71 Icehouse - Icehouse

Purchased  :  21st  November  1987

Tracks :  Icehouse  / Can't  Help  Myself / Sister / Walls / Sons / We  Can Get  Together / Boulevarde / Fatman / Skin / Not  My  Kind

At  last  ! This  had  been  my  number  one  target  for  the  past   few  years  but  I  could  never  find  it  at  a  reasonable  price  until  a  Saturday  in  November  1987  when  I  found  it  in  a  sale  in  Manchester  ( either  HMV  or  Virgin; something's  saying  the  latter )  presumably  because  they'd  recently  cracked  the  Top  40  once  more  with  the  underwhelming  "Crazy".  I  was  actually  in the  city  for  football . Rochdale  had  played  ( and  surprisingly  won )   at  Cambridge  the  night  before  but  I  hadn't  been  able  to  go  because  I  was  stuck  at  Liverpool  till  5pm on  block  release  so  I  decided  to  pay  one  of  my  periodic  visits  to  Maine  Road  that  weekend.  The  train  from  Littleborough  got  into  Manchester  an  hour  before  kick  off  so  there  was  time  to  browse  the  record  shops  before  walking  up  to  the  game. For  those  interested  City  ( featuring  the  ill-fated  Paul  Lake and  future  Rochdale  manager  Paul  Simpson )  chalked  up  an  easy  3-0  win  over  Birmingham  in  the  old  Second  Division.

The  album  had  been  released  in  the  UK  in  summer  1981 when  the  band  came  over  for  a  short  tour  attracting  a  storm  of  xenophobic  derision  from  the  music  press  for  their  allegedly  derivative sound ; one  review  was  headed  "Ultrabruce" . The  LP  didn't  fare  much  better  although  Smash  Hits  were  a  bit  more  positive. In  fact  "Icehouse"  was  essentially  a  re-tooled  version  of  their  highly  successful  Australian debut  under  the  name  Flowers  ( changed  when  they  signed  to  Chrysalis  in  the  UK  for  fear  an  obscure  Scottish  group  The  Flowers  might  cause  problems ).

The  title  track  opens  proceedings  but  this  is  not  the  version  which  entranced  me  as  a  single  at  the  beginning  of  1982 ( one  of  my  all-time  faves ).  For  the  single  the  tempo  was  slowed  down  slightly  and  the  keyboards brought  higher  in  the  mix, not  major changes  but  enough  for  the  original  to  be  disconcerting. The  song  ( and  later  band  name )  was  inspired  by  the  under-heated  flat Iva  Davies rented  in  Sydney  which  also  happened  to  overlook  a  "Halfway  House"  for  rehabilitation  of  drug  addicts  and  ex-cons  giving  him  some  interesting  neighbours  to  observe. The  mystery  of  the  house  across  the  street  is  juxtaposed  with  a  girl  saving  herself   for  something  better  perhaps  after  rejecting  Davies  himself - "she  says  she's  got  no  time  for  winter  nights". The  coldness  metaphor  is  re-emphasised  by  Anthony  Smith's  glacial  keyboards  (possibly  influenced  by  Closer)  and  Davies's  clenched-teeth  vocal  style. His  sour  conclusion  - "There's  no  love  inside  the  icehouse"  completes  the  package. A  masterpiece.

"Can't  Help  Myself"  was their  debut  single  in  Australia.  It's  about  sexual  obsession  or  possibly  embarrassing  erections -"it's  beginning  to  show"  - and  illustrates  Davies's  talent  for  welding  together  disparate  elements  to  create  a  unique  sound. Here  you  have  a  solid  rock  rhythm  with  a  skeletal  keyboard  riff  allowing  Davies  to  veer  between  clipped  rhythm  guitar  and  post-punk  shapes  that  a  certain  Irish  band  would  soon  trademark. On  top  of  that  you  have  Davies's  pinched  vocals  , about  as  asexual  as  you  could  get,  to  complete  the  song's  compelling  oddity.

The  same  applies to  some  extent  to  "Sister"  , a  song  addressed  to  a  created  woman  although  whether  it's  a  genuinely  futurist  song  or  an  extended  metaphor  isn't  clear. The  racing  keyboards  in  the  verses  hint  at  nightmare  - "sometimes  little  mistakes  get  by  without  detection"  - but  the  mood  is  then  spoilt  by  a  cheerleading   chorus  sounding  very  like  The  Cars. The  wrongfooting  middle  eight  which  sounds  like the  intro  to    a  completely  different  song  only  adds  to  the  magpie  feel  of  the  track.

"Walls"  was  a  single  in  Australia  though  not  elsewhere, a  sinister  song  about  incarceration . Keith  Welch's  foreboding  bassline  recalls  Peter  Hook's  on  Shadowplay  and  there  are  hints  of  late  Joy  Division  in  the  keyboard  sound  as  well. On  the  other  hand  Davies's  vocal  is  a  Bowie  impersonation. Again.  I  don't  think  the  powerchord  - driven  chorus  quite  delivers  on  the  quiet  menace  of  the  verses.

Side  One  ends  with  the  very  Ultravoxian  "Sons"  with  its  bleak  imagery  of  loss  and  decadence , the  Billy  Currie  grand  piano  fills  and  Davies  employing  John  Foxx's  declamatory  style  on  the  chorus. The  blousy  sax  break  also  feels  similar  to  the  one  in  Hiroshima  Mon  Amour. It's  not  a  bad  song  but  not  strong  enough  to  transcend   the  distraction  created  by  the  pilfering.

The  more  obviously  synth-based second  side  opens  with  another  single  "We  Can  Get  Together"  a  predictable  choice  with  its  everyman  lyric  and  big  chorus ( a  rare  opportunity  for  the  other  members  to  do  backing  vocals ) . There's  some  rhythmic  similarity  to  Fleetwood  Mac's  Go  Your  Own  Way   and  again  Davies's  weedy,  slightly  petulant  vocal  undercuts  the  "come  on"  proposition of  the  lyric  to  strange  effect.

The  remaining  songs  give  full  vent  to  Davies's  sinister  side. "Boulevarde"  concerns  itself  with  French  prostitutes. With  Davies  delaying  his  vocal  entrance  a  la  Sound  and  Vision  the  preceding  minute  could  almost  be  Focus  with  its  extended  organ  chords  and  wheedling  guitar. When  Davies  comes  in  with  a  bigger,  impassioned  vocal  it's  dramatic  and  then  he  wheels  out  a  superb  solo, the  only  one  on  the  LP. It's  sympathetic  but  haunting  in  its  fatalism  - "cause  they  all  die  young  on  the  boulevarde".

The  scathing  "Fatman"  is  aimed  at  either  a  pimp  or  sugar  daddy - "girl's  best  friend  is  a  fatman" -  and  is  buoyed  by  rock  drumming  and  Davies's  clipped  rhythm  playing  allowing  Anthony  Smith  to  conjure  a  sombre  atmosphere  on  the  keyboards. Despite  the  taunting  chant  at  the  end  you  know  the  big  guy's  likely  to  have  the  last  laugh.

I 've  never  had  much  clue  what  the  frantic  "Skin"  is  about - an  identity  crisis  perhaps ? -  and  it's  not  my  favourite  track. Smith  again  impresses  with  the  synth  work  and  Ian  Moss  is  brought  in  for  some  Reeves  Gabrel-ish  guitar  abuse   but  the  song  is  simply  too  fast  and  sounds  uncomfortable.

The  concluding  track  "Not  My  Kind"  sees  Davies  wandering  the  Sydney  streets  observing  the  night  life . At  first  he's  kidding  himself  he's  a  part  of  the  shiny  scene  - "the  dark  is  a  friend  to  me" -  but  as  the  song  progresses  the  mask  slips  and  he's  revealed  to  be  a  lonely  soul  perhaps  resorting  to  the  prostitutes  around .  A  pumping  bassline  accompanies  him  from  the  start  of  the  song  then  picks  up  pace  as  the  self-realisation  kicks  in  with  drums  and  guitar  joining  in  to  power  the  song  to  its  climax  as  Davies  frantically  denies  what  he  knows  to  be  true.

