76 Flaunt The Imperfection - China Crisis

Purchased  :  1  January  1988

Tracks :  The  Highest  High /  Strength Of  Character / You Did Cut Me / Black  Man  Ray / Wall Of  God / Gift  Of  Freedom / King In A Catholic Style / Bigger The  Punch I'm Feeling / The  World Spins, I'm Part Of  It / Blue  Sea

I  can't  now  recall  why  I  was  paying  another  visit  to  Manchester  over  the  Christmas  period  but  this  LP  was  the  result  of  it. We're  now  into  1988  a  year  which  saw  my  record  collection  starting  to  grow  at  a  pace  which  didn't  really  let  up  for  a  decade. Increased  affluence  obviously  played  a  part  and  two  new  sources  of  supply  emerged  although  another  which  has  featured  prominently in  this  story  up  to  now  came  to  an  end  in  this  year.

"Flaunt  The  Imperfection"  was  China  Crisis's  third  album  released  in  1985  and  represents  the  commercial  peak  of  their  career  ( although  they  are  still  going ) , the  only  one  of  their  albums  to  breach  the  Top Ten  and  produce  two  Top  20  singles. Much  of  the  increased  attention  given  to  this  album  was  down  to  their  choice  of  producer , Steely  Dan's  Walter  Becker. Even  in  1985  it  was  still  surprising  that  a  band  that  arose  from  Liverpool's  post-punk  independent  scene  would  choose  to  work  with  someone  whose  band , for  all  their  satirical  intent , were  often  cited  as  the  epitome  of  that  mid-70s  muso  torpor  that  punk  was  supposed  to  supplant . Of  course  China  Crisis  were  never  the  most  radical  of  bands  ( my  indie-loving  friends  refused  to  be  interested  in  them )  with  their  mid-paced  tempos  and  breezy  melodies  so  the  link  up  was  less  incongruous  than  it  first  appeared. Becker  was  listed  on  the  sleeve  as  a  band  member  on  synthesisers  and  percussion  but  it  is  doubtful  he  saw  this  as  anything  more  than  a  tribute  to  his  contribution  for  he  never  toured  with  the  band  ( they  found  it  difficult  to  reproduce  these  songs  on  stage )  and  made  no  contribution  to  the  next  album  in  any  capacity. One  other  thing  to  note  is  that  Gary  Johnson  their  bassist  was  now  listed  as  a  co-writer  on  all  tracks.

The  album  starts  with  "The  Highest  High"  , the  fourth  single  release  which  failed  to  chart  in  October  1985. It's  a  tribute  to  their  home  town  of  Kirkby, their  In  My  Life  if  you  like.  There  are  references  to  their  alma  mater  St  Kevin's  and  famous  son  John  Conteh  although  the  line  "Phil, the  captain of  the cause"  is  incongrouous   as  it  presumably  refers  to  contemporary Liverpool  captain  Phil  Neal  who  wasn't  born  anywhere  near  the  Mersey.   The  track  begins  with  a  dainty  Oriental  keyboard  melody  before  Johnson's  bass  starts  buzzing  around  the  verse. Gary  Daly's  vocal  which  see-saws  into  falsetto  and  back,  owes  something  to  Curt  Smith  on  Tears  For  Fears's  Change . It's  a  bright  opener  but  there's  a  certain  forced  air  about  the  jaunty  chorus.

"Strength  Of  Character "  is  more  typical  of  the  LP  as  a  whole  with  Becker's  bright  and  brash  production  rubbing  against  the  melancholic  melodies. The  song  seems  to  be  self-motivational  - "Live  a newer  lifestyle  and  travel  everywhere"  - but  Daly  could  hardly  sound  more  doleful  at  the  prospect. The  fuller  sound  on  this  LP  is  exemplified  by  the  lengthy  sax  break  in  the  middle  ( there  are  three  credited  saxophone  players )  and  session  singer  Ginny  Clee  is  a  good  foil  for  Daly  on  the  chorus.

"You  Did  Cut  Me"  delivers  more  of  the  same  with  Roddy  Lorimer's  mournful  flugelhorn  giving  the  song  a  gravitas  that  the  rather  trite  rhymes  don't  really  deserve. Pink  Floyd  sideman  Tim  Renwick  introduces  the  guitar  solo  to  their  music  in  the  middle  eight. It  was  the  third  single  from  the  LP  but  fell  short  of  the  Top  40  despite  Virgin's  attractive  doublepack  offer  ( which  I've  also  got ).

Next  up  is  "Black  Man  Ray"  the  first  single  and  one  of  their  biggest  hits. The  subject  of  some  tiresome  "is  it  racist ?"  speculation  elsewhere  on  the  net  it  is  apparently  about  the  avant-garde  artist,  photographer  and  libertarian  Man  Ray. Though  he  was  a  white  Jew  his  paintings,  such  as  The  Misunderstood  and  A  Night  At  St  Jean-de-luz ,  often  used  black  as  the  background  colour  hence , I'm  guessing, the  title.  Most  of  the  song  seems  to  be  warning  against  religious  fundamentalism  so  it's  possible  that  Man  Ray's  libertarian  views  were  what  attracted  the  tribute. Musically  it's  the  track  that  has  most  in  common  with  their  previous    work  with  Becker's  influence  least  apparent  on  its  synth-pop  sound.

"Wall  Of  God"  is  the  longest  track  and  densely  textured . Seemingly  about  drug  addiction  it's  synth-based  but  Johnson  and  drummer  Kevin  Wilkinson  give  it  a  real  rhythmic  kick  until  everything  slows  down  for  the  reflective  chorus. Nick  Magnus  is  credited  with  the  synth  solo  ( sounding  something  like  a  steel  guitar )  in  the  coda  and  Clee  makes  her  presence  felt  again.

Side  Two  begins  with  a  song  that's  even  better. Eddie  Lundon  takes  the  lead   vocal  on  "Gift  Of  Freedom"  and  his  clearer , less-mannered  delivery  is   a  good  fit  for  a  straightforward  celebration  of  liberty  although  characteristically  there's  doubt  in  the  chorus  line -  "And  will  this  whole  damn  world  fall  down  before  we  learn  to  share  what  we've  found". Musically  it's  the  perfect  match  between  the  two  aesthetics   with  an  irresistible   scratchy  guitar  hook  ( Lundon  again )  and  jazzy  brass  interludes  from  the  session  guys.

"King  In  A  Catholic  Style"  the  other  big  hit  on  the  LP  is  the  sort  of  spiky , funk-flecked  ditty  they  made  before  that  fell  short  of  the  charts  ( eg. "Hanna  Hanna")   but  Becker's  sheen  emphasising  the  omnipresent  synth  hook  and  Tim  Renwick's  AOR  guitar  solo  ensured  that  this  one  got  through.  The  lyric  could  be  about  Kennedy  but  the  band  always  chose  to  keep  their  politics  pretty  oblique.

