86 Radioactive - Various Artists

Purchased :  30  April  1988

Tracks : D.I.S.C.O ( Ottawan) / Amigo ( Black  Slate) / Johnny  And  Mary ( Robert  Palmer) / Trouble (Gillan) / I  Die  You  Die ( Gary  Numan ) / Misunderstanding ( Genesis) / If  It's  Alright  With  You  Baby ( Korgis) / The  Whisper  ( The  Selecter) / Dancin ' On A  Wire ( Surface  Noise ) / Metropolis ( Gibson  Brothers) / Feels  Like  I'm  In  Love  ( Kelly  Marie) / You're  Lying  ( Linx) / Use  It  Up  Wear  It  Out ( Odyssey) / Enola  Gay ( Orchestral Manoeuvres In  The  Dark ) / Lies  ( Manfred  Mann's  Earth  Band ) / Generals  And  Majors ( XTC ) / Paranoid ( Black  Sabbath) / Unlock  The  Funk ( Locksmith) / You  Gotta  Be  A  Hustler ( Sue  Wilkinson) / I  Think It's  Gonna  Rain ( UB40)

After  the  4 arrivals  from  Britannia  it  was  back  to  the  cassette  sale  at  Save  Records  in  Rochdale  for  what  was  very  much  a  follow-up  purchase  to  the  LP  covered  in  post  81. Again  it  was  bought  on  my  way  up  to  Spotland  for  a  coach  to  Scarborough  for  a  meaningless  end  of  season  fixture  which  only  appealed  because  it  was  our  first  visit  there , Scarborough  having  become  the  first  club  to  be  automatically  promoted  from  the  Vauxhall  Conference  the  previous  May. Coincidentally  I  had  acquired  a  giveaway  "Walkman"  from  my  mum's  catalogue  during  the  week  so  I  didn't  have  to  wait  till  getting  home  to  play  the  tape  much  to  my  seating  companion's  silent  but  obvious  irritation. There  are  no  good  memories  of  the day, the  ground  was  nowhere  near  the  beach   and  it  was  a wet  day  anyway, we  lost  2-1  to  an  average  side  and  the  machine  was  such  a  shoddy  pile  of  crud  the  batteries  were  exhausted  after  one  play. I  never  used  it  again  although  got  some  mileage  out  of  the  headphones.

There  was  another  problem  in  expecting  to  get  the  same  Proustian  rush  from  this  one  as  "Night  Moves". This  was  a  Ronco  compilation  ( I  remembered  the  ads  for  it on  TV)  of  songs  - not  all  hits  despite  the  promise  on  the  cover - from  the  second  half  of  1980. Now  1980  did ( and  does )  hold  some  treasured  memories  but  they're  interpolated  with  much  less  happy  events  that  cloud  the  picture  unlike  the  overwhelmingly  positive  1979 - the  final  disintegration of  a  valued  but  unsaveable  friendship, being  physically  attacked  after  attending  a  "gig" by  the  school  punk  band, two  family  traumas  that  marred  my  relationship  with  my  father  for  the  rest  of  his  life, the  twin  pressures  of  a  burgeoning  libido  and  the  looming  spectre  of  O  Level  exams the  next  year  and  a  stupid  practical  joke  that  undid  the  good  work  of  the  previous  three  years  among  my  adult  friends.

In addition  to  that  there  were, as  we'll  see,  some  tracks  on  "Radioactive"  that  I  absolutely  loathed,  nostalgia  notwithstanding. 1980  was  actually  a  great  year  in  music  which  started  with  the  2-Tone  scene  at  its  zenith  and  ended  with  the  New  Romantics  breaking  big  but  you  wouldn't  necessarily  pick  that  up  from  the  eclectic  selection  here. Despite  the  cover  and  the  "20 Electric  Hits" tagline  there's  actually  very  little  synthy  stuff  here. It's  actually  skewed  towards  dance  music  and  there  is  a  good  reason  for  that. In June  1980  a  Musician's  Union  strike  took  Top Of  The  Pops  off  the  air  for  ten weeks. As  a  by-product  the charts  filled  up  with  dance  records  which  were  less  reliant  on  TV  exposure  ( The Modettes, Janis  Ian  and  Bill  Nelson  were  the  most  notable  victims of  the  blackout ).

The  LP  gets  off  to  a  wretched  start  with  Ottawan's  excrutiating  Euro-pap "D.I.S.C.O." , the  year's  Y Viva  Espana  bought  by  the  chavs  getting  off  the  planes  from  Majorca. Only  The  Police  and  then  Barbara  Streisand  kept  it  off  the  top  spot. Ottawan  were  a  French  Boney  M,  a  black  male/female  duo  fronting  the  work  of  two  white  thirtysomething  producers  ( one  of   them  the  father  of  one  of  Daft  Punk )  attended  by  the  usual  accusations that  the  young  performers  weren't  actually  on  the  record.  The  nationality  of  the  writers  is  the  only  possible  excuse  for  the  terrible  back  of  a  fag  packet  lyrics  but  given  that  the  number  one  spot  had  only  recently  been  vacated  by  Bjorn  Ulvaes's  crowning  glory  The  Winner  Takes  It  All  it's  a  pretty  feeble  one. The  panpipes  added  to  presumably  give  it  a  touch  of  class  make  it  worse. Ottawan  returned  the  following  year  with  the  near-identical  "Hands  Up" making  number  3   then  mercifully  left  us  alone.

We  had  an  even  briefer  acquaintance  with  Black  Slate,  a  mainly  British  reggae  outfit  who  normally  made  a  living  as  a  backing  band  for  hire  to  visting  Jamaican  stars  such  as  Ken  Boothe  and  Dennis  Brown. In  1980  they  were  signed  up  in  their  own  right  by  Ensign  Records  and  reached  number  9  with  the  amicable  "Amigo"  ( clearly  pronounced  as  Ohmigo  by  the  singer ). It's  a  very  simple  statement  of  Rastafarian  faith , that  Jah  will  right  the  wrongs  one  has  suffered  on  earth  set  to  a  lilting  tune, totally  in  thrall  to  Marley  but  impossible  to  dislike. As  with  so  many  reggae  artists  who  had  a  hit  in  the  70s  and  80s,  the  follow-up  ( the  possibly  superior  "Boom Boom" )  failed  to  make  the  Top  40  and  their  association  with  Ensign  lasted  barely  a  year.