I  was  in  truth  slightly  disappointed  when  I  first  played  it; perhaps  that  was  inevitable  given  how  long  I'd  trailed  it. The  subsequent  years  have  enabled  me  to  better  appreciate  its  quality  as  a  very  good  debut  LP.

70 Actually - Pet Shop Boys

Purchased :  17  October  1987

Tracks :  One  More  Chance / What  Have I  Done  To  Deserve  This ? / Shopping / Rent  / Hit  Music / It  Couldn't  Happen  Here / It's A Sin / I  Want  To  Wake  Up / Heart / King's  Cross

This  one  was  purchased  on  a  Saturday  morning  trip  into  Manchester.

There  are  some  critics  aforementioned  on  this  blog  for  whom  the  Pet  Shop  Boys  can  do  wrong. I'm  not  one  of  them ; I  like  the  band rather  than  love  them. I'm  not  completely  sure  of  the  reason  for  that  reservation. Certainly  they  were  the  best  British  band  of  the  post-Smiths  eighties  but  that's  damning  with  faint  praise. I  was  beginning  to  tire  of  synth-pop around  this  time  ( and  forthcoming  posts  will  reveal  where  that  ennui  led  me )  but  that's  not  the  whole  story. Neil  Tennant's  voice  may  be  relevant, the  limiting  factor  that  often  prevents  their  music  soaring  to  its  full  potential. I  also  don't  love  them  as  people. I  see  Tennant  as  the  embodiment  of  Pete  Wylie's  ideal  of  the  anti-rock  star, the  role  he  didn't  have  the  chops  to  assume. Tennant's  arrogant  disdain  for  U2  or  The  Police  was  straight  out  of  the  Wylie  manual  and  the consciousness  of  "canon"  that  led  him  to  strenuously  deny  any  influence  by  the  likes  of  Al  Stewart  or  Sparks  was  alienating. And  Chris  Lowe  is  quite  possibly  the  most  charmless  man  in  music.

But  for  all  that they  had  a  good  run  of  singles  under  their  belt  which  made  this  album  a  desirable  purchase. Unlike  the  previous  entry  this  LP  doesn't  get  off  to  a  good  start. "One  More  Chance"  is  a  re-recording  of  the  B-side  of  the  original  "West  End  Girls"  single  from  1984  co-written  with  disco  producer  Bobby  Orlando. It's  reappearance  here  after  not  being  included  on  the  debut  LP  "Please"  immediately  suggests  a  shortage  of  material. The  song  itself  is  very  slight  with  Tennant  muttering  in  his  usual  deadpan  fashion  about  a  late  night  urban  stroll  in  the  manner  of  Flash  and  the  Pan's  Walking  In  The  Rain ;  doubtless  Tennant  would  deny  that  connection  but  the  title  is  actually  referenced  in  the  lyrics. The  music  is  a  generic  Hi-NRG  rhythm  track  with  some  Lovin  Spoonful - style  urban  sound  effects  and  there's  no  bridge  to  the  very  boring  chorus  at  all.

Next  is  "What  Have  I  Done  To  Deserve  This ? "  the  well-trailed  collaboration  with  Dusty  Springfield  which  some  regard  as  a  classic  but  I  think  is  one  of  their  weaker  singles. Co-written  with  American  songwriter  Allee  Wills and  conceived  as  a  sort  of  Don't  You  Want  Me  mini-soap  where  a  man  ends  up  working  for  his  ex-lover,  it  doesn't  work  for  me.  The  synthesised  brass  refrain  in  the  intro  is  promising  but the  song  itself  is  over-complex  with  neither  a  clear  separation  of  the  actors'  voices  or  enough  melody  to  make  the  effort of  unpicking  it  worthwhile. Nor  is  the  duetting  successful;  Tennant  sounds  more  bored  than  usual  while  Springfield  sounds  strangely  muffled. Whether  that  was  necessary  to  disguise  the  decline  in  the  48-year  old's  voice  or  to  prevent  her  overpowering  Tennant   it  only  heightens  the  sense  of  anti-climax  that  hangs  around  the  whole  thing.

Matters  then  improve  with  "Shopping",  the  most  overt  of  several  attempts  on  this  LP  to  capture  the  zeitgeist of  1987  and  the  implications  of  Thatcher's  third  election  triumph. Lyrically  the  song  was  inspired  by  the  sell-offs  of  the  nationalised  industries  and  share  trading  generally  while  musically  the  influence  is  definitely  Kraftwerk  particularly  The  Robots.  The  analysis  isn't  particularly  deep  but  Tennant  nails  the  feeling  of  progressive  despair  on  the  line - "I  heard  it  in  the  House  of  Commons, everything's  for  sale ". Of  course  the  world  it  describes  experienced  an  abrupt  convulsion  just  two  days  after  I  bought  the  LP  and  it's  not  the  only  prescient  song  here.

"Rent" is  another  minor-key  song  about  the  times  but  much  more  subtle. Here  we  have  a  relationship  based  on  financial  security  with  Tennant  singing  from the  point  of  view  of  the  "kept"  person  so  his  wheedling  tones  are  absolutely  perfect. The  music  is  again  heavily  indebted  to  Kraftwerk  with  Andy  Richards's  Fairlight  trumpet  adding  appropriate  chilliness  particularly  if  you  interpret  the  title  to  mean  this  is  a  young  boy  groomed  for  the  pleasure  of  a  paedophile. Shockingly  this  was  by  far   the  smallest  hit  of  the  four  singles,  turning tail  at  number  8  after  only  two  weeks  in  the  chart. Clearly  some  of  their  audience  didn't  want  to  know  about  their  darker  side.

"Hit  Music" relies  on  a  facsimile  of  the  Peter  Gunn  riff   for  its  propulsion  and  on  the  surface  seems  relatively  slight  but  there  are  fatalistic  references  to  AIDS  in  the  verses - "Live  and  die  it's  all  that  we  know, I  need  a  friend  at  the  journey's  end"  emphasised  by  brief  but  telling  Fairlight  string  interventions  and  Tennant's  double-tracked  vocal. I'm  not  sure  the  chilled-out  coda  really  adds  anything  to  the  track.

"It  Couldn't  Happen  Here "  is  another  touted  collaboration  this  time  with  Ennio  Morricone  and  yet  again  the  results  are  disappointing ; if  nothing  else  this  LP  proved  that  Tennant  and  Lowe  were  best, ahem. left  to  their  own  devices. The  former  was  very  proud  of  the  song  describing  it  in  Smash  Hits  as "the  highlight  of  the  album"  but  he's  well  wrong  there. Apparently  an  attack  on  complacency  the  lyric  is  too  oblique  and  personal  to  make  much  sense  to  an  outsider  and  musically  it's  a  bit  of  a  dirge,  the  Fairlight on  the  chorus  conjuring  up  not  so  much  a  spaghetti  western  as  a  Hovis  commercial.

"It's  A  Sin"  follows  next  , their  second  number  one  from  earlier  in  the  year. The  guys  pull  out  all  the  stops  here  with  thunder  cracks  for  emphasis  and  a  Latin  recitation  of  the  Act  of  Confession on  Tennant's  autobiographical  tale  of  Catholic  guilt ; it's  significant  that  in  the  video  Tennant  is  a  passionate  participant  rather  than  his  usual  laconic  observer. It's  triumph  was  sullied  by  Jonathan  King  who, following  his  pathological  anti-patriotic  urge  to  undermine any  British  success  story , accused  them  of  plaigiarising Cat  Stevens' Wild  World  in  his  column  for  The  Sun. Although  the  duo  sued  and  won  the  similarity  in  the  main  melody  line  is  undeniable  and  takes  the  gloss  off  a very  good  song.

