  to  break  out  of  Australia. That  they  remain  uninvestigated  by  me  shows  how  the  disappointment  has  lingered.

78 Viva Hate - Morrissey

Purchased :   March  1988

Tracks :  Alsatian  Cousin / Little  Man What  Now / Everyday Is  Like  Sunday / Bengali  In Platforms / Angel, Angel, We  Go  Down  Together / Late  Night  Maudlin  Street / Suedehead / Break  Up  The  Family /  The  Ordinary  Boys / I  Don't  Mind  If  You  Forget  Me / Dial-A-Cliche / Margaret  On  The  Guillotine

This  was  bought  in  either  Ashton-under-Lyne  or  Manchester  as  soon  as  it  came  out.

I  can't  remember  any  other  album  generating  such  a  mix  of  anticipation  and  apprehension  as  this  one. Could  Morrissey  shrug  off  the  split  with  Johnny  Marr  and  still  produce  vital  work  or  would  he  become  another  Roger  Waters  , a  becalmed, increasingly  irrelevant  ranter  without  his  former  bandmates ? To  be  honest  the  jury's  still  out  on  that  question  so  that  , despite  this  coming  out  nearly  a  quarter  of  a  century  ago , it  still  seems  in  an  odd  sense  a  contemporary  purchase.

The  immediate  question  that  concerned  me  at  the  time  was  whether  it  would  be  better  than  "Strangeways  Here  We  Come"  and  so  provide  some  sort  of  vindication  for  the  split. I'll  answer  that  at  the  end  when  I've  listened  to  it  through  again  which  I  suppose  already  gives  away  that  it's  a  close  call.

Morrissey  didn't  waste  much  time  in  returning  to  the  studio  after  The  Smiths  split, this  coming  out  within  six  months  of  the  announcement.  Perhaps  EMI , fearful  for  their  investment  in  a  now-defunct  group  who  never  recorded  a  note  for  them, were  pushing  him  hard  though  they  indulged  his  wish  to  revive  the  old  HMV  imprint. The  services  of  Stephen  Street  were  retained  to  produce  the  album  but  he  was  also  now  credited  as  a  co-writer  on  all  tracks. Replacing  Marr  as  guitarist  was  Durutti  Column's  Vini  Reilly, a  much-respected  Mancunian  musician  but  a  complete  stranger  to  any  chart. Street  brought  in  versatile  drummer  Andrew  Paresi  ( a  Londoner )  and  played  the  bass  himself.  Apart  from  half  a  dozen  string  players  used  on  a  couple  of  tracks  that  was  the  complete  cast  so  that  might  partly  account  for  the  quick  turnaround.

Morrissey  delays  his  entrance  for  nearly  a  minute  on  the  opening  track, "Alsatian Cousin"  while  Reilly  treats  us  to  some  Reeves  Gabrel - style  guitar  abuse. Reilly  later  complained  that  Street  didn't  give  him  enough  room  on  the  LP  but  he's  certainly  given  a  generous  proportion  of  this  track, his  squalling  being  used  in  place  of  a  chorus. Lyrically  we're  back  in  "Handsome  Devil"  territory  with  Morrissey  interrogating  someone  about  their  affair  with  a  teacher  and  their  antics  in  a  tent  and  over  a  desk. Like  the  earlier  song it's  delivered  in  a  condemnatory  monotone. It's  crudely  effective  in  establishing  that  this  isn't  a  Smiths  album  but  it's  let  down  by  a  very  leaden  bassline  and  clodhopping  drums.  The  rhythm  section  is  a  recurring  weakness  on  the  LP  and  it's  no  coincidence  that  Mozza  temporarily  reunited  with  Rourke  and  Joyce  ( and  Craig  Gannon  for  that  matter )  on  his  next  recordings.

"Little  Man  What  Now"  raises  alarm  bells with  its  brevity  and  a  very  uncomfortable  marriage  between  Reilly's  acoustic  intricacies  and  Paresi's  brutalist  drum  track  ( sounding  very  like the  one  used  on  the  Bee  Gees  recent  chart topper  You  Win  Again. The  lyric  raises  a  wry  smile  with  its  tale  of  a  sixties  child  star  appearing  on  a  daytime  quiz  show   now  that  has-beens  have  never  been  more  in  demand  as  cannon  fodder  for  I'm  A  Celebrity...  and  the  like. Otherwise  the track  is  of  little  interest.