Then  we  have  an  all-time  classic. "Johnny  And  Mary"  poses  two  questions  immediately. How  could  this  stall  at  number  44  despite  considerable  radio  support  ( which  continues  to  this  day) ? And  how  could  its  writer  churn  out  such  unloveable  dross  in  the  second  half  of  the  decade ?  It  was  the  lead  off  single  from  Palmer's  sixth  album  "Clues"  and  its  electronic  sound  was  influenced  by  the  recent  success  of  Gary  Numan. Numan  however  could  never  have  written  the  gorgeous  aching  melody or  gradually  built  the  song  up  from  the  brutalist  sequencer  at  the  beginning  to  the  glorious  over-lapping  keyboard  melodies  at  the  end. The  lyric  is  a  startlingly  mature  look  at  a  relationship  where  the  woman  has  started to  realise  she's  hooked  up  to  a  man  who'll  never  achieve  his  unrealistic  dreams  sung  by  Palmer  with  amazing  worldweary  restraint, none  of  the  gimmicky  ocatave-leaping  of  the  likes  of  "Some  Guys  Have  All  The  Luck"  ( an  extremely  poor  cousin  which  nevertheless  cracked  the  Top  20  for  him  18  months  later ).  I  seem  to  recall  reading  a  suggestion  that  it  was  inspired  by  Hitler's  relationship  with  Eva  Braun  of  all  things.  It  has  been  the  victim  of  numerous  pisspoor  covers  over  the  years  but  Palmer's  version  remains  inviolate.

One  of  the  less  well-remembered  features  of  the  1980  charts  is  how  many  heavy  rock/metal  acts  started  having  hit  singles  whether  from  the  so-called  New  Wave  of  British  Heavy  Metal (c/o  Sounds  magazine )  such  as  Saxon  and  Iron  Maiden   or  older  troopers  like  Judas  Priest  and  the  Deep  Purple  diaspora. From  the  latter  came  Gillan,  less  than  modestly  named  after  their  ex-Purple  frontman. He  hadn't  enjoyed  much  success  for  a  number  of  years after  quitting  Purple  either  in  music  or  business  but  things  started  looking  up  in  1979  when  his  new  band  signed  for  Virgin  and  their  second  album  "Glory  Road"  yielded  a  number  14  hit  with  a  cover  of  the  Elvis  Presley   song   "Trouble". I'm  not  sure  what  additions  Gillan  made  in  order  to  add  his  name  to  those  of  Leiber  and  Stoller  as  a  co-composer.  It's  a  raucous  version with  Bernie  Torme's  guitar  channelling  something  of  the  spirit  of  punk to  go  with  the  song's  Brando-esque  anti-social  swagger  and  future  soundtrack  ace Colin  Towns  making  his  presence  felt  on  the  keys. It  was  the  first  and  biggest  of  a  modest  string  of  hits  for  Gillan  over  the  next  two  years  while  the  singer  picked  up  some  media  work  through  being  well-spoken  and  articulate. The  band  came  to  a  sudden  end  in  1983  when  Gillan  accepted  an  invitation  to  join  Black  Sabbath  as  lead  singer,  still a  running  sore   to  his  ex-band  mates  ( two  of  whom , Torme  and  gargantuan  bald  bassist  John  McCoy ,  played  the  pub  across  the  road  from  me  last  year ).

Having  already  mentioned  him  above  Gary  Numan  pops  up  next  with  his  fifth  Top  10 hit,  "I  Die  You  Die" , a  less   interesting  song  than  its  nihilistic  title  would  suggest.  It's  actually  a  whiney  protest  at  his  treatment  by  the  music  press  (shades  of  Stereophonics's  Mr  Writer ) with  hints  at  retribution - "Now  I  have  your  names".  The  extended  intro  sets  it  up  well  with  Dennis  Haines's  florid  piano  contrasting  with  Numan's  abrasive  guitar  but  the  song  proper  is  dull , the  music  sounding  suspiciously  like  "Cars"  speeded  up  a  bit  with  a  very  pedestrian  drum  machine. In  chart  terms  it's  significant  for  setting  the  pattern  that  persisted  for  the  rest  of  his  career,  of  coming  in  high  then  dropping  quickly  out  of  sight,  and  would  extend  to  virtually  every  established  artist  by  the  end  of  the  decade. The  days  of  kids  going  into  Woolworth's  and  spending  their  pocket  money  on  a  semi-random  selection  of  what  was  in  the  charts  ( so  that  once  you  were  in  the  Top  40  you  generally  stayed  there  for  a  few  weeks  )  were  numbered. 

Genesis  follow  with  "Misunderstanding ", the  third  single  from  their  "Duke"  album  which  stalled  at  42  so  I  was  actually  hearing  it  for  the  first  time  in  '88. It's  a  Phil  Collins  solo  composition   and  pretty  recognisable  as  such. Originally  destined  for  "Face  Value"  it  covers  the  same  territory  of  infidelity  and  betrayal  with  the  added  twist  that  the  girl  is  so  wrapped  up  with  the  other  guy  she  stands  poor  Phil  up  without  bothering  to  excuse  herself.  Based  around  a  simple repeating five  note  piano  riff  the  song  is  punchy, plaintive  and  economical  , one  of  their  best  in  fact  so  its  relative  failure  is  puzzling. It  gets  a  sarky  thumbs-up  from  Patrick  Bateman  in American  Psycho  but  Ellis  is  being  a  bit  harsh on  this  one.