"I  Want  To  Wake  Up"  is  a  fairly  routine  Fairlight  chugger  ( although  Adamski  was obviously listening  to  some  of  the  bleeping   noises )   with  Tennant  expressing  his  ambivalence  about  love. It's  never  a  good  idea  to  resort  to  namechecking  other  songs  (here , Tainted  Love  and  Love  Is  Strange )  to  make  your  point  and  it's  not  one  of  their  better  efforts.

"Heart"  became  their  fourth  and  to  date  final  number  one  in  March  1988  , a  rare  triumph  for  a  fourth  single  release  from  an  album. It's  a  better  attempt  at  a  simple  love  song  and  was  originally  intended  for  Hazell  Dean. The  earworm  is  that  staccato  synth  hook ; otherwise  the  backing  track  is  a  bit  too  close  to  Stock, Aitken  and  Waterman  for  comfort. Tennant  sings  it  so  sweetly  he  could  almost  be  Green  Gartside.

I'm  always  inclined  to  mark  up  an  album  which  saves  its  best  song  until  last  and  "King's  Cross"  is  probably  my  favourite  PSB  track  of  all. It's  a  lament  for  the  runaways  picked  up at  the  titular  station  and  exploited , the  same  nightmare  world  depicted  in  the  third  and  best  of  the  Prime  Suspect  series.  The  meaning  of  the  line  "Dead  and  wounded  on  either  side / You  know  it's  only  a  matter  of  time"  is only  too  clear. There  are  no  walloping  dancebeats  here  just  a  discreetly  buzzing  bass line  to  move  things  along  while  the  choral  synths  weep  for  the  doomed  youngsters  and  trains  go  by  packed  with  commuters  ignoring  what's  going  on  right  before  their  eyes. A  couple  of  months  later  the  King's  Cross  fire  took  place  and  The  Sun  pressurised  them  to  release  it  as  a  charity  single. Given  that  the  same  newspaper  had  given  King  a  platform  for  his  bile  and  had  just  been  running  a  very  nasty  smear  campaign  against  Elton  John  it's  not  surprising  that  their  suggestion  was  ignored.

So  it's  a  pretty  good  album  that  represents  the  group  at  their  commercial  peak  before  their  ubiquity  became  too  exhausting   for  a  mass  audience  to  keep  pace  with  and  enough  fell  off  to  prevent  them  having  any  more  number  one  singles ( ther  only  number  one  LP  came  in  1993 and sold  far  less  than  this  one which  peaked  at  2 ) .    

69 Wonderful Life - Black

Purchased  : 8th  October  1987

Tracks : Wonderful Life / Everything's  Coming  Up  Roses / Sometimes For The Asking / Finder / Paradise / Sixteens / I'm  Not  Afraid / I  Just  Grew Tired / Blue / Ravel In The  Rain / Just  Making  Memories / Sweetest Smile

This  was  purchased  from  Lewis's  in  Manchester  having  failed  to  find  it  at  a  discounted  price  in  any  of  the  more  obvious  record  stores  despite  it  being  in  the  charts  at  the  time. That  didn't  improve  my  mood ; after  a  week  at  Liverpool  I  needed  cheering  up  ( although  in  hindsight  I  had  picked  up  a  good  friend ) . I  got  the  cassette  version  because  it  had  two  extra  tracks.

Black  had  featured  on  the  night  time  shows  for  most  of  the  eighties  but  seemed  just  another  Liverpudlian  indie  outfit  in  thrall  to  Bowie  and  Scott  Walker  until  the  single  "Wonderful  Life"  came  out  in  the  latter  half  of  1986  and  tickled  the  lower  end  of  the  charts. This  got  Black ( now  revealed  as  essentially  a  nom  de  plume  for  singer-songwriter  Colin  Vearnacombe ) a  deal  with  A  & M  and  chart  success  ensued  the  following  year.

The  album  starts  brilliantly  with  the  re-recorded  version  of  "Wonderful  Life" . From  the  opening  with the  main  melody  line  picked  out  on  a  synth  you're  hooked. The  song  floats  over  a  lush  bed  of  synthesised  Carribbean  steel  drums  and  Sade-esque  percussion  with  Vearnacombe's  lugubrious  ( and  not  entirely  in  key ) vocals  and  bitter-sweet  lyrics  rubbing  against  the  gorgeous   melody  and  payoff  line. It's  up  there  with  anything  Morrissey's  written  about  failing  to  share  in  the  happiness  of  others  around  one. By  the  time  of  this  album's  release  it  had  acquired  a  new  political  context  in  the  wake  of  Thatcher's  third  election  victory ,  the  zenith  of  yuppiedom  - "you  know  it  seems  unfair there's  magic  everywhere". It  would  be  interesting  to  know  how  many times  this  song  got  played  at  dinner  parties  in  the  Docklands. Since  then  of  course  it's  been  used  in  numerous  advertising  campaigns  keeping  Vearnacombe  off  the  breadline  and  reminding  us of  one  of  the very  few  British  pop  classics  the  late  eighties  produced.

The  next  track  is  nearly  as  good.. "Everything's  Coming  Up  Roses"  was  actually  the  first  Black  single  on  A &  M  but  didn't  chart , radio  programmers  steering  clear  of  the  possible  political  connotations   of  the  title  with  a  General  Election  looming. The  only  real  rock  song  on  the  album  with  stabbing  guitar  licks  and  Jimmy  Sangster's  buzzing  bassline, it's  thematically  similar  to "Life"  with  Vearnacombe  ruefully  admitting  to  self-deception  - "  there's  a  kind  of  magic  to  be  had  from  your  lies". The  song construction  is  excellent  with  a  rising  swell  to  the  chorus  where  Vearnacombe  is  ably  abetted  by  The  Creamy  Whirls  duo  and  an  unexpected  lengthy  guitar  solo  before  the  final  chorus. Definitely  one  that  got  away.

Unfortunately  the  LP  can't  maintain  that  standard.  Sylvia  Patterson  in  Smash  Hits  nailed  it; much  of  the  album  " is  spiky, sparse, void  of  a  nice  tune  and  ruffled  by  flimsily  demented  backing  singers". "Sometimes  For  The  Asking"  ( actually  one  of  her  exceptions  along  with  the  preceding  tracks)  begins  well  with  an  utterly  misleading  descending  guitar  figure  before  settling  into  an  Everybody  Wants  To  Rule  The  World  loping  groove  which  goes  nowhere. The  first " chorus"  goes  by  unnoticed  and  Vearnacombe's  lyrics  are  vague  and  vacuous, faults  exacerbated  by  a  typically  80s  over-production, crashing  piano  chords  from  the  Anne  Dudley  manual, gospel-y  backing  vocals, a  mini sax break  and  some  fretless  bass  wobbling  before  the  pointlessly  sudden  ending.

"Finder"  again  promises  much  with  its  pleasant  keyboard  intro  but  the  main  part  of  the  song  is  set  to  a  lumpy,  dated  electrodance    rhythm  and  Vearnacombe  never  sounds  comfortable  in  the  setting. He  gets  off  one  or  two  good  lines  about  relationship  games  but  the  chorus  is  really  contrived  with  its  awkward  " finder/ find  her"   rhyme  and  he's  all  too  obviously  relying  on  the  girls  to  carry  the  melody.

"Paradise" , a  minor  hit  in  early  1988,  at  least  places  him  in  a  sympathetic  context  with  a  light  jazzy  backdrop  that  could  have  been  lifted  from  any  of  Bryan  Ferry's  post-Avalon  solo  albums. Unfortunately  Vearnacombe  can't  hold  a  tune  like  Bryan  and  warbles  off  key  throughout  the  song. The  Creamy  Whirls  try  hard  but  can't  quite  rescue  the optimistic  chorus   with  his  wordless  wail  accompanying  them.