From  this  point  on  the  album  does  lose  a  little  edge, the  remaining  three  tracks  being  eminently  listenable   but  relatively  bland ."Bigger  The  Punch  I'm  Feeling"  is  well-dressed  with  its  lush  synth  textures  and  Renwick's  little  flourishes  but  the  vaguely  accusatory  lyric  is  clumsy  - how  can  a  punch  be  sharp  ? -  and  the  chorus  is  weak.  "The  World  Spins, I'm  Part  Of  It  "  matches  a  lyric  of  slightly  confused  contentment  with  a  bright  synth  hook  and  Wilkinson's  punchy  drumming. "Blue  Sea"  the  closer  has  Lundon  on  vocals  again  and  anticipates  Enya,  setting  vague  nautical  metaphors  against  rather  obvious  but  still  effective  synth  washes.

It  is  an  impressively  coherent  album  and  probably  their  best  although  I  don't  pretend  to  great  familiarity  with  the  subsequent  three  as  their  commercial  fortunes  nosedived.

75 Hunting High And Low - A-ha

Purchased  : 29th December  1987

Tracks :  Take  On  Me / Train  Of  Thought / Hunting  High  And  Low / The  Blue  Sky / Living  A  Boy's  Adventure  Tale / The  Sun  Always  Shines  On  TV / And  You  Tell  Me / Love  Is  Reason / Dream  Myself  Alive / Here  I  Stand  And  Face  The  Rain

This  came  from  Littlewoods  in  Manchester  on  my  customary  post-Christmas  shopping  trip. It  is  actually  a  faulty  copy  as  the  label  is  for  Side  One  on both  sides  but  fortunately  the  music  isn't  affected  by  the  slip-up.

The  process  of  catching  up  on  the  albums  missed  during  my  financial  embarasment  now  resumed  with  A-ha's  debut , released  soon  after  "Take  On  Me"s  commercial  breakthrough in  late  1985  after  two  years  of  struggle. The  songs , mainly  solo  compositions  by  Pal  Waaktar  were  therefore  well-gestated. It  was  recorded  piecemeal in  England with  three  credited  producers , their  manager  ( and  sometime  Grange  Hill  actor )  John  Ratcliff,  New  Musik's  Tony  Mansfield  ( the  lion's  share of  the  LP )  and  Alan  Tarney , best  known  for  masterminding  Cliff  Richard's  resurgence  in  the  late  70s / early  80s.

"Take  On  Me"  starts  things  off  as  if  the  band  were  in  a  hurry  to  move  on  from  a  song  that  had  to  be  released  three  times. I'm  guessing  I  don't  have  to  describe  it  in  any  detail  as  it  has  become  their  signature  song  thanks  to  that  video. I  think  I  said  before  that  its  not  my  favourite  song. I  was   indifferent  to  it  as  a  single   ( perhaps  a  little  resentful  that  it  was  one  of  the  records  blocking  Red  Box's  Lean  On  Me  from reaching  number  one )  viewing  them  as  a  ( much )  prettier  version  of  Alphaville  and  whose  chart  career  would  be  of  similar  longevity.  I'm  fonder  of  it  now  and  enjoyed  a  bop  with  my  wife  to  it  in  Manchester  18  months  ago  when  it  was  the  inevitable  final  encore  on  their  farewell  tour. It's  just  that  its  untypical  in  its  reliance  on  blippety-blip  sequencers  and  euphoric  feel  ( although  the  lyrics are  not  as  optimistic  as  the  melody  would  suggest )  and  Tarney  only  really  painted  in  primary  colours.

"Train  Of  Thought"  was  an  odd  choice  for  third  single.  It  peaked  at  number  8  checking  their  initial  chart  blitzkreig  and  they  never  subsequently  went  higher  than  5 which  may  have  been  a  good  thing  in  the  long  run. Apparently  inspired  by  Waaktar's  recent  existential  reading  choices  it's  a  third  person  narrative  about  a  commuter  whose  mind  is  on  higher  things  than  his  daily  routine. Morten  Harket  shows  a  good  understanding  of  the  subject  matter  by  singing  the  lines  about  mundane  fixtures  like  the  crossword  (shades  of  Madness's Cardiac  Arrest )  in  a  low  register  then  soaring  effortlessly  into  a  shrieking  falsetto  when  the  subject's  mind  starts  to  roam. It's  a  startling  performance  which  should  have  made  his  reputation  as  one  of  pop's  greatest  vocalists  but  the  mid-tempo  song  with  its  lack  of  a  real  chorus  seemed  to  work  against  him.

The  title  track  followed  it  in  the  singles  chart  as  it  does  here  and  brings  back  memories  of  my  final  weeks  at  Leeds  University  when  anything  seemed  possible . It's  a  marvellously  constructed  song  building  from  a  simple  acoustic  strum  to  a  sweeping  orchestral  figure  and  beautifully  sung  by  Harket. The  lyric  concerns  both  the  hunt  for  the  perfect  girl  and  the  despair  of  losing  her  - Harket's  shriek  of  the  last  word  in "she's  got  to  go  away  "  is  terrifying.

"The  Blue  Sky"  returns  to  the  Europop  synth  template  with  a  juddering  bassline  running  through  the  song. The  lyrics  root  the  song  in  their  pre-fame  years,  Waaktar  confessing  to  homesickness  and  self-doubt  -"I'm  in  this  big  world  without  you,  nothing  to  my  name"  - as  he  sits  in  a  cafe. It's  a little  on  the  short  side  seeming  almost  a  prelude  to  the  song  that  follows.

"Living  A  Boy's  Adventure  Tale " is  perhaps  my  favourite  track. Harket  signals  his  intention  to  push  the  boat  out  on  this  one  with  an  arresting   falsetto  exclamation  right  at  the  start. Waaktar's  tale  of  loneliness  in  the  big  city  becomes  a  tour  de  force  with  Magne Furuholmen's  arrangement  setting  sweeping  string  synths  and  a  very  realistic  synthetic oboe  ( as  there's  no  player  credited  I  assume  its  Furuholmen  on  a  Fairlight )  against  an  uncompromising  beat  box. Then  you  have  the  Harket  vocal  leaping  octaves  without  a  pause  for  breath  to  deliver  a  chorus  that  thrills  the   more  each  time  it  comes  round ; the  last   minute  of  the  song  is  simply  celestial.

Side  Two  begins  with  their  only  UK  number  1, "The  Sun  Always  Shines  On  TV"    the  follow-up  to  "Take  On Me" ( which  always  reminds  me  oddly  of  Alvin Stardust's  Jealous  Mind  making  the  top  after  his  much more  celebrated  debut  hit   My Coo-Ca-Choo  stalled at  2 )   and  the  song  which  really  ignited  my  interest  in  the  band.  The  ironic  title  and  breezy  melody  of  the  chorus  belie  the  fact  that it's  about  Waktaar's   struggles  with  depression  - "there's  got  to  be  some  way  to  keep  my  troubles  distant" - which  made  it  the  perfect  chart-topper  for  an  unusually  harsh  January  in  1986. The  band  and  Tarney  pile  on  the  grand  piano ,  Waktaar's power  chords  and  layers  of  synth  to  produce  a  Gothic  epic  that's  not  a  million  miles  away  from  Ultravox  at  their  best.