Another  surprising  failure   ( and  a  new  listen  for  me ) was   The  Korgis's "If  It's  Alright  With  You  Baby"  which  couldn't  get  any  further  than  56  despite  following  on  from  the  Top  5  hit  "Everybody's  Got  To  Learn  Sometimes"  a  stonewall  classic  that  might  have  gone  all  the  way  with  Top  Of  The  Pops  exposure.  Ironically  The  Korgis were  a  duo  arising  from  the  demise  of  prog-rockers  Stackridge  who  were  often  compared  to  Gabriel-era  Genesis  in  their  day.  As  The  Korgis  they  specialised  in  lushly-textured  synth  ballads  with  ultra-saccharin  vocals  by  James  Warren  ( anticipating  Scritti  Politti )  and  the  song  here  sticks  to  the  template.  Warren  is  pleading  to  be  taken  on  by  a  girl  who's  been  hurt  by  her  ex  amid  rich  harmonies  and  all  the  melody  you  could  ask  for  but  to  no  avail. A  short,  weaselly-looking  thirtysomething,   Warren  was  never  going  to  be  a  star  in  the  eighties  but  they  remain  an  under-rated  band.

The  end  of  the  halcyon  days  for  Two  Tone  is  marked  by  the  inclusion  of  "The  Whisper"  the  fourth  and  final  hit  for  the  much-maligned  The  Selecter   which  stalled at  36 . In  the  nineties  it  seemed  like  every  time  someone  wanted  to  knock  No  Doubt  they'd  mention  The  Selecter  as  a  by-word  for  second-rate  ska. The  group  were  the  brainchild  of  Neol  Davies  a friend  of  Jerry  Dammers  who  wanted  his  own  band  rather  than  join  The  Specials  but  they  were  doomed  never  to  escape  from  the  shadow of  the latter  band. The  idea  of  Pauline  Black  , a  black  female  lead   vocalist  who  wouldn't  allow  her  sexuality  to  be  exploited  was  great  but  foundered  on  the  fact  she  was  a  useless  singer. Nor  was  Davies  much  cop  as  a  songwriter  and  both  failings  are  evident  on  "The  Whisper" . Like  its  three  predecessors  it's  a  choppy  ska  romp  held  together  by the  organ  of  Desmond  Brown  with  a  chanted  chorus   affecting  nonchalance  at  the  prospect  of  being  dumped  on  which  Black  approaches  Toyah-esque  distance  from  any  recognisable  key. It's  not  surprising  the  public  lost  interest  and  Brown  and  bass  player  Charley  Anderson  quit  after  this  single  becalming  the  band. Black  made  a  better  fist  of  things  as  an  actress  for  a  time  but  for  the  last  20  years  has  been  mainly  reliant  on  performing  as  The  Selecter  sometimes  in  conjunction  with  Davies  but  latterly  in  competition  with  him.

I  can't  think  of  too much  to  write  about  "Dancing  On  A  Wire" , a  mainly  instrumental  jazz-funk  romp  that  got  to  number  59  from  an act  that  don't  currently  have  a  wikipedia  entry. Surface  Noise  seems  to  have  been  a  nom de  plume  for  Chris  Palmer  who  ran  a  specialist  record  shop  in  Soho. I've  no  idea  who  made  up  the  band  but  he  gives  them  all  a  chance  to  shine  with  solos  for  the  saxophonist , percussionist  and  synth  player. It  would  have  been  better  as  a  100%  instrumental  because  the  lyrics  of  the  periodically  repeated  verse  rhyming  wire  with  -you  guessed  it- desire  and  fire  are  terrible.

The  first  side  ends  with  a   non-hit  from  a  band  who  seem  to  have  been  completely  erased  from  history. "Metropolis"  brought  a  sudden  end  to  a  run  of  four  top  20  hits  from  Martinique's  The  Gibson  Brothers. Being  on  Chris  Blackwell's  Island  should  have  ensured  them  some  kudos  but  they  were  also   attached  to  the  Vangarde-Klucher  partnership  responsible  for  Ottawan and  that  was  fatal  to  their  credibility. There  was  however  no  doubt  about   Alex  Gibson's  ownership  of  the  remarkable  bone-shaking  bass  voice  on  all  their  records  and  he's  in  fine  form  here  warning  of  technological  dystopia  ( presumably  inspired  by  the  Fritz  Lang  film  of  the  same  name ). Musically  the  Latin-tinged  disco  of  their  hits  is  swapped  for  a  piano-based  glam  rock  stomp  with  echoes  of  Lieutenant  Pigeon. That  it  didn't  work  commercially  is  stating  the  obvious  and  save  for  a  minor  hit in  83  the  group  fell  right  off  the  radar  but  it's  still  worth  a  listen.

The  second  side  also  gets  off  to  a  downer  with  the  dismal  "Feels  Like  I'm  In  Love"  which  got  all  the  way  to  the  top  in  September.  Its  singer  Kelly  Marie  had  achieved  some  success  on  the  Continent  after a  winning  run  on  Opportunity  Knocks  earned  her  a  recording  contract  in 1976.  This  discofied  cover  of  a  Mungo  Jerry  B-side  was  a  sleeper  hit getting  a  toehold  on  the  charts  through  strong  sales  in  her  native  Scotland  and  then  taking  off. Everything  about  it  is  ugly  from  the  dated  Moroder-esque synth  track, repeating  the  Anita  Ward  trick  of  using  electronic  percussion  noises  as  a  hook  to  Marie's  piercing  holler  of  a  voice. Her  own  appearances, big  of  bone  and  nose  in  a  variety  of  horrible  jumpsuits  and  trying  not  to  bump  into  the  prancing  gaylords  beside  her  added  to  the  pain. We  can  only  be  grateful  that  her  days  in  the  sun  were  brief  and  though  she  was  clearly  spiritual  godmother  to  Sonia  and  The  Reynolds  Girls, SAW  didn't  try  to  revive  her  fortunes.

Next  we're  reminded  that  before  his  makeover  into  a  Michael  Jackson  wannabe  responsible  for  some  of  the  most  boring  singles  of  the  eighties  and  long  before  his  ghastly  wife  appeared  on  our  TV  screens,  David  Grant  was  once  part  of  a  decent  group. Linx  seemed  to  be  on  a  mission  to  prove  that  British  funk  and  intelligent  songwriting  could  go  together  and  though  "You're  Lying"  isn't  their  best  song  it  got  the  ball  rolling  for  them  by  reaching  number  15. Musically  it  doesn't  stray  too  far  from  Chic  particularly  Peter  "Sketch" Martin's  nimble  bassline  but  the  stinging  lyric about  deception  and  betrayal  ( which could  be  in  a  romantic  or  business  context )   and  complex  call-and-response  vocal  arrangement  make  it  interesting.