The  side  concludes  with  one  of  the  cassette-only  tracks, the  ugly,  tuneless  "Sixteens"  which  plods  along  on  a  synth  rhythm  track  borrowed  from  Donna  Summer's  State  Of  Independence  with  Vearnacombe   manifestly  failing  to  inject  any  sex  into  the  vaguely  suggestive  lyric. Abrasive  guitar  blasts  only  compound  the  misery ; those  lucky  vinyl-buyers  weren't  missing  anything  here.

Side  Two  opens  with  "I'm  Not  Afraid" the  disastrous  choice  for  a  follow-up single to  "Wonderful  Life" . It  didn't even  make  the  Top  75  proving  that Vearnacombe  had  failed  to  seal  the  deal  with  the  public  despite  consecutive  top  tenners. It  isn't  difficult  to  pick  out  reasons  for  the  catastrophe. Instead  of  another  lush  romantic  ballad  his  audience  were  presented  with   brittle  white  funk  and  Vearnacombe , far  too  high  in  the  mix, wailing  tunelessly  about  the  experience  of  the  Southern  bluesman  ( including  the  mysterious  second  appearance  of  the  word  "pats" in  his  repertoire ). The  chorus  is  a  graceless  bludgeoning  chant  of  the  title . The  jazz  trumpet  solo  is  nifty  but  otherwise  the song  stands  as  one  of  the  great  commercial  mis-steps  of  the  decade.

" I  Just  Grew  Tired " isn't  as  painful  but  not  very  interesting  either. The  lyric  ventures  into  Morrissey  territory  with  hints  at  the  allure  of  suicide  - "And  dying's  easy ? I  think  I'll try  it  out  today" - but  the  woozy  backing  track  and  Vearnacombe's   ventures  into  falsetto  bring  to  mind  Paul  Young's  Wherever  I Lay  My  Hat. In  fact  there's  one  bit  of  scat  which  seems  like  a  direct  lift  from  that  1983  hit. The  suspicion  arises  that  some  of  these  songs  have  been  over-gestated  given  Black's   protracted  journey  towards  an  album-financing  deal.

"Blue"  begins  promisingly  with  an  inventive  and  naggingly  insistent  xylophone  riff  and  the  first  couple  of  lines  approximate  the  prowling  menace  of  Talk  Talk's  It's  You  but  the  chorus  is  drearily  anti-climactic  and  the  lyrics  deteriorate  into  vague  cliches  of  defiance - "hold  back  the  night, keep  me  up  from  the  fire". The  final  verse  throws  in  Antmusic  gutteral  exclamations  and  then  mariachi  trumpets  to  try  and  hide  the  evaporation  of the  song  but  it's  a  lost  cause.

"Ravel  In  The  Rain"  is  the  other  extra  track  and  was  the  B-side to  "Wonderful Life". It's  slow, sparse  and  jazzy  recounting  a  dream  about  meeting  the  French  composer  in  New  Orleans. It  sounds  like  a  David  Sylvian  track  with  an  inferior  vocal  and  isn't  my  cup  of  tea  but  it  has  aged  better  than  some  of  the  other  tracks.

"Just  Making  Memories"   is  the  pick  of  the  non-singles. It  has  some  of  the  drive of  ",,,Roses" and  a  reasonable  tune  but  the  lyric  is   unfocussed  and  clumsy. The  chorus  is  ordinary  notable  only  for  the  odd  similarity  of  the  Creamy  Whirls'   response  line  to  the  one  in  the  third  verse  of  ELO's  Livin'  Thing.

That  just  leaves  his  other,  near-eclipsed,  Top  10  hit   "Sweetest  Smile"  . A  highly  effective  mood  piece  rather  than  a  great  song , Vearnacombe's  lugubrious  vocal  for  once  works  with  the  music and  the  backing  vocalists  don't  need  to  be  so  intrusive. The  soft  pulse  of  the  stand-up  bass  ,  insinuating  clarinet   and  lush  synth  washes  again  recall  Bryan  Ferry  but  Vearnacombe  makes  it  his  own  particularly  with  that  famously  awful  line  about  melting  "the  pats  in  the  butter  dish".

And  then, in  more  than  one  way,  he's  gone. After  this  disappointment  Black  don't  reappear  in  this  tale. I've  never  felt  inclined  to  investigate  his  subsequent  albums  for  A  &  M  and  not  many  others  did  either. Without   radio  support  for  the  singles  ( Janice  Long's  departure  from  Radio  One  was  a  bg  blow)  which  thus  fell  short  of  the  Top  40, they  charted  in  low  positions  then  disappeared. Perhaps  looking  like  the  product  of  an  unholy  union  between  Rick  Astley  and  Billy  Bragg  didn't  help  his  cause  either. By  1993  he  was  recording  on  his  own  label. Kept  afloat  by  perennial  royalties  from  "Wonderful  Life"  he  remains  an  active  recording  artist  but  well  outside  the  mainstream.  Perhaps  he  deserved  better, two  great  songs  is  two  more  than  contemporaries  like  Climie  Fisher  and  Transvision  Vamp  managed   so  we'll  part  on  good  terms.

68 Music For The Masses - Depeche Mode

Purchased : 3rd  October  1987

Tracks : Never Let Me  Down Again / The  Things  You  Said / Strangelove / Sacred / Little 15 / Behind The  Wheel / I  Want  You  Now / To Have And To  Hold / Nothing / Pimpf

This  was  bought  on  a  Saturday, the  last  weekend  before  starting  the  4-month  Graduate  Conversion  Course  required  before  beginning  my  accounting  studies  proper. I  wasn't  looking  forward  to  it  to  say  the  least. Not  only  was it  going  to  be  intense  , covering  subjects  that  (with  the  partial  exception  of  Law)  I  had  no  real  interest  in  but  it  would  entail  a  wearying  daily  commute  to  Liverpool, not  my  favourite  city  by  any  means. I  did  have  the  option  of  staying  there  during  the  week but  that  was  even  less  appealing. So  I  had  something  of  a  condemned  man  feeling  that  weekend  and  was  hoping  the  'Mode  would  cheer  me  up.

This  was  Depeche  Mode's  sixth  album  and  a  pivotal  one  in  their  career, moving  them  into  a  different  league  in  terms  of  both  sales  and  critical  respect. However  I  agree  with  Tom  Ewing's  view  that  this  was when  their  output  started  to  decline. The  album  contains  probably  their  greatest  single  but  also  some  seriously  substandard  material  particularly  on  the  second  side.

It  begins  brilliantly  with  their  masterpiece  "Never  Let  Me  Down  Again"  ( which  rang  some  commercial  alarm  bells  by  peaking  at  21  as  a  single ) . The  rumbling  groove  and  stark  piano  owe  something  to  Talk Talk's  Life's  What  You  Make  It  but  this  is  the  superior  song. It's magnificent  in  its  ambiguity  with  Dave Gahan  singing  of  a  euphoric  journey - "never  want  to  come  down  never  want  to  put  my  feet  back  down  on  the  ground " - and  the  music  suggesting  it's  a  one-way  ticket  to  somewhere  very  nasty. Gore  throws  some  rock  guitar  into  the  mix  to  give  the  menace  added  muscle  and  the  whole  thing  builds  to  a  terrific  climax  with  Gore  singing  an  alternative  chorus  behind  Gahan's  despairing  pleas  and  Alan  Wilder's  Gothic  keyboard  chords.