"Every  Day  Is  Like  Sunday"  is  deservedly  one  of  solo  Morrissey's  best-loved  songs. It  became  the  second  and  last  single  from  the  LP  in  June  reaching  the  Top  10  and  winning  some  support  from   daytime  jocks   who'd  previously   shunned  him. With  a  strong  melody  ( and  there  aren't  many  of  those  knocking  about  here ) and  a  gorgeous  sweeping  string  arrangement   behind  him  Mozza  laments  the  decline  of  an  old  fashioned  seaside  resort  ( no  specifics  but  my  money  would  be  on  New  Brighton ) with  genuine  sympathy  for  those  marooned  there. There's  a  little  nod  to  John  Betjeman - "come, come, nuclear  bomb" - and  the  video  featured  Cheryl  Murray  ( Suzie  Birchill  from  Coronation Street ). What  more  could  you  want ?

Well  a  bit  of  racial  controversy  would  do  nicely  and  so  along  comes  "Bengali  In  Platforms"  wherein  Morrissey  advises  a  young  Asian  boy  to  give  up  attempting  to  integrate. This  song  was  originally  demo'ed  by  the  short-lived  Smiths  mk  2  the  previous  summer  and  is  one  of  the  most  Smiths-like  tracks  here  with  its  melodic  guitar  hook. From  the  gentle  arrangement  and  Morrissey's  softest  tones  on  the  vocal  it's  plainly  meant  to  be  sympathetic  but  the  p.c. brigade  were  never  going  to  be  happy  with  the  line  "Life  is  hard  enouh  when  you  belong here".

On  "Angel  Angel  We  Go  Down  Together" he  invokes  the  spirit  of  Colin  Blunstone  by  singing  directly  over  a  string  arrangement  ( with  echoes  of  Kate  Bush's  Cloudbusting   in  there). Morrissey  urges  the  object  of  his  devotion  not  to  commit  suicide  after  being  stripped  bare  by  freeloaders  because  he  is  still  there  for  him/her. It's  quite  impressive but  ends  after  1  minute  and  40  seconds  and  the  spectre  of  Waters  begins  to  rise.

But  maybe  it  was  only  to  make  room  for  the  full  seven  and  a  half  minutes  of  " Late  Night, Maudlin Street "  with  Mozza  on  the  point  of  leaving  his  childhood  home  and  remembering  all  the  unhappy  times  he  had  there. You  imagine  that  if  this  song  had  been  presented  to  The  Smiths  JM  would  have  told  him  to  rein  it  in  a  bit  but  here  he  wails  ( in  and  out  of  key ) on  and  on,  verging  on  self-parody - "Here I  am ,the  ugliest  man".  There's  no  relief  in  the  music  either  with  no  tune  to  speak  of  and  another  crushingly  unsuitable  electronic drum  track . Street  provides  some  nice  piano  fills  halfway  through  but  they're  not  nearly  enough  to  stop  the  track  being  terminally  boring.

It's  thus  a  great  relief  to  tip  the  record  over  to  "Suedehead"  the  bouncy  first  single  which  introduced  him  to  the  Top  5 in  a  chart   otherwise  clogged  up  with  anonymous  dance  acts  and  teen  pop  muppets -   many  of  them  tied  to  the  terrible  trio  of  Stock, Aitken  and  Waterman. It's  a  strong  safe  debut  not  wandering  too  far  away  from  the  Smiths  sound  but  containing  enough  new  features  such  as  the bar-room piano  keeping  pace  with  the  guitar  and  the  string  synth  punctuations. Lyrically  it  seems  to  be  Morissey  politely  asking   one  of  his  fans  to  back  off  a  bit  ( perhaps  the  rather  embarrassing  Shaun  Duggan  who'd   found  his  way  into  the  South  Bank  Show  programme  to  gush  about  the  band ) .

After  that's  faded  out  it  has  to  be  said  the  rest  of  the  second side  is  pretty  forgettable bearing  all  the  signs  of  a  rush-job. "Break  Up  The  Family " is  notable  for  the  hints  of  a  more  optimistic  frame  of  mind  in  the  lyric  "-I'm  so  glad  to  be  older "  but  the  music  is  very  uninspiring  being  built  around  a  dated  drum  machine  pattern.