The  other  number  one  on  the  LP  is  Odyssey's  "Use  It  Up  Wear  It  Out"  which  displaced  ELO's  (with  Olivia Newton-John)  "Xanadu"  in  July , a   strange  coincidence  since  both  singles  are  a  case  of  the  artist's  only  chart  topper  coming  with  their  worst  record. Odyssey  were  a   U.S. vocal  trio  comprising  the  Lopez  sisters  and  a  regularly  substituted male  accomplice. They  were  dependent  on  external  songwriters  but  usually  made  good  choices  so  I  don't  know  what  went  wrong  here. The  lyric  is  a  compilation  of  all  the  worst  disco  cliches  - "shake  your  body  down" "do  it  all  night  long"  etc ( the  very  stuff  Linx  were  trying  to  get  away  from )  set  to  a  bubbling  salsa  percussion  track  with  annoying  whistles  and  even  more  aggravating  weedy  synth  solo. I  hated  it  then  and  still  do  now.

"Enola  Gay"  of  course  we've  covered  before  right  back  in  post  2, in  fact  it  was  the  first  song  I  wrote  about  on  this  blog  so  we  move  straight  on  to  the  non-hit  "Lies"  by  Manfred  Mann's  Earth  Band.  Despite  three  big  hits  in  the  seventies  the  band  couldn't  get  arrested  in  the  following  decade  with  TV, radio  and  the  music  press  completely  ignoring  them.  The  song  , unsubtly  subtitled "Through The  Eighties",  came  from  thunderingly  obscure   ( then  as  now )  British  bluesman  Denny  Newman   and  is  a  rather  clumsy  future  shock  warning  along  the  lines  of  In  The  Year  2525  with  direct  quotes  from Big  Yellow  Taxi  and  My  Generation. The  music  is  full  on  prog-rock  with  multiple  mazy  synth  lines  going  off  in  all  directions. Despite  a good  vocal  from  Chris  Thompson  it's  not  a  comfortable  listen.

"Generals  And  Majors"  is  another  song  we  covered  way  back  so  it's  on  to  "Paranoid"   re-released  on  its  tenth  anniversary  and  a  hit  all  over  again  although  peaking   ten  places  lower  at  number  14.  Although  often  regarded  as  the  ultimate  headbangers  anthem  it's  thoroughly  untypical  of  metal, as  ferocious  and  economical  as  any  any  punk  single  and  sporting  a  lyric  as  dark  and  desperate  as  Joy  Division  albeit  couched  in  the  terms of  a  working  class  Brummie  rather  than  an  arty  Mancunian  desk  jockey. I  wouldn't  imagine  it  was  the  cheapest  track  to  licence  so  its  appearance  here is  doubly  odd.


A  stylistic  swerve  takes  us  to  the  heavy  funk  of  Locksmith's  "Unlock  The  Funk"  which  just  missed  out  on  the  Top  40 . Locksmith  were  a  US  outfit  under  the  wings  of  jazz  drummer  Harvey  Mason  who'd  worked  with  Herbie  Hancock  and  was  similarly  interested in  branching  out  into  funk. Both  the  music  and  lyrics  are  heavily  influenced  by  Parliament  and  with  little  melody  in  the   track  it's  not  of  much  interest  to  me.


The  penultimate  track  is  a  curiosity. Sue  Wilkinson's  "You  Gotta  Be  A  Hustler"  was  performed, written  and  published  by  the  young  lady  and  sounds  like  it  was  recorded  at  home. Any  admiration  for  her  apparent self-sufficiency   is  tempered  by  the  fact  that  Slade  were  heavily  involved.  It  was  released  on  Chas  Chandler's  Cheapskate  label  and  Don  Powell  played  the  minimal  percussion  on  the  track. The  song  is  best  described  as  an  anti-feminist  anthem  advising  women  to  sleep  around  to  advance  delivered  in  appropriately  breathy  tones. It  reached  number  25  on  the  back  of  considerable  support  from  Radio  One's  neanderthals  Travis  and  Burnett. I  actually  bought  it  as  a  Christmas  present  for  my  friend  Michael, the  hint  of  naughtiness  ( it  was  originally  titled  "You  Gotta  Be  A  Scrubber" )   being  enough  to  interest  15-year old  boys  but  it  sounds  pretty  terrible  now. Sue  of  course  joined  her  soulmates  Joy  Sarney  and  Mer  Wilson  in  One  Hit  Wonderdom. I  recall  a  news  story  not  long  after  where  she  had  to  fly  over  to  Spain  following  her  brother's  untimely  death  there  but  can't  recall  any  further  details. She  went  on  to  work  in  TV  production  and  apparently  died  of  cancer  in  2005.

The  closing  track  is  UB40's  dreary  version  of  Randy  Newman's  "I  Think  It's  Going  To  Rain  Today"  a  double  A-side  with  "My  Way  Of  Thinking" ( which  got  the  radio  play )  for  their  second  single  which  peaked  at  number  6.  You  could  say  it's  a  song  that  suits  a  doleful  treatment  but  it's  still  uninspired  and  Brian  Travers's  sax  seems  anxious  to  return  to  "Food For  Thought". It's  most  significant  for  being  the  harbinger  of  what  was  to  come  from  one  of  1980's  most  exciting  new  bands.

The  album's  variable  quality  was  reflected  in  its  disappointing  chart  performance , peaking  at  number  13  and  quickly  disappearing. It's  a  compilation  of  highs  and  lows  which  sort  of  sums  up  1980  itself  for  me.

85 Suzanne Vega - Suzanne Vega

Purchased  :  April  1988

Tracks :  Cracking / Freeze  Tag / Marlene  On  The  Wall / Small  Blue  Thing / Straight  Lines / Undertow / Some  Journey / The  Queen And The  Soldier / Knight  Moves / Neighbourhood  Girls

This  was  the  first  of  the  regular  purchases  I  had  to  make  from  Britannia  - was  it  3  or  6  a  year  ?  I  can't  now  remember.