There's  an  immediate  comedown  with  the  muted  "The  Things You  Said"  a  lament  for  betrayal  sung  plaintively  by  Gore  over  a  soft  synth  pulse  with  no  percussion  until  the  final  third  of  the  song. There's  a  typically  DM  simple  keyboard  melody  line  for  a  chorus  but  the  second  melody  line  is  a  bit  too  close  to  OMD's  Almost  for  comfort.

A  re-recorded  version  of  "Strangelove" , the  lead  single  comes  next. A  slower,  sparser  take  tied  to  a  remorseless  backbeat  it's  a  good  illustration  of  the  band's  desire  to  move  away  from  instantly  accessible  pop . The  song  remains  a  fairly  routine  Gore  confession  of  dark  sexual  intent, a  theme  pursued  to  wearisome  length  on  this  LP.

"Sacred"  equates  Love  and  God  beginning  with  some  medieval  chanting  behind  the  synth  drone. Gore's  lyric  avoids  the  gaucherie  that  marred  some  of  his  earlier   romatic  treatises  but  musically  it's  a  bit  too  similar  to  "Stories  Of  Old"  from  two  albums  back  and  for  the  first  time  the  band  sound  like  they're  treading  water.

"Little  15"  takes  a  step  nearer  the  paedophilic  cliff  edge  than  "A  Question  Of  Time"  from  the  previous  LP. This  time  Gore  uses  the  second  person   ( possibly  at  Gahan's  insistence )  to  deflect  the  inference. Whatever  the  intent  it  does  work  quite  well  as  a  piece  of  sinister  chamber-pop  with  Philip  Glass influences  and  nearly  made  the  charts  as  an  import  single  the  following  year.

Side  Two  begins  with  third  single  "Behind  The  Wheel" which  nods  to current  dance  trends  with  its  relentless  house  beat. The  song,  jointly  sung  by  Gahan  and  Gore  is  about  abject  surrender  - "Do  what  you  want  , I'm  going  cheap"  - to  another  "little  girl". Unfortunately  it  has  the  most  boring  melody  on  the  album, no  chorus  and  ironically, given  the  driving  metaphor  doesn't  really  go  anywhere.

"I  Want  You  Now"  is  better  making  good  use  of  looped  vocal  noises  (including  the  urgh-ahh  effect  suggestive  of  bonking  also  used  that  year  on  Fleetwood  Mac's  Big  Love )  to  create  a  suitably  Gothic  frame  for  Gore's  song  of  wanton  lust. Gore  takes  the  lead  vocal  on  this  slow  and  solemn  tune.

It  ends  with  a  spoken  passage  (in  German  I  think)  which  segues  straight  into  "To  Have  And  To  Hold" an  industrial  grind  again  without  much  of  a  tune  and  Gahan  going  as  low  as  he  can  to  deliver  another  self-abasing  lyric. With  its  protracted  intro  it  seems  to  end  before  it's  really  got  going.

And  then  they  pull  out  another  corker, "Nothing"  , probably  the  most  utterly  nihilistic  track  in  my  collection. A down  and  dirty  basline  kicks  it  off  before  Gahan's  suitably  enervated  vocal  comes  in  ; his  drawled  delivery  of  the  word  "Life"  at  the  beginning  of  the  second  verse  is  terrifying .  He  rouses  himself  for  the  pounding  chorus  ( a  trick  they've  used  before  on  "People  Are  People"  and  "New  Dress"  but  it works  again  here)  which  actually  compounds  the  misery  by  acknowledging  there's  nothing  new  to  say  about  the  human  condition. For  a  band  that  scored  its  first  hit  with  the  surging  optimism  of  "New  Life"  this  is  astounding  and  they  haven't  come  up  with  anything  better  since.

The  album  closes  with  the  Wagnerian  instrumental  "Pimpf"  ( a  German  word  meaning  young  acolyte) based  around  Alan  Wilder's  circular  piano  riff which  runs  throughout  the  song. It  builds  well  enough  with  the  entrance  of  gotterdammerung  chants  and  church  bells  but  they  don't  quite  pull  it  off.

As  hinted  at  earlier  this  disappointingly  patchy  album  proved  to  be  a  major  turning  point  in  their  fortunes. Although  it  seemed  to  herald  commercial  decline  in  the  UK  with  only  one  single  breaching  the  Top  20  and  the  album  quickly  departing  the  charts  it  maintained  their  upward  momentum  in  Europe   and  crucially  the  USA  where  their  1988  tour  crowned  their  adoption  by  the  nascent  alt.rock  culture. It  also  helped  that  Detroit's  hip  house  DJs  started  naming  them  as  a  major  influence. Their  next  LP  of  new  material  was  three  years  later  and  benefitted  from  the  break.

67 Japanese Whispers - The Cure

Purchased :  29  September  1987

Tracks :  Let's Go To Bed / The  Dream / Just  One  Kiss / The  Upstairs Room / The  Walk / Speak  My  Language / Lament / The  Lovecats

I'm  surprised  that  I  bought  another  LP  the  following  day  almost  as  if  I  was  trying  to  wash  away  the disappointment   of  Strangeways  Here  We  Come  with  an  album  of  more  certain  reward.

"Japanese  Whispers " was  a  stopgap  mini-LP  released  at  the  end  of  1983  to  collect  together  the three  singles  released  since  the  band's  challenging  last  album  "Pornography"  in  1982. Bassist  Simon  Gallup  had  left  the  group  ( temporarily  as  it  turned  out )  allowing  mainman  Robert  Smith  and  drummer  turned  keyboards  player  Lol  Tolhurst  to  pursue  a  more  pop  direction  like  so  many  of  their  peers  in  the  New  Pop  era. They  had  been  instantly  rewarded  with  a  real  commercial  breakthrough  and  this  record  neatly  captures  that  turning  point  in  the  group's  fortunes.

"Let's  Go  To  Bed" snuck  out  as  a  single  in  late  1982  and  came  as  a  considerable  surprise. Earlier  in  the  year  "Pornography"  had  been  an  album  of  unrelenting  morose  Goth- rock  heroically  out  of  step  with  the  times  and  with  Gallup  jumping  ship  it  had  been  widely  assumed  that  the  group  was  coming  to  an  end. Instead  Smith  and  Tolhurst  came  up  with  a  catchy  synth  pop  tune  that  sounded  like  no  one  else  due  to  its  complex  stop-start  bassline. Smith  has  subsequently  said  it  was  a sarcastic  comment  on  the  use  of  sexuality  to  sell  music ( making  Rihanna's  steal  of  the  keyboard  hook  for  her  S & M  single  highly  ironic )  but  to  me  it's  always  sounded  more  like  a  song  about  first  time  nervousness  and  one  remembers  that  Smith  and  his  wife's  relationship  goes  back  to  their  school  days. Despite  a  seemingly  irresistible  earworm  of  a  chorus and  a  reference  to  Christmas  in  the  second  verse  it  got  overlooked  in  the  December  rush  and  peaked  at  44.

"The  Dream"  was  originally  the  B-side  to  the  follow-up  single  which  we'll  come  to  shortly.  The  title  of  the  LP  seems  particularly  appropriate  to  this  track  as , Smith's  voice  apart , it  sounds  identical  to  Tin Drum-era  Japan  with  its  Oriental  keyboard  sounds  and  offbeat  rhythms.  The  lyrics  explore  similar  territory  to  the  previous  track  starting  out  with  images  of  childhood  innocence  then  getting  into  more  sexual  territory  as  the  song  progresses. What  it  doesn't  have  is  a  strong  melody  and  B-side  seems  about  right.

" Just  One  Kiss "  ( B  side  to  "Let's  Go  To  Bed" )  recycles  the  restless  clatter  of  "Pornography"'s  only  single  "The  Hanging  Garden"   ( itself  owing  much  to  Joy  Division's Atrocity  Exhibition )  but  whereas  that  was  a  defiantly  unmelodic  dirge  , here  we  have  a  beautifully  mournful  song , perefectly  delivered  by  Smith,   about  the  ephemeral  nature  of  nostalgia - "remember  the  sound  that  could  wake  the  dead  but  nobody  woke  up  at  all" . The  "haunting " keyboard  contributions  are  showing  their  age  a  bit  but  in  a  way  that's  thematically  appropriate.