Morrissey  should  have  known  that  "ordinary " is  the  last  word  you  put  in  the  title  of  a  pop  song. "The  Ordinary  Boys"  is  just  that  despite  its  lyric  championing  a  figure  who  stood  above  the  hoi-polloi. It  lumbers  along  frequently  threatening  to turn  into  That  Joke  Isn't  Funny  Anymore "  until  apparently  realising  that  the  key  ingredient  is  missing.

Who  just  happens  to  be  the  subject  of  the  next  song. "I  Don't  Mind  If  You  Forget  Me"  is  surprisingly  unambiguous  in  its  lyric  but  the  arrows  fall  well  short  with  "Rejection  is  one  thing  but  rejection  by  a  fool  is  cruel"  the  most  cutting  line. The  music's  even  less  inspired  just  another  thudding,  unsympathetic  contribution  from  Paresi, a  bit  of  guitar  abuse  from  Reilly  and  Morrissey  trying  out  a  different  unmemorable  melody  on  each  line. The  whole  song  is  irredeemably  half-baked ; I  can't  see  Marr  losing  any  sleep  over  it.

"Dial-A-Cliche"  again  has  similarities  to  "That  Joke  Isn't  Funny  Anymore"  in  the  acoustic  guitar  line   and  one  or  two  nicely  phrased  lines  but  otherwise  sounds  even  more  incomplete  than  the  one  before, a  melange  of  unrelated  lyrical  snippets  and  no  sense  of  where  it  wants  to  go  musically. Reilly  blows  some  French  horn  over  it  to  no  useful  effect.

Which  leaves  us  with  the  pseudo-controversial  "Margaret  On  The  Guillotine"  which  was  surely  recorded  with  the  express  purpose  of  getting  local  rent-a-gob  MP  Geoffrey  Dickens  to  give  the  album  some  free  publicity. Mission  accomplished  there  of  course  but  there's  liitle  song, just   a  two  verse  acoustic poem  that  could  have  come  straight  from  The  Final  Cut  ending  with  the  line  "When  will  you  die ?". Now  I  hate  the  bitch  as  much  as  anyone  and  mean  to  party  when  she  finally  does  shuffle  off  but  you  expect  a  bit  more  from  this  man. He  buggers  off  halfway  through  leaving  Reilly  to  talk  to  himself  for  a  couple  of  minutes  before  the  blade  falls  and  the  album  is  over.

EMI's  marketing  muscle  took  this  straight  in  at  number  one  but  it  didn't  hang  around  long  and  exited  the  Top  40  after  5  weeks  failing  to  make  it  back  even  when  "Everyday  Is  Like  Sunday"   was  in  the  Top  10. Reviewed  well  at  the  time  I  don't  think  anyone  will  claim  it's  a  classic  now. Certainly  Morrissey  didn't  seem  keen  to  repeat  the  experience  releasing  only  singles  for  the  next  three  years  ( eventually  collected  together  as  the " Bona  Drag"  album )  and  seeing  all  career  momentum  drain  away  as  a  result. We'll  return  to  that  many  posts  in  the  future.

For  now,  was  it  better  than  "Strangeways". Well  there  are  two  excellent  singles  here  and  you  can't  say  that  about  the  trio  from  the  group's  last  effort. However  at  no  point  does  that  album   sound  as  uninspired  as  the  second  side  here  once  "Suedehead"  has  gone  by. So  let's  call  it  a  draw.
 

77 This Is The Sea - The Waterboys

Purchased  :  February  1988

Tracks : Don't Bang The  Drum / The  Whole  Of  The  Moon / Spirit / The  Pan Within / Medicine Bow / Old England / Be  My Enemy / Trumpets / This Is The  Sea


This  was , I  think, the  last  album  bought  in  Leeds. It  marks  the  beginning  of  a  pattern  only  broken  this  year. That  was  the  tendency  to  hoard  annual  leave  until  the  end  of  the  financial  year  ( April - March )  and  then  have  10  days  or  so  to  use  up  in  the  snowy  wastes  of  February  and  March. At  first  this  was  football-related to  cover  re-arranged  away  fixtures, replays  etc  but  later  became  a  more  general  Micawber-ish  hope  that  something  would  turn  up  i.e. someone   might  want  to  spend  some  of  their  precious  leisure  time  with  me.