Suzanne  emerged  from  the  Greenwich  Village  folk  scene  with  this  debut  LP  in  1985  and  found  seemingly  instant  fame  particularly  in  this  country   where  she  was  regarded  as  single-handedly  resurrecting  the  acoustic  singer-songwriter  tradition  of  James  Taylor  and  his  ilk. Of  course  we  already  had  Billy  Bragg  but he  was  too  political  and  his  singing  voice too  unmellifluous  to  really  qualify. Suzanne  never  welcomed  this  idea , looking  acutely  uncomfortable  when  Terry  Wogan  crassly  put  it  to  her  -  why  was  he  so  bad  on  TV ? - on  his  chat  show  but  it  undoubtedly  won  her  a  lot  of  attention  in  the  middle  of  the decade  and  propelled  this  LP  into  the  album  charts  before  any  of  her  singles  had  become  hits.

For  a  start  there  are  no  wholly  acoustic  tracks  on  this  LP . There's  quite  a  large  supporting  cast, the  production  isn't  exactly  minimalist  and  most  of  the  tracks  feature  some  synthesiser  work. On  the  other  hand  Suzanne  did  write  and  play  acoustic  gutar  on  each  track.  Suzanne  said  her  inspiration  for  the  songs  came  partly  from  personal  experience , partly  from  observation  of  others  and  partly  from  her  imagination. Her  voice  is  attractive  but  limited, occasionally  impassioned  but  usually  diffident  and  sometimes  arch  ( when  she  sounds  very  like  Laurie  Anderson ) .

Suzanne's  lyrics  are  not  always  easy  to  interpret. I  reckon  I've  got  about  half  of  the  songs  pinned  down but  I  could  be  miles  off  on  all  of  them. The  opening  track  "Cracking" where  Suzanne  mainly  speaks  the  lyric  in  a  carefully  neutral  tone  seems  to  be about  emerging  from  a  failed  relationship   into  the  cold  day  of  renewed  singlehood. There  are  plenty  of  icy  metaphors  and  the  whole  first  side  has  something  of  the  chill  of  the  New  York  winter  about  it.  Like  the  majority  of  the  tracks  here  there  are  no  drums  but  Suzanne  and  her  guitar  are  accompanied  by  Paul  Dugan's  understated  bass, a  simple  counter-melody  on  synth  and  the  odd  electric  guitar  chord  from  Jon  Gordon.

"Freeze  Tag"  links  both  the  preceding  track  with a  continuation  of  the  winter  theme  and  the  one  that  follows  with  the  line  "I  will  be  Dietrich"  and  seems  to  be  about  the  uncertainty  of  whether  to  commit  to  a new  relationship  or  stay  in  playful  mode.  The  music  reflects  this  with  Vega  and  Frank  Christian's  guitars  circling  each  other  almost  stumbling  at  times  while  Dugan's  barely-there  vertical  bass  holds  the  ring.

Then  the  decision  is  made  with  "Marlene  On  The  Wall", the  album's  hit  single  ( at  the  second  time  of  asking  in  April  1986 ) a  self-conscious  farewell  to  the  single  life  signified  by  the  picture  of  Marlene  Dietrich  on  the  wall. I'm  still  a  bit  dubious  about  songwriters ( going  back  to  Kim  Carnes  I  guess )  using  classic  film  stars  as  metaphors  or  even  adjectives  but  this  is  one  of  the  more  palatable examples. Here  the  rhythm  section of  Sue  Evans  on  drums  and  Frank  Gravis  on  bass  first  appear  to  give  the  track  more  muscle  and  Jon  Gordon  is  allowed  a  brief  electric  solo  in  the  middle  eight. The  lyric  has  a  fair  amount  of  sexual  inuendo  - "don't  give  away  the  goods  too  soon", "she  records  the  rise  and  fall"   but  there  are  also  disturbing  hints  of  violence  "the  fingerprints  on  me  from  you"  that  anticipate  Tori  Amos.

They  also  lead  onto  "Small  Blue  Thing"  the  second , less  succesful  single  which  I  actually  prefer. A  self-effacing  confession  of   vulnerability sung  with  icy  clarity  it  seemed  the  perfect  soundtrack  for  the  unusually  harsh  winter  of  1986  but  that  wasn't  enough  to  get  it  into  the  Top  40. The  music  is  generally  quiet ( though  punctuated  with  sudden  loud  chords )  but  full  of  foreboding  particularly  in  the  chorus  where  Evans's  percussion chops  in  like  threatening  footsteps.

Then  Suzanne  abruptly  toughens  up  and  switches  to  third  person  narrative  with  "Straight  Lines"  the  nearest  thing  to  an  upbeat  rock  track  on  the  LP.   It's  the  story  of  a  woman  giving  up  on  the  frustrated  dreams  of  youth  and  embracing  reality  by  the  symbolic  act  of  cutting  her  hair. The  music  switches  between  relatively  in-your-face  verses  with  the  full  rhythm  section  and  a  harsher  tone  both  in  Vega's  voice  and  her  stark  three-note  riff  and  softer  synth-led  chorus.

Side  Two  is  more  diffuse, the  songs  more  self-contained. "Undertow"  has  the  largest  cast  on  the  album  with  violin  and  cello  added  to  give  the  chorus  an  extra  emotional  swell. It's  a  complex  song  with  Suzanne  reverting  to  first  person  and  confessing  to  over-posssessiveness, masochism  and  anorexia  in  the  course  of  the  lyric. The  statement  line  "I  am  friend  to  the  undertow" is  open  to  a  number  of  interpretaions  but  may  reflect  her  desire  to  be  perceived  as  an  outsider , a  stance  taken  much  more  overtly  on  the  standalone  single  "Left  Of  Centre"  that  followed  this  LP  and  perhaps  necessary  for  an  artist  that  straddled  the  line  between  the  Smiths-loving  student  audience  and  the  yuppie  crowd. I  imagine  the  whole  song  to  be  addressed  to  a  new  lover  giving  them  a  "warts  and  all " picture  as  a  test.