"The  Upstairs  Room"  was  originally  on  the  12  inch  single  of  the  next  track  and  is  at  least  its  equal. Tethered  to  a  drum  machine  and  discreet bass synth  pulse  it's  an  appealing  mix  of  Japan-ish  keyboard  lines,  melodic  bass  runs  that  can't fail  to  suggest  Peter  Hook  and  economic  blasts  of  early  Banshees  guitar. The  song  concerns  Smith's  temporary  sojourn  in  Steve  Severin's  living  room  when  they  were  working  together on  The  Glove  project  and  seems  to  be  an  affectionate  but  mildly  reproachful  assurance  to  his  partner  Mary - "I  thought  you  would  know  that  I  always  sleep  alone".

Side  Two  commences  with  that  second "pop"  single "The  Walk"  which  finally  cracked  the  Top  20  for  them  in  July  1983. It  has  to  be  said  straightaway  that  there's  an  unmistakable  resemblance  to  Blue  Monday  in  the  pounding  bass  synth  and  frequent  percussive  breaks  but  the  topline  Oriental  melody  and  morbid  lyrics are  the  group's  own . There   are  hints  that  this  is  a murder  ballad  but  Smith  kept  it  vague  enough  for  radio  play  and  reaped  the  reward.

"Speak  My  Language " was  B-side  to  the third  and  biggest  hit  on  the  LP and  by  which  time  the  band  had  expanded  to  include  a  new  rhythm  section  of  bassist  Phil  Thornalley  and  drummer  Andy  Anderson. Smith's  desire  to  explore  different  musical  territory  is  immediately  obvious  on  this  loose , jazzy  track  with  Thornalley  playing  upright  bass  and  a  ragged  piano  picking  out  the  melody. However  Smith  doesn't  take  much  notice  of  the  tune  and  is  off-key  throughout  the  song; his  guitar  is  similarly  atonal  making  it  the  most  "difficult" track  on  the  LP. The  song  is  about  communication  failure  and  fittingly  the  chorus  is  a   babble  of  mumbles  before  the  title  plea.

"Lament" , another  track from  the  "The  Walk" 12  inch,  seems  to  have  been  inspired by  the  mysterious  death  of  corrupt  Italian  banker  Roberto  Calvi  in  London  the  previous  summer. Calvi  was  found  hanging  underneath  Blackfriars  Bridge   after  going  on  the  run  but  the  initial  verdict  of  suicide  has  been  widely  challenged. Smith's  sly  references  to  Catholicism  - "They  talked  of  how  they  loved  Our  Lady  and  oh  the  smell  as candles  die" - and  ice  cream  are  big  clues. It's  another  case  of  recycling  elements  from  "Pornography"  in  a  more  commercial  context , this  time  the  nagging  guitar  riff  from  "One  Hundred  Years"  ( the previous  album's  terminally  bleak  and  attritional  opening  track)  here  used  as  an  instrumental  chorus  between  Smith's  mournful  but  melodic  verses. The  synth  sounds  again  sound  a  bit  dated  but  it  remains  an  affecting  song.

Which  leaves  us  with  "The  Love  Cats"  which  took  them  into  the  Top  Ten  for  the  first  time  aided  by  a  Tim  Pope  video  which  fixed  Smith's  enduring  and  paradoxical  public  image  as  the  court  jester  of  Goth. It's  been  suggested  that  Smith's  inspiration  was  the  Australian  novel   The  Vivisector  by  Patrick  White  although  I  suspect  The  Aristocats  ( my  own  childhood  favourite film ) was  a  rather  bigger  influence  particularly  as  only  the  French  cat's  accordion  is  missing  from  the  alley  cats'  instrumental  line-up  here. That's  a  better  thought  to  dwell  on  than  the  unfortunate  association  the  lyrics  now  have  with  Galloway  and  Lenska.  It's  a  skilfully  executed  pastiche  particularly  the  milk  bottle  percussion  and  cat  crow  guitar  wails  but  I  can't  say  it's  one  of  my  favourites.

All  in  all  you  have  a  pretty  good  album ; indeed  some  fans  rate  it  their  best. Certainly  it's  the  most  accessible; on  all  their  subsequent  albums   ( some  of  which  we'll  be  covering ) Smith  would  aim  for  a  balance  between  pop  nuggets  and  less  easy  on  the  ear  material. I  prefer  one  of  its  predecessors  but  you'll  have  to  wait  a  bit  for  that  one.

66 Strangeways Here We Come - The Smiths

Purchased  :  28th  September 1987

Tracks : A  Rush  And  A  Push  And  The  Land  Is  Ours / I  Started  Something  I  Couldn't  Finish / Death  Of  A  Disco  Dancer / Girlfriend In A Coma / Stop Me  If  You  Think You've Heard This  One  Before / Last Night I  Dreamed  Somebody  Loved  Me / Unhappy  Birthday / Paint A  Vulgar Picture / Death At  One's  Elbow / I  Won't  Share  You

This  was  bought  as  soon  as  it  came  out  from  Woolworths'  in  Ashton-under-Lyne  on  a  Monday afternoon.

I  was  looking  forward  to  revisiting  this  one   because  it's  had  a  good  press  in  recent  years  whereas  I'd  always  assumed  my  disappointment  with  it  was  generally  shared.

Let's  get  the  history  right  first . This  is  The  Smiths'  final  original  studio  LP   but  it  wasn't  intended  as  such. Recording  it  was  not  a  particularly  painful  process; the  tensions  in  the  band  only  really  erupted  during  the  later  recording  sessions  for  the  B-sides  to  its  lead  single. It  was  intended  to  be  the   final  record  under  their  contract  with  Rough  Trade  with  the  band  having  signed  for EMI  earlier  in  the  year. It  wasn't  actually  released  until  after  the  band's  split  was  announced  with  Morrissey  abandoning  his  futile  attempt  to  keep  the  group  going  after  the  departure  of  Johnny  Marr. I  think  that's  unduly  influenced  people's ( including  my  own ) perceptions  of  it  ever  since.

My  expectations  of  it  had  been  lowered  by  the  sub-standard  singles  that  had  preceded  it  in  1987  although  their  singles  had  rarely  represented  the  best  of  their  work. The  prevalence  of  long  unwieldy  titles  was  another  danger  sign, "A  Rush  And  A  Push  And  The  Land  Is  Ours"  betrays  Morrissey's  Irish  roots, the  title   being  a  slightly  mistranslated  version  of  a  traditional  Gaelic  battle  cry. There's  no  political  content  in  the  song  which  is  delivered  by  the  ghost  of  a  young  suicide  victim who,  beyond  a  few  disconnected  musings  about  love, appears  to  have  no  real  message  for  the  living  ( by  coincidence, an  observation  you  could  also  make  about  the  ghost  in  a  Douglas  Coupland  novel  inspired  by  another  track  on  this  LP ) . By  this  time  Johnny  Marr  had  gone  on  record  as  being  disenchanted  with  his  guitar  hero status and  was  trying  to  broaden  out  The  Smiths ' sound  so  here  he's  replaced  the  guitar  with  music  hall  piano  and  glockenspiel. The result  is  that  bar  not  having  a  sax  solo  and  cockney-accented  vocal  it  sounds  like  the  also  recently deceased  Madness  which  probably  wasn't  the  intention.