It's  a  big  comedown  then  to  "And  You  Tell  Me"  a  short  twee  piece  of  chamber-pop  that  sounds  like  one  of  those  Martin Gore-sung  ballads  on  Depeche  Mode  albums  ( Any  Second  Now  from  the  first  LP  is  the  one  that  comes  to  mind ) .  By  far  the  weakest  track  its  brevity  is  a  blessing.

The  lightweight  "Love  Is  Reason"  (  which  was  released  as  a  single  in  some  countries )  is  a  Waktaar/ Furuholmen  composition  and  the  track  closest  in  feel  to  "Take  On  Me"  with  its  Europop  bounce  and  bubblegum  lyrics.  Harket's  heartfelt  vocal  makes  it  classier  than  the  song  really  deserves.

"Dream  Myself  Alive "  is  much  edgier  as  befits  another  song  about  anxiety  -"there's  something  dark  against  the  light" . New  Order-ish  restless  synths  buzz  around  Harket's  vocal  while  the  strange  chatter  in  the  middle  eight  and  fade-out  underlines  a  kinship  with  Dark  Side  Of  The  Moon.

That  just  leaves  "Here  I  Stand  And  Face  The  Rain"  a  needy  man's  plea  for  companionship   with  another  breathtaking  vocal  performance  by  Harket.  It's  a  well-constructed song  beginning  with  a  bit  of  plainchant  ( possibly  a  little  joke  at  Harket's  earlier  leanings  towards  the  priesthood ) before  a  limpid  acoustic  guitar  accompanies  the  singer's  effortless swoops  up  and  down the  scales. After  a  brief  pastoral  interlude  the  song  jerks  into  life  with  a  staccato synth  riff  on  the  first  verse leading  to  the  stately  chorus  suffused  with  the  melancholia  for  which  their  part  of  the  world  is  famed. The  last  minute  or  so  has  Harket  wordlessly  soaring  above  the  melody  line  like  some  great  bird  flying  high  over  the  fjords.

I  used  to  think  "Scoundrel  Days"  had  the  edge  over  this  one  but  now  I  think  I  lean  the  other  way. It's  an  excellent  debut  and  once  again  it's  a  great  shame  that  their  image  prevented  many  serious  music  fans  from  hearing  it.

74 More Specials - The Specials

Acquired :  25th  December  1987

Tracks :  Enjoy  Yourself / Man At C & A / Hey Little  Rich Girl / Do  Nothing / Pearl's Cafe / Sock It To 'Em JB / Stereotype / Holiday Fortnight / I  Can't  Stand It / International Jet Set / Enjoy  Yourself  (Reprise)

Another  perennial  on  the  Christmas / birthday  list  and  another  LP  from  the  latter  half  of  1980.
If  Ultravox  seemed  out  of  their  time  in  1987  the  age  of  2-Tone  was  back  in  pre-history. None  of  its  bands  were  still  together  ( though  contemporaries  UB40 were  still  going  strong )  and  in  a  year  dominated  by  back  catalogue  releases  on  CD  and  an  absolute  dearth  of  new  talent , the  ideals  of  Jerry  Dammers  and  co were  a  distant  memory. 

This  second  LP  ( we  haven't  covered  the  first  because  it  was  Helen's  and  just  a  month  before  this  arrived  we  lent  it  to  Sean  who  still  hasn't  returned  it ! )  isn't  as  well-regarded  as  their  spiky, cover-heavy  debut. Although  both  a   critical  and  commercial  success  at  the  time    it's  largely  overlooked  now.  That's  partly  down  to  the  band  members' own  reluctance  to  revisit  what  was  clearly  an  unhappy  time  with  fissures  opening  up  everywhere  particularly  between  Roddy  "Radiation"  Byers  and  Dammers  over  the  band's  musical  direction. Less  than  a  year  later  they  were  no  more  and  haven't  fully  reunited  since.  Dammers  largely  won  this  round  and  it's  his  interest  in  lounge  music  styles that  dominates  the  LP  which  was  recorded  in  painstaking  fashion  by  producer  Dave  Jordan  in  contrast  to  Elvis  Costello's  minimalist  approach  ( with  the  band  playing  live  in  the  studio )  on  the  debut. This  also  allowed  for  an  expanded  cast  list. Horn  players  Rico  Rodriguez  and  Dick  Cuthell  were  more  or  less  permanent  members  by  this  time  but  also  featured  are  Dammers's  girlfiend  Rhoda  Dakar  ( whose  own  band  The  Bodysnatchers  were  on  the  rocks )  and  Charlotte Caffey, Jane  Wiedlin  and  Belinda  Carlisle  of  The  Go-Gos.

How  appropriate  then  to  start  with  a  cover  of  "Enjoy  Yourself",   a  1940s  swing  tune  written by Carl  Sigman  and  Herb  Magdison  although  Prince  Buster's  1960s  rendition  is  the  relevant  precedent  here.  Although  played  with  great  gusto,  Terry  Hall  immediately  subverts the  lyric  with  a  witheringly  sarcastic  introduction  followed  by  an  arch  vocal  on  the  first  verse. Neville
Staples  does  the  second  verse  straight  and  the  latter  part  of  the  song  is  dominated  by  the  horn  players  increasingly  wayward  interventions  but  the  barbs have  already  made  their  mark.

"Man  At  C & A"  carries  the  first  songwriting  credit  for  Hall  in  partnership  with  Dammers  but  in  fact  his  monotone  tuneless  verses  ( a  weakness  which  re-surfaced  in  his  subsequent  bands )  referencing  Cold  War  tensions  over  Iran  and  Afghanistan  are  the  weakest  part  of  the  song. Otherwise  it's  impressive  with  its  loping  groove  and  John  Bradbury's  discovery  ( simultaneously  with  Warren  Cann  on  the  LP  discussed  previously )  that  syn-drums   could  simulate  thunderous  explosions. Dammers's  ascending  organ  chords  clearly  prefigure  "Ghost  Town".

"Hey  Little  Rich  Girl"  is  a  Byers  song  and  is  plainly  a  product  of  the  same  pen  as  " Rat  Race"  being  pretty  similar  in  both  the  music  and  the  sourly  class-conscious  lyric, a  not  very  sympathetic  tale  of  a  spoilt  girl  who  moves  down  to  London  and  ends  up  in  blue  movies. Hall's  brattish  vocal  is  perfect  for  this  sort  of  thing  and  Panter's  bass  and  guest  saxophonist  Lee  Thompson  of  Madness  take  the  musical  honours.