"Some  Journey"  could  have  come  from  the  pen  of  Donna  Tartt's  Richard  Papen  with  his  "fatal  longing  for  the  picturesque  at  all  costs". It's  about  rejecting  or  at  least  feeling  disappointed  with  the  safe  prosaic  boy  next  door  and  longing  for  the  wisp  of  exotic  romance - the  "eastbound  train", the  "lady  fair  all  dressed  in  lace". The  music  is  suitably  restless  with  Jon  Gordon's  rhythm  guitar  scratching  away  beneath  the  surface  sheen  of  Mark  Isham's  synth  work. The  song  closes  with  a  coda  provided  by  Darol  Anger's  electric  violin  which  immediately  suggests  The  Waterboys.

"The  Queen  And  The  Soldier"  is  the  longest  track  but  one  of  the  more  disappointing. It's  an  extended  fairy  tale  metaphor  for  a  battle  of  wills in  a  relationship  that  suggests  a  familiarity  with  the  works  of  Leonard  Cohen. It's  noteworthy  that  Suzanne's  male  soldier  is  brave  and  stoic  while  the  queen  is  capricious  and  immature  but  otherwise  it  doesn't  have  anything  really  interesting  to  say. Suzanne's  guitar  is  abetted  by  Steve  Addabo's  12-string  and  C P  Roth's  organ  and  piano  to  fill  out  the  sound  but  it's  just  a  bit  too  long  and  there's  no  chorus.

"Knight  Moves"  is  another  challenging  song  to  interpret  although  Suzanne  has  said  that  the  title  refers  to  a  male  acquaintance  whose  life  progressed  in  the  non-linear  fashion  of  the  knight  on  a  chess  board, the  jerky  rhythm  of  the  verses  reinforcing  this  idea. The  bulk  of  the  lyric seems  to  be about  a   sudden  discovery  that  she's  not  the  only  woman  in  her  lover's  life  and  the  delivery  switches  between  anger  and  sorrow. The  last  verse is  pretty  incomprehensible  but  doesn't  spoil  the  song.

That  just  leaves  "Neighbourhood  Girls"  which  has  an  atypical  jazzy  feel  and  slide  guitar  from  Frank  Christian  suggestive  of  Steely  Dan.  The  lyric  recited  in  Laurie  Anderson  fashion   initially  suggests  it's  about  prostitution  but  later  verses  suggests  it's  more  about  the  sort  of  restless  bohemian  who  has  to  leave   their  neighbourhood  to  find  themselves  with  Suzanne  as  fascinated  observer  regretting  the  departure. It's  not  my  cup  of  tea  musically  but  rounds  the  album  off  on  an  interesting  note.

We'll  be  meeting  Suzanne  again  but  for  now  this  was  a  very  assured  and  still  impressive  debut. 

84 Every Breath You Take The Singles - The Police

Purchased  :  April  1988

Tracks :  Roxanne / Can't  Stand  Losing  You / Message  In  A  Bottle / Walking  On  The  Moon / Don't  Stand  So  Close  To  Me  86  /  De  Doo  Doo  Doo  De  Da  Da  Da  / Every  Little  Thing  She  Does  Is  Magic  / Invisible  Sun  / Spirits  In  The  Material  World / Every  Breath  You  Take  / King  Of  Pain / Wrapped  Around  Your  Finger

This  was  the  third  album  bought  in  Britannia's  introductory  offer.

I  had  been  waiting  for  a  Police  compilation  for  some  time  before  this  came  out  in  1986. They  always  had  a  reputation  for  putting  out  dodgy  albums  half  comprised  of  dross  written  by  either  of  Andy  Summers  or  Stewart  Copeland  and  when  I  borrowed  a  tape  of  "Regatta  De  Blanc"  during  my  university  days  I  heard  it  for  myself. So  a  compilation  of  their  mostly  excellent  singles  was  irresistible.

This  was  put  out  when  the  band  were  on  their  last  legs. After  completing  promotional  duties  for  his  decent  but  not  as  successful  as  expected  solo  LP  The  Dream  Of  The  Blue  Turtles  Sting  reunited  with  the  other  guys. The  original  idea  was  to  re-record  all  their  old  hits  but  after  subjecting  "Don't  Stand  So  Close  To  Me"  to  this  treatment  the  idea  was  thankfully  abandoned   and  the  other  songs  left  as  they  were. Without  formally  confirming  their  dissolution  the  band  then  went  their  seperate  ways  for  the  next  20  years.

The album is arranged in rough chronological order i.e the singles released from their last two LPs have been shuffled slightly but don't overlap. For capacity reasons "Fall Out" , "So Lonely", "Bed's Too Big Without You" and "Synchronicity II" are omitted. However having 6 songs on each side still means that the sound is compressed - this is one of those LPs that you're always having to turn up.

I've  always  been  rather  dismayed  by  the  visceral  hatred  some  hold  for  the  band  ; this  re-surfaced  when  the  band's  number  ones  were  discussed  on  Popular. Taking  their  cue  from  Peelie  ( did  he  ever  explain  his  dislike of  the  group ? )  their  detractors  see  them  as  the  "anti-punks", the  great  betrayers  of  the  New  Wave  who  took  the  sound  of  the  underground  back  into  the  stadiums  and  the  Billboard  charts. Their  ages  ( especially  Summers ) , musicianship  and  the  Copelands'  CIA  connections  are  also  held  against  them.

If  you've  read  some  of  the  earlier  posts  you  will  have  noted  that  1979  was  a  special  time  for  me  so  it  would  be  hard  to  improve  on  the  opening  quartet  of  tracks  which  were  all  hits  that  year  ( although  the  first  two  were  re-releases  from  1978).