That  hope  was  almost  always  disappointed  but  in  February  1988  I  did  manage  to  arrange  a  rendez-vous  with  my  old  housemate  Pete  who  was  still  living  in  Leeds.  Pete  had  only  got  to  Leeds  University  through  clearing  and  always  struggled  on  his  course  and  I  can't  remember    whether   he  was  still  trying  to  get  his  degree  or  whether  he  was  now  working. In  any  case  he  was  now house-sharing  with  a  couple  of  other  guys  I  didn't  know  and  suggested  we  meet  up  one  afternoon. All  I  can  really  remember  is  that  we  watched  The  Roxy  ( remember  that ? ) , played  a  bit  of  snooker  and  that  I  ended  up  buying  a  cue  from  him  which  I've  still  got  though  I  don't  think  it's  been  used  this  millennium. We  haven't  been  in  touch  since.

Anyhow  back  to  Mike  Scott  and  his  cohorts. I'd  been  moderately  interested  in  them  since  their  1983 debut single  "A  Girl  Called  Johnny"  which  I  first  heard  on  Radio  Luxembourg's  rather  arbitrarily  compiled  "Futurist  Chart " ( Phil  Everley  was  in  there  but  not  Talk Talk )  but  really  came  on  board  with  "The  Whole  Of  The  Moon" in  November  1985, the  only  single  released  from  this  LP  and  their  commercial  breakthrough. Annie  Nightingale  had  whetted  ny  appetite  since  then  by  playing  odd  tracks  on  her  Sunday  night  request  show  - this  was  before  she  became  the  Betty  Turpin  of  the  rave  scene - so  this  was  pretty  much  the  top  of  my  "wants"  list.

This  was  the  third  Waterboys  album  and  the  first  to  chart  and  yield  a  hit  single. At  the  time  the  band  was  essentially  a  trio  of  Scott, Anthony  Thistlethwaite  and  Karl  Wallinger  with  a  slew  of  guests. Drummer  Kevin  Wilkinson  had  left  to  join  China  Crisis  but  can  be  heard  on  some  tracks  as  can  Roddy  Lorimer  on  trumpet, another  link  with  the  previous  post.
Many  predicted  that  the  band  would  join  U2, Simple  Minds  and  Big  Country  as  the  next  Celtic  stadium  act  but  that  was  stymied  by  Scott's  infamous  refusal  to  do  Top  Of  The  Pops  when  "The  Whole  Of  The  Moon"  was  climbing  the  charts, a  career-defining  decision.

It  begins  with  the  lengthy  "Don't Bang  The  Drum", Wallinger's  only  co-writing  credit  on  the  LP. It's  a  song  typical  of  both  writers with  its  call  to  activism  underlaid  by  spiritual  concerns - "What  show  of  soul  are  we  gonna  get  from  you ?"  - and  the  expectation  of  disappointment - "If  I  know  you  you'll  bang  the  drum like  monkeys  do". Wallinger's  big  piano  chords  and  Lorimer's  trumpet  herald  the  song  proper  for  a  minute  and  a  half  before  the  big  drums  and  chainsaw  guitar  announce  that  this  is  a  rock  record. Scott's  earnest  vocals  ( too  much  for  some )  and  Thistlethwaite's  full  throttle  sax  playing  hammer  the  message  home   with  a  minimum  of  delicacy.

Then  we  have  "The  Whole  Of  The  Moon"  itself.  Despite  Scott's  self-sabotage  it  reached  number  26  on  its  original  run  then  got  to  number  3  on  reissue  in  1991  after  its  reputation  steadily  built  in  the  intervening  years. Turning  the  execrable  Wind  Beneath  My  Wings  on  its  head  it's  a  uniquely  self-effacing  song  with  Scott  acknowledging  that  another   (Scott  has  subsequently  backtracked  on  his  contemporary  assertion that  the  subject  was  Prince  after  his  bizarre  behaviour  at  the  British  Rock  And  Pop  Awards  and  eccentric  Around  The  World  In  A  Day  album )  has  surpassed  all  his  achievements but  there's  a  catch  in  the  chorus. The  subject  has  crashed  and  burned   so  the  song  is  both  an  admiring  tribute  and  lament. The  key  musical  ingredients  are  again  Wallinger's  tumbling  piano  and  Lorimer's  antiphonal  trumpets  which  grow  in  prominence  as  the  song  progresses. Despite  another  inimitable  half-shouted  vocal  from  Scott  it's  attracted  a  fair  few  covers  and  deservedly  so.

There's  a   pause  for  breath  with  the  short , uncluttered  "Spirit"   where  Scott   affirms  the  superiority  of  the  spiritual  life  over  Wallinger's  restless  piano  and  a  more  muted  contribution  from  Lorimer.