The  second  single  from  the  LP  "Do  Nothing "  ( coupled  in  remixed  form as  a  double  A-side  with  an  awful  version  of  " Maggies' Farm"  thankfully  not  included  here  )  follows. It's  generously  credited  to  Lynval  Golding  alone  despite  a  sizeable  contribution  from  Dammers  according  to  Panter's  book ,Ska'd For  Life. The  band  tone  down  the  aggression  and  slow  down  the  tempo  with  the  lilting  melody  and  Dammers's  warm  organ  chords  belying  the  song's  warning  about  passivity  in  the  face  of  oppression - "policeman  come  and  smack  me  in  the  teeth, I  don't  complain, it's  not  my  function". Staples, Hall  and  Golding's  share  the  lead  vocal  and  the  blend  of  their  voices  is  both  unusual  and  effective.

"Pearl's  Cafe"  takes  the  soft  music / biting  lyric  idea  even  further  with  a  holiday  camp  xylophone  melody  introducing  Dammer's  tale  of  encountering  a  sad, drunken  old  woman  in  a  cafe  and  then  realising  that  his  girlfriend  has  no  empathy  for  her  at  all. Hall's  caustic  nonchalance  is  again  a  perfect  fit  and  makes  you  weep  that  he  and  Dammers  still  find  it  impossible  to  work  together. Dakar  makes  her  entrance  as  a  backing  singer  when  the  woman  is  directly  quoted  and  her  own  flat  tones  are  suitably  sour. You  can't  help  but  warm  to  a  song  with  a  middle  eight  that  is  a  chant  of  "It's  all  a  load  of  bollocks".

Side  One  ends  with  "Sock  It  To  'Em  JB"  a  cover  of  an  obscure  Northern  Soul  tune  about  007  selected  by  drummer  and  uber-fan   John  Bradbury. Originally  by  Rex  Garvin  &  The  Mighty  Cravers  it's  goodnatured  and  faithful  but   inessential. Bradbury  would  eventually  get  together  his  own  side  band,  JB's  All  Stars  to  record  a  few  more  NS covers  which  constituted  the  final  releases  on  Two  Tone  but  like  this  one  were  a  bit  pointless  and  failed  to  chart.

Side  Two  commences  with   the  first  named  track  of  the  "Stereotype/ International  Jet  Set"  single  which  had  one  of  the  wierdest  chart  careers  ever. The  sequence  was  50 - 31 - 25 - 6 - 22 - 23 - 53 - 63.  There  were  airplay  problems  due  to  the  word  "pissed" in  the  chorus  and  the  direct  reference  to  VD  which  might  account  for  the  slow  start  but  the  huge  fall  is  inexplicable. Musically  it's  the  most  complex  track  with  Spanish  guitars  and  mariachi  trumpet  c/o  Cuthell  , a  tango  rhythm  for  the  verses  and  a  massed  male  voice  hum   for  the  refrain. Edging  on  to  Squeeze's  territory   it's  Dammers's  tale  of  a  young  man  who  is  what  would  come  to  be  known  as  a  lager  lout  and  comes  to  a  sticky  end. Hall  sings  it  a  key  outside  his  comfort  zone  but  his  withering  contempt  comes  through loud  and  clear. The  single  finished  after  three  verses  but  here  it  goes  on  into  "Stereotypes  Part  2"  an  elongated  toast  by  Staples  eschewing  booze  and  speed  at  the  pub  in  favour  of  music  and  marijuana  at  home.  In  truth  it  goes  on  a  bit  but  it's  hard  to  begrudge  Staples  his  turn  in  the  spotlight.

After  that  you're  expecting  Byers's  "Holiday  Fortnight"  to  be  a  coruscating  blast  at  the  sort  of  wallies  who  were  making  Ottawan's  hideous  D.I.S.C.O. a  huge  hit  at  the  time  but  instead  it's  an  African  hi-life  instrumental  with  great  horn  work  from  both  Cuthell  and  Rodriguez ,  supple  bass  playing  from  Panter  and  energetic  percussion  presumably  by  Staples.

" I  Can't  Stand  It "  is  a  duet  between  Hall  and  Dakar  set  to  a  bossa  nova  rhythm  with  a  Doors-ish  keyboard  break  in  the  middle  eight. That  sounds  like  it  shouldn't  work  but  it's  brilliant. There's  an  interesting but  I  guess  unintended  meta-concept  here  as  the  title  of  the  song  is  many  people's  response  to  Dakar's  grating  voice  and  Hall's  beyond-deadpan  performance  seems  designed  to  highlight  his  partner's  less  than  mellifluous  contribution. You  do  get  the  feeling  that  these  two   don't  like  each  other  much  and  that  adds  spice  to  Dammers's  song  about  a  couple  worn  out  with  each  other. Paul  Heaton  may  have  been  listening. The  song  ends  with  a  sardonic  Waltons   "goodnight"  exchange  and  Terry  Hall  sounds  genuinely  traumatised  by  the  experience.

"International  Jet  Set" follows. This  version  has  a  full  lyric  whereas  the  single  was  mainly  instrumental.  The  lyric  is  a  set  of  jaundiced  observations  from  the  band's  US  tour  earlier  in  the  year  which  Dammers  didn't  enjoy  very  much  ( and,  after  his  comment  in  an  interview  that  he'd  had  a  better  time  on  a  school  trip  to  Russia, didn't  do  much  for  their  sales  either )  plus  a  humorous  interlude  about  phoning  a  girlfriend  back  home  and  a  voiceover  from  "Captain"  Staples  that  immediately  brings  to  mind  Typically  Tropical's  Barbados.  Driven  on  by  Panters's  insinuating  bass  ( which  he's  rightly  proud  of )  the  general  eeerie  vibe  with  fairground  organ, wordless  high  chants,  Hall's  close-miked  vocal  and  blaring  horns  makes  it  the  most  obvious  precursor  to  "Ghost  Town"  on  the  album.

And  finally  there's  a  short  reprise  of  "Enjoy  Yourself"  with  just  Dammers  on  his  new  bontempi  and  the  Go-Go  girls  leading  the  vocal.  Slowed  down  to  match  the  cheesy  preset  rhythms  it's  probably  the  most  sarcastic  track  ever  recorded  and  it's  interesting  to  speculate  on  whether  Belinda  and  co  were  fully  in  on  the  joke.

NB  :  I  once  put  "Enjoy  Yoyurself"  on  a  mixtape  for  a  football  journey  and  it  went  down  so  well  with  my  passengers  that  for  the  next  trip  ( to  Carlisle, always  our  favourite )  I  recorded  the  two  versions  together  on  a  blank  cassette  then  flipped  it  over  and  recorded  it  again  so  we  had  immediate  access  to  a  repeat. From  Keswick  where  we  stopped  for  a  drink  to  Carlisle  we  listened  to  it  continuously  and  at  one  point  we  left  it  playing  while  someone  went  for  a  pee  so  if  you  were  travelling  up  the  M6  on 11.1.1992  and  saw  someone  bopping  on  the  hard  shoulder  beside  a  green Vauxhall  Chevette  , that  was  me !