The  album  naturally  starts  with  "Roxanne"  their  breakthrough  hit  in  May  1979  after  a  string  of  flops. I  must  confess  to  not  quite  getting  it  at  the  time  but  it  sounds  pretty  classic  now. All  the  trademarks  of  their  early  sound  are  in  place , the  sparse  staccato  guitar  jabs, simple  bass  lines,  off-centre  drumming  somewhere  between  reggae  and  rock ,  that  instantly  recognisable  rasping  yowl  of  a  voice , the  odd  glitch  left  in and  acres  of  space  emphasised  by  the  tango  rhythm  with  its  dramatic  pauses. The  song  is  a  plea  from  a  lovesick  man  to  a  prostitute  to  give  up  and  settle  down  with  him. It  was  apparently  inspired  by  the  whores  around  the  band's  hotel  when  they  played  Paris  but  it's  notable  that  fellow  Geordies  Mark  Knopfler  and  Neil  Tennant  have  also  written  songs  about  the  oldest  profession.  The  revved up  chorus  owes  something  to  punk  but  it's  the  stark  minimalist  verses  that  make  the  song.

It  was  the  second  re-release  from  their  "Outlandos  D'Amour"  LP, "I  Can't  Stand  Losing  You" that  established  them  as  a  major  chart  force  by  peaking  at  number  two  in  July.  The  song  is  written from  the  point  of  view  of  a  loser  trying  the  ultimate  emotional  blackmail on  his  ex  by  threatening  suicide. I  thought  it  was  the  most  exciting  record  I'd  heard  in  years with  the  taut  verses  leading  to  a  chorus  which  if  anything  notches  the  tension  up  even  higher. The  production  is  razor-sharp  and  Summers  switches  between  skank  and  power-chording  until  the  last  verse  when  he  drops  out  altogether  to  be  replaced  by  a  single  ominous  synth  chord.

It  was  then  a  near-formality  that  their  first  "new" single  of  the  year  would  get  to  number  one  in  September, a  strong  contender  for  my  favourite  number  one  of  all  time. "Message  In  A  Bottle"  brings  back  fond  memories  of  amusingly  earnest  playground  discussions  about  whether  they  were  punk  or  mod  ( Sting's  appearance  in  the  then-current  Quadrophenia  muddied  the  water  on  this  point  )  among  the  badge-sporting  brigade. The  song  uses  an  extended  shipwreck  metaphor  to  describe  the  pain  of  loneliness  and  the  revelation  of  the  third  verse  that  there  are  millions  of  other  sufferers  predicates  the  growth  in  single-person households  in  the  decades  to  follow. Summers  drops  the  skanking  for  ringing  arpeggios to  produce  that  killer  tumbling  riff  that  introduces  the  song  and  then  augments  the  chilling  "Sending  out  an  S.O.S."  mantra  at  the  end  with  brief  but  lyrical  soloing.

The  follow-up,  "Walking  On  The  Moon" in  December  also  got  to  number  one,  albeit briefly  before  it was  knocked  aside  by  Another  Brick  In  The  Wall.  It's  their  most  overtly  reggae  single  and  even 30+  years  on  seems  a  weird  song  to  top  the  charts  with  its  airy  sparseness , a  drum  track  consisting  almost  entirely  of  hi-hat  and  the  song's  dissolution  into  an  echo-laden  mantra  for  the  last  minute. Perhaps  mindful  that  the  public  would  only  accept  so  many  songs  about  loneliness  and  desperation  from  one  of  the  world's  best  looking  men, Sting  writes  a  happy  song  about  the  sensation  of  weightlessness  experienced  in  young  love  with  a  chorus  ( sung  in  a  dodgy  Jamaican  accent )  celebrating  irresponsibility.  While  not  being  my  favourite  single  of  theirs  it  stands  alongside  anything  from  Unknown  Pleasures  as  illustrating  the  post-punk  experimentation  of  the  time.

The  reverie  is  then  rudely  interrupted  by  the  arrival  of  "Don't  Stand  So  Close To  Me  86"  their  re-recording  of  their  biggest  hit about  a  teacher's  affair  with  a  schoolgirl  from  the  summer  of  1980. After  the  previous  track  it's  a  really  unwelcome  jolt  to  hear  the  fruit  of  the  band's  collaboration  with  the  king  of  80s  over-production  Laurie  Latham. The  original  sinister  synth  intro  is  discarded  in  favour  of  a  grinding  guitar sounding  like  The  Pyschedelic  Furs  before  a  brief  interlude  with  ticking  clock  that  sounds  suspiciously  like  Sting's  solo  hit  Russians  and  then  the  song  finally  begins. Despite  the  slowed-down  tempo and  heartbreakingly  pedestrian  drum  track  ( Copeland  disowned  the  record  almost  immediately  after  release )  the  verses  survive  relatively  unscathed  but  the  chorus is  absolutely  butchered. It  sounds  like  there  was  a  deliberate  intention  to  drain  every  last  vestige  of  melody  and  the  result  is  excrutiating. Oh  and  that  awful  line  about  Nabokov  remains,  indeed  emphasised  by  the  insertion  of  the  word  "famous"

The  original  song  was the  lead  single  for  the  third  album  "Zenyatta  Mondatta"  a  painfully  flimsy  collection  ( I'm  looking  forward  to  it  cropping  up  on  Then  Play  Long )  which  illustrates  the  point  that  bands  tend  to  produce  their  poorest  work  when  at  the  peak  of  their  fame  (see  also  Prince  Charming , Monster, Stay  On  These  Roads,  Seven  And  The Ragged  Tiger , Be  Here  Now ).  The  second  single  from  it  was  the  much-derided "De  Do  Do  De  Da Da  Da", in  truth  a  fairly  thoughtful  song  about  the  power  of  words  with  the  chorus  as  antidote  but  the  message  didn't  get  through.  It  didn't  help  that  the  music  seemed  lightweight  too, its  mid-tempo  chug disappointing  despite  some  nice  clipped  rhythm  guitar  from  Summers.The  single  also  clipped  their  commercial  wings  to  some  extent  by  failing  to  get  past  number  five  in  the  Christmas  chart.