With  "I  Started  Something  I  Couldn't  Finish"   it's  brass  that  infiltrates  the  sound  blaring  away  behind  Marr's  glam  rock  swagger  and  Mike  Joyce's  sledgehammer  snare. Morrissey  contributes  a  risky  lyric  seemingly  about  regretting  a  sexual  assault. Amusingly  this  was  thought  to  be  more  appropriate  to  be  a  second  single than  track  five  which  has a   throwaway  line  about  mass  murder  ( this  being  shortly  after  the  Hungerford  massacre ). The  whole  thing  anticipates  Suede  a  few  years  down  the  line  but  it's  melodically  weak  and  Morrissey's  vocal  is  over-mannered.

"Death  Of  A  Disco  Dancer" has  a  late  night  feel  with  Rourke's  prowling  bass  and  Marr's  echo-laden  guitar  ( suggestive  of  The  Edge). The  actual  song  is  rather  slight, possibly  about  a  suicide   before demolishing  the  hippie  ideal  with  the  subtlety  of  a  sledgehammer  - love peace  and  harmony  well  maybe  in  the  next  world ". It  makes  you  think  that  the  similarity  of  Marr's  main  riff  to  Dear  Prudence  is  deliberate. After  three  minutes  Morrissey  stops  singing  and  starts  some  atonal  piuano  plonking - his  one  and  only  instrumental  contribution  to  the  band's  music - heralding  a  lengthy  instrumental  coda  which  is  much  better  than  the  song  it' s  decorating ,  Joyce  brewing  up  a  storm  over  Marr's  corruscating  guitar  and  eerie  Farfisa .

The  lead  single  "Girlfriend  In  A  Coma"  follows . It's  an  interesting  combination  of  elements, a  propulsive  bassline , dainty  acoustic  guitar  and  heavy  ELO-strings  on    the  chorus. Inspired  by  the  cause  celebre  of  Karen  Ann  Quinlan  , the  first  great  right -to - die  test case  it  in  turn  led  to  Douglas  Coupland's  1997  novel  of  the  same  name  ( two  thirds  brilliant, last  third  terrible ). It's  Achilles  heel  is  its  brevity - just  over  two  minutes - which  makes  it  seem  glib  and  heartless.

"Stop  Me  If  You  Think  You've  Heard  This  One  Before " is  the  stand-out  track, the  only  one  that  really  measures  up  to  the  music  on  their  other  LPs. Despite  the  defensive  title  the  song  is  a  catalogue  of  physical  mishaps  incurred  in  pursuit  of  a  loved  one with  Morrissey   singing  in  his  most  plaintive  tones  and  Marr  consenting  to  play  the  guitar  hero  once  more. The  only  criticism  is  that  his  stinging  guitar  solo  at  the  end  is  too  short.

Side  One  is  patchy  but  the  second  side  is  simply  poor.  "Last  Night  I  Dreamed  Somebody  Loved  Me "  ( released  as  the  third  single )  begins  with  an  over-long  irrelevant  intro  setting  mob  screams  ( strangely  reminiscent  of  the  start  of  The  Plastic  Age  on  the  previous  entry )  against  doomy  grand piano  chords. It's  nearly  two  minutes  before  Morrissey  comes  in  accompanied  by  strings. The  song  isn't  strong  enough  to  support  all  this  melodrama, a  lachrymose  reiteration  of  the  themes  on  "How  Soon  Is  Now "   delivered  drowsily  by  Morrissey. There's  a  brief  spark  of  life  from  Marr's  guitar  towards  the  end  but  too  little  too  late.

"Unhappy  Birthday"  is  weaker  still  with  its  bluntly  spiteful  lyric. Marr  seems  content  to  just  strum  along  on  acoustic  with  only  an  occasional   background  sigh  from  his  electric. Rourke  does  his  best  to  move  things  along  with  a  cajoling  bassline  but it's  an  umemorable  song  to  say  the  least.

The  problematic  "Paint  A  Vulgar  Picture "  is  a  five-and-a-half  minute  diatribe  against  the  music  business  in  general  and  Geoff  Travis  and  Rough  Trade  in  particular. Marr  and  the  rhythm  boys  set  it  up  nicely  with  a  fine  tumbling  riff  over  which  Morrissey  sometimes  has  difficulty  cramming in  all  his  bilious  words.Nevertheless  there's  a  fine  instrumental  break  halfway  through  and  if  that  had  closed  the  song  it  would  be  a  good'un. Unfortunately  Morrissey  picks  up  his  rant  where  he  left  off  and  it  just  gets  boring. It  hasn't  aged  well  either  in  the  light  of  Morrissey's  collusion  with  EM|I's  constant  re-packaging  of  the  archive  since  the  group's  demise.

The  final  two  tracks  pass  by  in  a  blur of  disappointment. The  sound  effect  of  a  coffee  percolator  is  the  best  thing  about  "Death  At  One's  Elbow"  ( my  nomination  as  the  worst  song  in  the  group's  canon )  a  tuneless  rockabilly  thrash in  which  Morrissey  exhorts  someone  called  Glenn  not  to  go  in  a  house  or  face  being  murdered  with  an  axe. This  is  a  clear  reference  to  the  murder  of  Edward  Evans - yes  we  have  heard  this  one  before ! It's  less  than  two  minutes  long  but  still  outstays  its  welcome.

"I  Won't  Share  You "  is  also  forgettable, a  limp  acoustic  strum  on which  Joyce  is  absent  and  nobody  else  does  anything  interesting . It's  been  universally  assumed  to  refer  to  Marr's  desire  to  work  with  other  musicians  but  you'd  think  if  that  was  the  case  Morrissey  would  come  up  with  better  lyrics  than  "Life  tends  to  come  and  go , just  as  long  as  you  know." There  again  it  does  fade  out  just  as  it  seems  Marr's  about  to  begin  a  solo  so  there  may  be  some  truth  in  it. Whatever  it  sounds  unfinished  and  a  very  poor  note  on  which  to  make  your  exit  as  a  group.

Sharp-eyed  readers  will  have  realised  that  there  was  still  one  Smiths  LP  missing  from  my  collection  at  this  point  in  time  so  this  isn't  really  the  end  of  the  story  for  me.  Nevertheless  the  group's  relatively  sudden  exit  was  a  profound  shock  to  me  as  to  many  others  and  cast  a  long  shadow  over  the  British  music  scene  for  some  years  to  come. In  a  way  this  LP's  obvious  deficiencies  went  some  way  to  tempering  that  sense  of  loss; maybe  it  was  for  the  best  if  the  magic  had  gone ( something  I'd  bet  Noel  Gallagher  ruefully  ponders  from  time  to  time) .  I'm  not  revising  my  opinion  of  it   but  it's  a  chapter  in  one  of  music's  great  stories  and  so  will  endure  for  all  time.

65 The Age of Plastic - The Buggles

Purchased :  September  1987

Tracks : The  Plastic  Age / Video Killed The  Radio  Star / Kid  Dynamo / I  Love  You ( Miss  Robot ) / Clean Clean / Elstree / Astroboy / Johnny  On  The  Monorail

This  was  a  long-desired  item  from  the  heyday  of  the  Travelling  Society  and  was  conveniently  available  at  mid-price  as  part  of  Island's  25th  Birthday  celebrations. It  was  bought  in  Manchester  on  a  Saturday  morning. I  also  visited  the  North  West  Museum  of  Science  and  Industry  for  the  first  time  in  its  new  location  at  Castlefield  which  made  for  an  interesting  connection  as  this  album's  most  well-known  track  was  riding  high  in  the  singles  charts  when  I  last  visited  the  museum's   humbler  previous  home  on  Grosvenor  St  in  1979.