Whether  or  not  the  band  enjoyed  making  this  LP  it  is  an  under-rated  gem  which  richly  deserves  a  re-appraisal.

73 Vienna - Ultravox

Acquired :  23  December  1987

Tracks :  Astradyne / New  Europeans / Private  Lives / Passing  Strangers / Sleepwalk / Mr  X / Western Promise / Vienna / All  Stood  Still

With  both  of  us  now  working  Helen  and  I  could afford  to  spend  a  bit  more  at  Christmas  so  I  now  got  an  LP  each  for  birthday  and  Christmas. This  one  had  regularly  appeared  on  the  list  since  1981  and  finally  arrived  on  my  23rd  birthday.

"Vienna "  was  Ultravox's  breakthrough  album  but  at  the  beginning  of  1980  success  seemed  far  from  guaranteed. The  band  had  been  dropped  by  Island  Records  after  three  non-charting  albums  ( those  were  the  days !)  and  had  lost  enigmatic  singer  John  Foxx  and  guitarist  Robin  Simon in  1979. Ironically within  months both  drummer  Warren  Cann  and  keyboard  player  Billie  Currie  tasted  number  one  success  as  session  players  with  The  Buggles  and  Gary  Numan  respectively. The  remaining  trio  were  persuaded  to  take  on  Midge  Ure  to  perform  both  roles  by  his  former  bandmate  Rusty  Egan  while  he , Ure  and  Currie  were   involved  in  the  Visage  project. Ure  too  had  a  stench  of death  around  him  after  failing  to  make  a  lasting  mark  with  first  Slik  and  then  The  Rich  Kids  and  had  recently  worked  as  a  jobbing  guitarist  with  Thin  Lizzy.

On  the  other  hand  they  had  an  association  through  Visage  and  Egan  with  the  burgeoning  New  Romantic  scene  and  had  been  generously  namechecked  by  Gary  Numan  as  a  major  influence  on  his  music .  This  latter  factor  had  already  helped  Foxx  to  moderate  chart  success  with  his  solo  LP  Metamatic. It  remained  to  be  seen  whether  the  refreshed  band  could  similarly  capitalise.

"Astradyne" would  be  a  brave  choice  to  open  any  album, a  seven  minute  long  synth    instrumental  delaying  the  introduction  of  the  new  singer.  That  someone  in  the  band  was  a  krautrock  fan  could  already  be  deduced  from  the  choice  of  Conny  Planck  as  producer  but  Neu !  in  particular  are  a  big  influence  here  from  the  meaningless  title  onwards. It  starts  with  a  high-pitched  bell  ticking  before  sweeping  counter-melodies  on  the  synths  take  the  track  forwards. Chris  Cross  and  Warren  Cann  come  in  just  before  the  first  minute's  up  and  the  ensuing  passage  does  bear  a  similarity  to  Ure's  gift  to  Phil  Lynott  Yellow  Pearl  ( released  earlier  in  1980  but  a  hit  two  years  later  as  the  Top  Of  The  Pops  theme ).  At  2.20  Billy  Currie  takes  it  into  different  territory  with  a  scorching  electric  violin  solo  after  which  the  drum  and  bass  drop  out  for  a  Mike  Oldfield-ish  quiet  interlude. This  lasts  for  a  minute  before  finally  Ure  arrives  with  some  squealing  guitar  leading  to  a  pounding  climax  with  Cann  giving  the  cymbals  some  punishment.  I  must  admit  to  initially  thinking  it  was  a  bit  tedious  but  can  now  appreciate  it  as  an  impressive  statement of  intent.

Ure  makes  his  vocal  entrance  on  "New  Europeans"  expressing  Buggles-ish  concerns  about  dehumanising  technology  and  providing  a  bridge  between  that  first  wave  of  electronic  dabblers  at  the  turn  of  the  decade  and  the  New  Romantics. Ure's  choppy  punk  guitar  , Cann's  relentless  motorik  drumming  and  Cross's  brutalist  bass  synth  conspire  to  keep  Currie  on  the  sidelines  for  most  of  the  song  though  he's  allowed  a  plain  piano  solo  as  a  coda. The  references  to  parenting  and  lost  loves  remind  you  that  these  guys  were  all  pushing  30  at  the  time  which  may  account  for  the  urgency  evident  in  many  of  these  songs. This  one  could  do  with  a  slightly  stronger  chorus.

The  album then  wobbles  slightly  with  two  less  interesting  tracks. "Private  Lives " ,  a  celebration  of  night  life  tailor-made  for  the  Blitz  crowd but  for  its  awkward  rhythms, begins  with  a  questioning  classical  piano  intro  from  Currie  but  once  Ure's  wailing  guitar  comes  in  turns  into  a  mid-paced  rock  track  with  no  chorus. "Passing  Strangers" , a  poor  choice  for  second  single  which  didn't  make  the  Top  40  ( Ure  must  have  wondered  if  the  Slik/Rich  Kids  career  path  was  going  to  repeat  itself ) suffers  from  a  rather  turgid  mix  with  Cross's  sludgy  bass  too  prominent, a  dull  melody  and  some  very  cliched  lyrics  - "dance  in  the  dark, sing  in  the  rain" - about  nothing  in  particular. Currie's  keyboard  solo  in  the  middle  eight  is  more  interesting  but  doesn't  rescue  the  track. 

Things  perk  up  again  with  "Sleepwalk"  which  finally  gave  them  a  hit  single in  August  1980  after  half  a  dozen  flops  in  the  Foxx  era. With  lyrics  from  Cann  referencing  his  own  unusual  sleep  patterns  ( as  amusingly  recalled  by  Ure  in  his  autobiography  If  I  Was )  it's  as  exciting  as  synth-pop  gets  with  Cross's Moroder-ish  bass  synth  setting  a  rattling  pace  for  the  rest. Ure's  assured  vocal  is  a  plus  but  Cann's  frantic  drumming  and  Currie  and  Ure's  synth  duel  in  the  middle  eight  are  awesome. You  hardly  notice  the  chorus  is  just  a  chant  of  the  title  especially  when  the  song  fades  out  to  a  haunting  keyboard  melody.