Side  Two  has  three  tracks  each  from  their  latter  two  LPs  but  not  quite  in  release  order.  "Every  Little  Thing  She  Does  Is  Magic"  their  fourth  and  probably  least-remembered  number  one  was  the  second  single  released  from  "Ghost  In  The  Machine " in  October  1981. The  album  saw  a  considerable  broadening  out  of  the  sound  with  much  more  keyboard  evident  to  the  distress  of  Summers . The  single  was  actually  an  old  song  re-worked  and  its  romantic  nature  is  at  odds  with  the  political  and  philosophical  concerns  of  the  rest  of  that  LP . It's  about  a  man  hankering  after  a  girl  who  he  feels  is  out  of  his  league. It  follows  a  familiar  template  of  broody  verses  breaking  into  an  expansive  chorus  this  time  a  calypso  perhaps  influenced  by  being  recorded  in  Montserrat. It's  a  decent  song  but  there's  an  air  of  forced  jollity  about  it  strengthened  by  the  knowledge  that  the  synth  and  piano  parts  by  Jean  Roussell  were  added  to  the  track  despite  opposition  from  Summers  and  Copeland.

The  first  single  from  the  LP  in  the  UK  was  "Invisible  Sun"  in  September  1981  which  did  direct  battle  with  Sting's  successor  as  teen  pin-up  Adam  Ant's  Prince  Charming  and  lost,  in  part  due  to  a  BBC  ban  on  its  video  for  incorporating  footage  of  the  Northern  Ireland Troubles  a  topic  never  more  sensitive  than  in  1981  following  the  death  of  Bobby  Sands  MP.
The  song's  lyrics  contain  no  geographical  or  historical  reference  to  Ulster  but  its  pondering   of  what  enables  people  to  carry  on  living  in  hopelessly  bleak  environments  was  obviously  applicable  there.  It's  actually  one  of  their  best  singles  with  a  superb  production from  the  band  and  Hugh  Padgham  setting  a  dehumanised  droning  Sting  vocal  against  an  industrial  throbbing  synthesiser. Summers  is  appeased  by  being  allowed   to  lay  down  some  coruscating  guitar  solos  after  the  second   chorus  and  at  song's  end.

The  third  single  ( released  in  December  before " ...Magic"  had  left  the  charts )  was  "Spirits  In  The  Material  World"  an under-rated  song  which  for  me  captures  what  was  a  bleak  time  both  personally  and  politically. My  last  remaining  close  friend  had  just  abruptly  terminated  our  connection  ( see  the  1982  posts  for  more  details )  leaving  a  void  which  has  perhaps  never  been  fully  filled  and  I  felt  something  like  a  ghost   forced  to  live  on  in  a  world  which  no  longer  seemed  to  have  a  place  for  me. Sting  was  actually  influenced  by  the  rather  pessimistic  philosophy  of  Arthur  Koestler  that  destructive  tendencies  in  the  brain  could  not  be  overcome  though  the  chorus  at  least  seems  to  be  a   defiant  rejection  of  this  idea. The  arrangement  is  very  complex  and  saw  huge  disagreement  between  Summers  and  Sting  with  the  latter  seemingly  wanting  to  erase  his  bandmate  from  the  track  altogether  by over-dubbing  his  guitar  parts  with  synth. Sting  also  plays  the  sax  on  this  ska-influenced  track. Excepting  the  limited  edition  "Six  Pack"  which  was  allowed  to  chart  in  1980  and  the  re-release  of  debut  thrash  "Fall  Out"  it  was  the  first  Police  single  to  fall  short  of  the  Top  10  since  "Roxanne"  but  the  compressed  release  schedule  was  probably  to  blame.

There  was  a  performance  of  "Spirits ..."  for  Swap  Shop  - I  don't  think  it's  on  youtube  yet -  which  captured  the  spirit  of  the  band  at  the  time. Only  Copeland  made  any  attempt  to  disguise  the  miming; Summers  strummed  the  synth  parts  on  what  looked  like  a  toy  gutar  while  Sting  stood  stock  still  at  the  mike  without  touching  the  bass  slung  round  his  shoulders.  It  began  to  look  unlikely  that  they  would  make  another  album  together  as  Sting  pursued  his  acting  career  and  the  other  two  began  more  leftfield  musical  projects  but  they  duly  regrouped  for  the  "Synchronicity"  album   in  1983  and  that  provides  the  final  three  tracks  here.

Summers  seemed  to  have  beaten  back  the  advance  of  the  synths  and  "Every  Breath  You  Take"  is  based  on  his  riff  with  strings  and  piano  discreetly  filling  in  the  spaces. As  usual  with  such  megahits  I'm  not  going  to  waste  much  time  on  trying  to  dissect  it. . As  has  been  well  established  it's  a  sinister  song  about  obsession  and  stalking  rather  than  the  love  song  its  dimmer  champions  take  it  to  be  and  provided  the  group  with  their  last  valedictory  number  one  in  May  1983.

"King  Of  Pain"  the  fourth  release  from  the  LP  was  the  last  hit  of  the  group's  original  lifespan  reaching  number  17  in  January  1984. Its  release  was  probably  an  A &  M  decision  as  no  video  was  made  for  it.  It's  a  curiously  unsatisfying  song  with  a  very  bleak  lyric  stringing  together  disturbing  images  from  legend  and  the  natural  world  and  an  interesting  arrangement  with  Copeland's  marimba  and  Summers  convincing  impersonation  of  The  Edge.
It  should  be  a  classic  but  it  isn't  and  I  think  it's  the  weak  chorus  that  lets  it  down.   

The  LP  concludes  with  the  mellow  but  haunting  tones  of  "Wrapped  Around  Your  Finger"   a  dense  allegorical  song  about  a  relationship  where  the  balance  of  power  eventually  shifts  illustrated  by  the  gradual  rise  in  tempo  in  the  last  verse  and  the  inversion  to "  You'll    be  wrapped  around  my  finger " in  the  ensuing  chorus. Summers  again  seems  to  have  been  relegated to  a  bit  part  with  Sting's  keyboards  playing  the  main  riffs.  Released  just  after  I  left  school  in  1983  it  reached  number  7 its  sales  perhaps  depressed  by  the  album's  recent  release.

This  compilation  itself  reached  number  one  suggesting  that  other  people  had  been  biding  their  time  for  it  as  well . It  could  have  been  a  bit  better  but  remains  a  fitting  epitaph  to  a  great  group.