Then  it's  back  to  the  barnstorming  with  "The  Pan  Within" . Its  exhortation  to  let  loose  the  Dionysian  spirit  would  make  it  a  perfect  choice  to  soundtrack  the  film  of  The  Secret  History ( if  it  ever  gets  made )  though  there's  no  hint  here  that  it  would  turn  destructive.  A  six-plus  minute  epic  it  rumbles  along  on  a  solid  backbeat  with  new  boy  Steve  Wickham  adding  all  the  musical  colour  with  his  fiddle. There's  also  a  brief  Peter  Hook-esque  bass  solo  but  as  there  are  four  bass  players  credited  on  the  LP  I've  no  idea  who  's  playing  it. My  only  complaint  about  the  song  is  that  there's  no  climax;  it  just  ends  at  a  seemingly  random  point.

Side  Two  begins  with  the  uptempo  "Medicine  Bow" ,  a  Thistlethwaite  co-write  and   a  short-ish  slice  of  driving  rock  (with  some  discreet  synth  work )  that  owes  a  lot  to  Echo And  the  Bunnymen. It's  a  statement  of  Scott's  desire  to  cast  off  all  the  trappings  of  his  old  life  and  start  anew  although  he  was  apparently  ignorant  that  there  was  a  real  place  of  that  name  in  Wyoming. There's  not  that  much  of  a  tune  in  amongst  the  churning  guitar  and  drum  racket  so  its  relative  brevity  is  a  plus.

"Old  England"  has  Scott  trying  on  Paul  Weller's  clothes  with  a  critique  of   the  evils  of  Thatcherism  (  from  which  the  other  countries  in  the  UK  were  hardly  immune )  using  James  Joyce's  "Old  England  is  dying"  as  the  pay-off  line  and  stealing  another  couplet  from  WB  Yeats.  I  don't  find  it  very  convincing ; the  lyrics  offer  no  fresh  insights  and  musically  it's  boring , five  and  a  half  minutes  of  an  annoyingly  repetitive  piano  riff  ,  military  drums  and  Thistlethwaite  trying  to  add  some  colour  with  freeform  squawking.

"Be  My  Enemy"  begins  with  a  strange  staccato  synth  passage  but  turns  into  a  rollicking  rockabilly  number  reminiscent  of  Shakespeare's  Sister. The  uncharacteristically  violent  lyrics  with  hints  of  Southern  Gothic  -" I  feel  like  I've  been  sleeping  in  a  cellarful  of  snakes" - suggest  Nick  Cave  as  an  additional  influence. Apart  from  a  serious  lack  of  melody  it's  well  executed.

"Trumpets",  the  first  song  to  be  written , rescues  the  second  side.  A   refreshingly direct  love  song  featuring  only  the  core  trio  (  and  a  classic  Wallinger  piano  riff ) , it  exemplifies  the  mark  1  version  of  the  band  at  their  best with  its  compelling  poetic  beauty. Despite  the  present  tense  of  the  lyric ( including  a  little  steal  from  I'm Only  Sleeping  )  there's  a  choking  poignancy  to  the  song  - " your  love  is  like  high  summer  "  - acknowledging  that  such  delights  are  rare  and  transitory.

"This  Is  The  Sea "  is  another  long  song  ( though  considerably  shortened  from  Scott's  original  20 verse  epic )  that  attempts  to  tie  up  the  various  threads  on  the  LP   with  references  back  to  the  preceding  songs.  The  over-riding  theme  is  cutting  loose  from  the  past  and  seems  self-addressed  ( though  that  view  may  be  influenced  by  knowledge  of  what  came  next ) .  The  dense  acoustic  guitar  work  is  worthy  of  Johnny  Marr   and  the  song  builds  nicely  but it's  comparatively  bland and  sails  a  little  too  close  to  Van  Morrison  for  me.

So  it  wasn't  quite  the  classic  I  was  hoping  for  and  I  don't  rate  it  the  best  of  their  LPs  by  some  margin. It  was  however  a  significant  milestone in  their  career. Wallinger  quit  the  band  before  the  end  of  the  promotional  tour  and  that  spelled  the  end  of  their  "Big  Music"  phase; when  they  re-emerged  at  the  end  of  1988  both  music  and  image  had  changed  radically  (  as  we  shall  see) .