The   opening  track  on  side  two  "Mr  X"  began  life  when  Foxx  was  in  the  band  as  a  song  named " Touch  and  Go"  which  subsequently  appeared  on  Metamatic  without  a  credit  for  any  of  his  former  bandmates. Ure  may  not  be  on  the  track  at  all  as  there's  no  guitar  and  Cann  does  the  vocal,  his  deadpan  Canadian  tones  contrasting  with  the  very  European  synth  music, a  combination  that  irresistibly  calls  The  Third  Man  to  mind. One  wonders  what  Plank  made  of  producing  a  track  so  obviously  in  debt  to  his  most  famous  clients  but  it's  up  there  with  anything  on  The  Man  Machine.  The  inhuman  machine  rhythms, Ballardian  non-sequiturs in  the lyrics  and  icy  perfection of  the  melody  line  make  it  overwhelmingly  sinister  even  before  Currie  throws  in  his  most  unsettling  violin  solo. Over  thirty  years  later  it's  still  stunning.

The  same  can  be  said  of  "Western  Promise"  indicative  of  New  Romanticism's  often -forgotten  fascination  with  the  Far  East. No  fey  talk  of  Geishas  here  though ; it's  a  very  untypical  blast  at  American  cultural  imperialism - "All  minions  to  Messiah  Pepsi  Can"- powered  by  ferocious  drumming  from  Cann  and  the  wierdest  synth  growls  on  the  LP. Currie  finds  enough  space  to  contribute  an  elegant  Oriental  melody  line and  Ure  hollers  the  message  home.

Then  we  have  the  title  track  which  I  don't  propose  to  describe  in  any  detail  as  no  one  who's  read  this  far  could  possibly  be  unfamiliar  with  it. Indeed  as  far  as  radio  programmers  go  it's  the  only  track  Ultravox  ever  recorded. I  must  admit  that  back  in  1981  it  took  its  time  to  grow  on  me  and  I  still  wouldn't  rate  it  one  of  their  best  tracks  but  I  guess  I'll  always  be  in  the  minority  there.

I  preferred  its  forgotten  follow-up  ( in  slightly  spruced-up  form )  "All  Stood  Still"  which  closes  the  album. Like  "Sleepwalk" it's  based  around  Cross's  pummelling Mini-Moog  bassline   and  is  even  more  exciting  as  Ure  trades  lines  with  Cann and  Cross  about  technological  Armageddon. If  the  internet  collapsed  this  would  be  the  perfect  soundtrack. Ure's  allowed  a  couple  of  screeching  guitar  solos  and  the  couple  of  seconds  of  bare  Mini-Moog  before  the  second  lengthier  one  is  the  greatest  dramatic  pause  in  rock.

I  don't  think  I  fully  appreciated  this  LP  in 1987 , the  year  in  which  Ultravox  gave  up  the  ghost  after  a  belated  third  single ("All In One  Day") from  the  underwhelming,  Cann-less  "U-Vox"  LP  failed  to  make  the  Top  75. Now  it's  quite  obviously  their  best , acknowledged  by  the  band  themselves  when  it's  30th  anniversary  became  the  springboard  for  their  re-activation.

72 Sidewalk - Icehouse

Purchased  :  5th  December  1987

Tracks :  Taking  The  Town / This  Time / Someone  Like  You / Stay  Close Tonight / Don't  Believe  Anymore / Sidewalk / Dusty  Pages / On  My  Mind / Shot  Down / The  Mountain

A  fortnight  later  I  was  back  in  Manchester  in  similar  circumstances  and  duly  picked  up  the  third  Icehouse  LP  from  the  same  sale. Rochdale  weren't  playing  because  it  was  the  Second  Round  of  the  FA  Cup  and  we'd  already  been  knocked  out. This  time  round  City  weren't  so  lucky,  going  down  3-1  to  Steve  Coppell's  Crystal  Palace  thanks  to clearly  pre-planned  gamesmanship  by  Mark  Bright  ( now  a  respected  pundit )  who  took  a  couple  of  dives  to  get  City's  goalkeeper  Eric  Nixon  sent  off.  I've  hated  Palace, Coppell  and  Bright  since.

This  LP  came  out  in  June  1984  but  did  absolutely  nothing  in  the  UK  despite  the  success  of  "Hey  Little  Girl"  little  over  a  year  earlier. Radio  and  music  press  ( with  the  notable  exception  of  Record  Mirror's  Betty  Page )  alike  seemed  determined  to  treat  them  as  one-hit  wonders  and  neither  single  got  played. It  was  therefore  a  blind  purchase  for  me  with  no  familiar  tracks.

Having  said  that  the  opening  track  and  lead  single  "Taking  The  Town"  does  ring  a  few  bells  with  Iva  Davies  doing  a  Bowie  impersonation  that  wouldn't  disgrace   John  Culshaw  and  shamelessly  lifting  the  oik-ish  male  backing  vocals  from  Kim  Wilde's  Kids  In  America.  Nor  is  it  too  far  away  lyrically  from  that  song  with  its  talk  of  claiming  the  streets  for  something  new  although  wisely  the  29-year  old  Davies  doesn't  explicitly  align  himself  with  the  youth. It's  slick,   bass-heavy   ( courtesy  of  future  Pink  Floyd  sideman  Guy  Pratt )  funk-inflected  pop  in  the  same  vein  as  Re-flex's  The  Politics  of  Dancing  but  doesn't  have  a  strong  tune  to  really  grab  the  attention.

"This  Time"  is  a  dead  ringer  for  Flesh  And Blood - era  Roxy  Music  with  its  slick  sound, shamelessly  romantic  lyric  and  another  faultless  Ferry  impersonation  from  Davies. It's  hard  to  find  anything  else  to  say  about  it.

Then  they  start  recycling  their  own  songs. "Someone  Like  You"  is  a  lesser  cousin  of  "Trojan  Blue"  losing  something  of  the  cold  grandeur  with  its  mundane  lyric  about  taking  your  chance  at  love  when  it  presents  itself. "Stay  Close  Tonight"  is  an  even  more  blatant  re-write  of  Hey  Little  Girl"  with  near-identical  guitar  and  keyboard  work. However  it  lacks  both  an  interesting  lyric  and  any  real  chorus. Neither  of  these  are  bad  tracks  but  it's  a  little  disappointing  to  find  them  so  obviously  treading  water  on  only  their  third  LP.

And  then  they  pull  out  a  corker  with  "Don't  Believe  Anymore"  which  became  the  second  single. A  slow  building  lament  for  a  trust  betrayed  it  begins  with  a  minimal  ticking  drum machine  and  brooding  atmospheric  keyboards  joined by  growling  interventions  from Pratt's  fretless  bass  and  guest  saxophonist  Joe  Camilleri. Davies  drops  the  masks, beginning  with  a  stoic  near-spoken  vocal  then  cracking  in  the  bridge  to  a  howl  of  pain  for  the  power  chord  driven chorus. Camilleri 's  extended  solo  is  one  of  the  best  in  my  collection  before a  final  crushing  chorus and  desolate  coda. The  only  problem  is  that  this  song  dwarfs  the  rest  of  the  LP; there's  always  been  the  temptation  to  move  the  stylus  straight  to  it.