This  LP  was  released  in  February  1980  but  it  is  essentially  a  product  of  the  1970s,  the  decade  that  looked  both  forward  and  back, that  loved  Dad's  Army  and  American  Graffiti  but  also  thrilled  to  Star  Wars  and  the  potential  of  the  silicon  chip. These  two  musicians  from  the  backing  band  of  portly  disco  singer  Tina  Charles  refract  that  dichotomy  with  an  album  that  uses  state  of  the  art  studio  technology  on  songs  which,   even  when  set  in  the  future  , ache  with  nostalgia  and  loss.

"The  Plastic  Age "  ( their  second  and  final  Top  20  hit )  sets  out  the  stall  perfectly.  It  proclaims  the  shiny  and  new  but  the  observer  is  ageing  and  needs  surgery  both  medical  and  plastic. This  is  not  the  Ballardian  nightmare  of  Numan's  Replicas  but  our  own  world  where  human vulnerability  will  endure  whatever  delights  technology  has  in  store  for  us. Despite  that  it  begins  with  the  external  sounds  of  an  actual  nightmare, disturbed  sleep  cries  amid  bleeping  phones  before  the  srt  of  bass  synth  pulse  that  would  shortly  characterise  the  work  of  Midge  Ure's  Ultravox  leads  into  the  song  proper. Geoff  Downes's  keyboard  work  is  phenomenal,  finding  a  new  sound  to  match  every  twist  of  the  lyric , the  quizzical  phrase  before  the  pay-off  line  in  the  chorus  absolutely nailing  the  ambivalence  at  the  heart  of  the  song.

Then  we  have  the  big  hit. "Video  Killed  The  Radio  Star"  gave  Island  their  first  number  one  and  led  directly  to  ZTT  and  Mr  Carlin's  beloved  New  Pop  but  those  are  the  least  of  its  triumphs. It  predicted  the  future  for  music  for  the  next  three  decades  and  was  my  suggestion  for  greatest  number  one  when  The  Guardian  invited  nominations  in  the  nineties  ( as  their  man  picked  I  Just  Called  To  Say  I  Love  You  we  needn't  discuss  that  any  further) .  And  yet  it's  a  song  that  looks  back  not  forwards ; the  narrator   is  lamenting  the  eclipse  of  a  musician  from  his  1950s  childhood  listening  to  the  radio. I'm  reminded  of  Charlie  mourning  the  death  of  Mantovani  ( who  died  a  few  weeks  after  this  album's  release )  in  Tim  Lott's  Rumours  Of  A  Hurricane . The  music  again  is  fabulous  from  the  mock  classical  intro   with  Trevor  Horn's  sighing  bass   to  the  completely  unexpected  rock  guitar  break  that  heralds  the  final  chorus. The  bubblegum  female  vocals  would  be  irritating  on  a  lesser  song  but  this  is  an  undeniable  classic.

"Kid  Dynamo"  is  a  similar  tale, the  singer ( with  Horn  treating  his  vocal  to  sound  deeper )   recalling  the  exploits  of  his  youthful  role  model  now  working  in  the  mainstream. This  is  much  more  of  a  driving  rock  song  with  Horn's  guitar  racing  against  Downes's  keyboards  and  again  prefigures  Ultravox. Talking  of  which  there  is  some  disagreement  on  who  played  drums  on  this  album  a  man  called  Paul  Robinson  or  Warren  Cann. It  certainly  sounds  like  the  latter  on  this  track  at  least. The  quiet  bits  are  again  suffused  with  an  exquisite  melancholy  especially  the  spoken  bit   about  the  media  building  stars.

"I  Love  You ( Miss  Robot) "  is  rather  risque,  its  lyrics  recalling  Numan  or  even  the  lovably  daft  Automatic  Lover  ( a  hit  for  Dee  Dee  Jackson  some  18  months  earlier ) . It's  the  most  overtly  futuristic  track  with  its   mostly  vocodered  vocals  although  the  most  prominent  instrument  is  Horn's  steely  bass, its  metallic  tone  perfectly  in  sync  with  the  subject  matter. Again  the  tone  is  mourful  ; when  the  inevitable  question-  "Do  you  love  me ? " - is  posed  we  don't  need  to  hear  the  answer.

"Clean Clean" just  made  it  into  the  Top  40  as  the  album's  third  single. Apart  from  "Video"   it's  the  only  track  co-written  with  erstwhile  collaborator  Bruce  Woolley. An  ironic  look  at   warfare  it  would  make  the  perfect  soundtrack  for  NATO's  modern  "heroes" ,  wreaking  destruction  from  their  unreachable  cockpits  without  breaking  sweat. There  are  clues  to  later  hits  here, the  synth  rock  pulse  of  the  verses  suggests  the  thematically  similar  Dancing  With  Tears  In  My  Eyes  and  the  melodic  hook  in  the  chorus  calls  to  mind  Depeche  Mode's  A  Question  Of  Time .  It's  effective  but  lacks  the  melodic  warmth  and emotional  potency  of  the  better  tracks.

"Elstree"  is  perhaps  my  favourite. An  elegy  to  the  original  British  film  studios  from  a  former  employee  now  working  for  the  BBC  ( ironically  the  BBC  purchased the  studios  just  four  years  later ) it's  a  poignant  melody-fest  from  start  to  finish. The  lovely  instrumental  coda  has  the  best  sound  effect  in  my  collection  as  a  horse  gallops  from  one  speaker  to  the  other. As  a  late  fourth  single  released  when  they  were  already  part  of  Yes, it  isn't  that  surprising  that  it  stalled  in  the  50s but  a  shame  nonetheless.

Time  and  again  this  album  astonishes  with  its  prescience. The  mellow  and  wistful  "Astroboy"  could  be  written  today  about  teenage  screen  slaves  and  policing  by  CCTV. Horn  again  shows  what  an  under-rated  bassist  he  is from  the  foreboding  intro  onwards. He  also  slips  in  another  lament  for  the  golden  age  of  radio  -"Radio  stations  they  fade  as  in  dust, all  their  transmitters  are  crumbling  with  rust".

"Johnny  On  The  Monorail"  picks  up  on  the  period's  fascination  for  Japanese  technological  progress  with  a  hint  of  Ballardian  fetishism. This  lengthy  track  interweaves  dark  and  urgent  verses  with  a  breezy  chorus  restating  the   fear/hope   dichotomy  when  faced  with  the  future  theme  that  has  run  through  the  whole  LP.  The  acoustic  guitar   passage  before  the  final  chorus  captures  all  that  apprehension  that  something  valuable  will  be  lost  in  the  rush  to  leisured  nirvana  ( a  promise  yet  to  be  delivered  of  course).

The  final  irony  of  course  is  that  The  Buggles  as  a  band  didn't  reap  much  reward  from  the  new  musical  age  they  were  heralding. At  the  time  this  LP  was  only  a  moderate  commercial  success  and  received  mixed  reviews ; it   seemed  that  many  people  were  reluctant  to  see  them  as  anything  more  than  one  hit  wonders. Like  other  electronic  pioneers  of  the  time  ( New  Musik, M, John  Foxx ) they  were  unable  to  take  advantage  when  the  New  Romantic  scene  broke  big  just  a  year  later and  the  more  photogenic  likes  of  Spandau  Ballet  ( whom  Horn  had  to  rescue  when  their  singles  chart  positions  began  to  nosedive in 1982 )  came  to  the  fore.  It  probably  didn't  help  when  they  became  subsumed   in  Yes; the  contradictions  of  a  shiny  new  post-punk  outfit  helping  out  the  least  well-regarded  of  prog-rock  dinosaurs  are  obvious. Downes  bailed  out  early  on  their  second  LP  ( which  will  feature  here  but  you'll  have  to  be  patient ! )   and  it  was  completely  ignored  despite  Horn's   burgeoning  success  as  a  producer.  Nevertheless  this  LP's  critical  stock  has  risen  over  the  years  and  deservedly  so. We  all  share  the  same  mixture  of  hope  and  dread  at  what  lies  ahead  and  these  guys  articulated  better  than  most.