Side  two  commences  with  the  title  track and  their  most  blatant  impersonation  to  date. A  perfect  distillation  of  the  sound  of  Sparkle  In  The  Rain  - cavernous  Waterfront  drum  sound, celestial  keyboard  chords, plangent  guitar, scant  traces  of  melody,  declamatory  stentorian  vocal, faux-political  lyric  actually  devoid  of  anything  that  would  scare  off  MTV  - every  box  is  ticked. Simple  Minds  and  Icehouse  toured  together  in  the  early  80s  and  you  assume  there's  some  leg-pulling  going  on  here; the  ordinary  listener  might  wish  for  a  better  song.

And  he / she  would  get  it  with  "Dusty  Pages", a  good  choice  for  the  third  single. Davies  sings   in  his  own  voice  to  a  refreshing   acoustic  strum  and  there's  a  decent  chorus. The  piano  fills  remind  me  of  Talk Talk's  Have  You  Heard  The  News  but  otherwise  there  are  no  obvious  pilferings. Davies  is  pleading  with  the  girl  not  to  pull  the  plug  on  their  relationship  but all  he  can  offer  is  the  past  - "Of the  promises  we  made  of  the  good  times  that  we  had" - emphasised  by  the  ghostly  keyboards    and  we  know  she  isn't  listening.

"On  My  Mind" is  a  solid,  glossy  pop song  about  being  unable  to  shake  off  a  past  love  that   adheres  to  the  "Hey  Little  Girl"  template  of  moody  floating  verses  and  a well-anchored  catchy  chorus.

After  that  the  well  of  inspiration  appears  to  have  run  dry  for  the final  couple  of  tracks  recycle  music  that  Davies  originally  used  to  soundtrack  the  film  Razorback ( Russell  Mulcahy's  underrated debut  in  which  the  horror  derives  not  from  the  giant  boar  which  all  too  obviously  runs  on  wheels  but  the  revelatory  portrait  of  Outback  life  as  squalid, ignorant  and  vicious ) . Both  worked  fine  in  context  as  moody  synth-driven  background  music  but  "Shot  Down"  is a  tuneless  repetitive  bore  with  back-of-a-fag  packet  lyrics  while  "The  Mountain"  still  isn't  a  fully-formed  song , a  mixed  down  Davies  chanting  vague  lines  while  Pratt  and  Camilleri  improvise  to  no  real  effect.

Despite  hosting  one  of  their  best  songs  this  is  by  some  distance  the  weakest  of  the  three  Icehouse  LPs  we've  covered  so  far. We'll  meet  them  again though.

71 Icehouse - Icehouse

Purchased  :  21st  November  1987

Tracks :  Icehouse  / Can't  Help  Myself / Sister / Walls / Sons / We  Can Get  Together / Boulevarde / Fatman / Skin / Not  My  Kind

At  last  ! This  had  been  my  number  one  target  for  the  past   few  years  but  I  could  never  find  it  at  a  reasonable  price  until  a  Saturday  in  November  1987  when  I  found  it  in  a  sale  in  Manchester  ( either  HMV  or  Virgin; something's  saying  the  latter )  presumably  because  they'd  recently  cracked  the  Top  40  once  more  with  the  underwhelming  "Crazy".  I  was  actually  in the  city  for  football . Rochdale  had  played  ( and  surprisingly  won )   at  Cambridge  the  night  before  but  I  hadn't  been  able  to  go  because  I  was  stuck  at  Liverpool  till  5pm on  block  release  so  I  decided  to  pay  one  of  my  periodic  visits  to  Maine  Road  that  weekend.  The  train  from  Littleborough  got  into  Manchester  an  hour  before  kick  off  so  there  was  time  to  browse  the  record  shops  before  walking  up  to  the  game. For  those  interested  City  ( featuring  the  ill-fated  Paul  Lake and  future  Rochdale  manager  Paul  Simpson )  chalked  up  an  easy  3-0  win  over  Birmingham  in  the  old  Second  Division.

The  album  had  been  released  in  the  UK  in  summer  1981 when  the  band  came  over  for  a  short  tour  attracting  a  storm  of  xenophobic  derision  from  the  music  press  for  their  allegedly  derivative sound ; one  review  was  headed  "Ultrabruce" . The  LP  didn't  fare  much  better  although  Smash  Hits  were  a  bit  more  positive. In  fact  "Icehouse"  was  essentially  a  re-tooled  version  of  their  highly  successful  Australian debut  under  the  name  Flowers  ( changed  when  they  signed  to  Chrysalis  in  the  UK  for  fear  an  obscure  Scottish  group  The  Flowers  might  cause  problems ).

The  title  track  opens  proceedings  but  this  is  not  the  version  which  entranced  me  as  a  single  at  the  beginning  of  1982 ( one  of  my  all-time  faves ).  For  the  single  the  tempo  was  slowed  down  slightly  and  the  keyboards brought  higher  in  the  mix, not  major changes  but  enough  for  the  original  to  be  disconcerting. The  song  ( and  later  band  name )  was  inspired  by  the  under-heated  flat Iva  Davies rented  in  Sydney  which  also  happened  to  overlook  a  "Halfway  House"  for  rehabilitation  of  drug  addicts  and  ex-cons  giving  him  some  interesting  neighbours  to  observe. The  mystery  of  the  house  across  the  street  is  juxtaposed  with  a  girl  saving  herself   for  something  better  perhaps  after  rejecting  Davies  himself - "she  says  she's  got  no  time  for  winter  nights". The  coldness  metaphor  is  re-emphasised  by  Anthony  Smith's  glacial  keyboards  (possibly  influenced  by  Closer)  and  Davies's  clenched-teeth  vocal  style. His  sour  conclusion  - "There's  no  love  inside  the  icehouse"  completes  the  package. A  masterpiece.

"Can't  Help  Myself"  was their  debut  single  in  Australia.  It's  about  sexual  obsession  or  possibly  embarrassing  erections -"it's  beginning  to  show"  - and  illustrates  Davies's  talent  for  welding  together  disparate  elements  to  create  a  unique  sound. Here  you  have  a  solid  rock  rhythm  with  a  skeletal  keyboard  riff  allowing  Davies  to  veer  between  clipped  rhythm  guitar  and  post-punk  shapes  that  a  certain  Irish  band  would  soon  trademark. On  top  of  that  you  have  Davies's  pinched  vocals  , about  as  asexual  as  you  could  get,  to  complete  the  song's  compelling  oddity.

The  same  applies to  some  extent  to  "Sister"  , a  song  addressed  to  a  created  woman  although  whether  it's  a  genuinely  futurist  song  or  an  extended  metaphor  isn't  clear. The  racing  keyboards  in  the  verses  hint  at  nightmare  - "sometimes  little  mistakes  get  by  without  detection"  - but  the  mood  is  then  spoilt  by  a  cheerleading   chorus  sounding  very  like  The  Cars. The  wrongfooting  middle  eight  which  sounds  like the  intro  to    a  completely  different  song  only  adds  to  the  magpie  feel  of  the  track.

"Walls"  was  a  single  in  Australia  though  not  elsewhere, a  sinister  song  about  incarceration . Keith  Welch's  foreboding  bassline  recalls  Peter  Hook's  on  Shadowplay  and  there  are  hints  of  late  Joy  Division  in  the  keyboard  sound  as  well. On  the  other  hand  Davies's  vocal  is  a  Bowie  impersonation. Again.  I  don't  think  the  powerchord  - driven  chorus  quite  delivers  on  the  quiet  menace  of  the  verses.

Side  One  ends  with  the  very  Ultravoxian  "Sons"  with  its  bleak  imagery  of  loss  and  decadence , the  Billy  Currie  grand  piano  fills  and  Davies  employing  John  Foxx's  declamatory  style  on  the  chorus. The  blousy  sax  break  also  feels  similar  to  the  one  in  Hiroshima  Mon  Amour. It's  not  a  bad  song  but  not  strong  enough  to  transcend   the  distraction  created  by  the  pilfering.

The  more  obviously  synth-based second  side  opens  with  another  single  "We  Can  Get  Together"  a  predictable  choice  with  its  everyman  lyric  and  big  chorus ( a  rare  opportunity  for  the  other  members  to  do  backing  vocals ) . There's  some  rhythmic  similarity  to  Fleetwood  Mac's  Go  Your  Own  Way   and  again  Davies's  weedy,  slightly  petulant  vocal  undercuts  the  "come  on"  proposition of  the  lyric  to  strange  effect.

The  remaining  songs  give  full  vent  to  Davies's  sinister  side. "Boulevarde"  concerns  itself  with  French  prostitutes. With  Davies  delaying  his  vocal  entrance  a  la  Sound  and  Vision  the  preceding  minute  could  almost  be  Focus  with  its  extended  organ  chords  and  wheedling  guitar. When  Davies  comes  in  with  a  bigger,  impassioned  vocal  it's  dramatic  and  then  he  wheels  out  a  superb  solo, the  only  one  on  the  LP. It's  sympathetic  but  haunting  in  its  fatalism  - "cause  they  all  die  young  on  the  boulevarde".

The  scathing  "Fatman"  is  aimed  at  either  a  pimp  or  sugar  daddy - "girl's  best  friend  is  a  fatman" -  and  is  buoyed  by  rock  drumming  and  Davies's  clipped  rhythm  playing  allowing  Anthony  Smith  to  conjure  a  sombre  atmosphere  on  the  keyboards. Despite  the  taunting  chant  at  the  end  you  know  the  big  guy's  likely  to  have  the  last  laugh.

I 've  never  had  much  clue  what  the  frantic  "Skin"  is  about - an  identity  crisis  perhaps ? -  and  it's  not  my  favourite  track. Smith  again  impresses  with  the  synth  work  and  Ian  Moss  is  brought  in  for  some  Reeves  Gabrel-ish  guitar  abuse   but  the  song  is  simply  too  fast  and  sounds  uncomfortable.

The  concluding  track  "Not  My  Kind"  sees  Davies  wandering  the  Sydney  streets  observing  the  night  life . At  first  he's  kidding  himself  he's  a  part  of  the  shiny  scene  - "the  dark  is  a  friend  to  me" -  but  as  the  song  progresses  the  mask  slips  and  he's  revealed  to  be  a  lonely  soul  perhaps  resorting  to  the  prostitutes  around .  A  pumping  bassline  accompanies  him  from  the  start  of  the  song  then  picks  up  pace  as  the  self-realisation  kicks  in  with  drums  and  guitar  joining  in  to  power  the  song  to  its  climax  as  Davies  frantically  denies  what  he  knows  to  be  true.

I  was  in  truth  slightly  disappointed  when  I  first  played  it; perhaps  that  was  inevitable  given  how  long  I'd  trailed  it. The  subsequent  years  have  enabled  me  to  better  appreciate  its  quality  as  a  very  good  debut  LP.

70 Actually - Pet Shop Boys

Purchased :  17  October  1987

Tracks :  One  More  Chance / What  Have I  Done  To  Deserve  This ? / Shopping / Rent  / Hit  Music / It  Couldn't  Happen  Here / It's A Sin / I  Want  To  Wake  Up / Heart / King's  Cross

This  one  was  purchased  on  a  Saturday  morning  trip  into  Manchester.

There  are  some  critics  aforementioned  on  this  blog  for  whom  the  Pet  Shop  Boys  can  do  wrong. I'm  not  one  of  them ; I  like  the  band rather  than  love  them. I'm  not  completely  sure  of  the  reason  for  that  reservation. Certainly  they  were  the  best  British  band  of  the  post-Smiths  eighties  but  that's  damning  with  faint  praise. I  was  beginning  to  tire  of  synth-pop around  this  time  ( and  forthcoming  posts  will  reveal  where  that  ennui  led  me )  but  that's  not  the  whole  story. Neil  Tennant's  voice  may  be  relevant, the  limiting  factor  that  often  prevents  their  music  soaring  to  its  full  potential. I  also  don't  love  them  as  people. I  see  Tennant  as  the  embodiment  of  Pete  Wylie's  ideal  of  the  anti-rock  star, the  role  he  didn't  have  the  chops  to  assume. Tennant's  arrogant  disdain  for  U2  or  The  Police  was  straight  out  of  the  Wylie  manual  and  the consciousness  of  "canon"  that  led  him  to  strenuously  deny  any  influence  by  the  likes  of  Al  Stewart  or  Sparks  was  alienating. And  Chris  Lowe  is  quite  possibly  the  most  charmless  man  in  music.

But  for  all  that they  had  a  good  run  of  singles  under  their  belt  which  made  this  album  a  desirable  purchase. Unlike  the  previous  entry  this  LP  doesn't  get  off  to  a  good  start. "One  More  Chance"  is  a  re-recording  of  the  B-side  of  the  original  "West  End  Girls"  single  from  1984  co-written  with  disco  producer  Bobby  Orlando. It's  reappearance  here  after  not  being  included  on  the  debut  LP  "Please"  immediately  suggests  a  shortage  of  material. The  song  itself  is  very  slight  with  Tennant  muttering  in  his  usual  deadpan  fashion  about  a  late  night  urban  stroll  in  the  manner  of  Flash  and  the  Pan's  Walking  In  The  Rain ;  doubtless  Tennant  would  deny  that  connection  but  the  title  is  actually  referenced  in  the  lyrics. The  music  is  a  generic  Hi-NRG  rhythm  track  with  some  Lovin  Spoonful - style  urban  sound  effects  and  there's  no  bridge  to  the  very  boring  chorus  at  all.

Next  is  "What  Have  I  Done  To  Deserve  This ? "  the  well-trailed  collaboration  with  Dusty  Springfield  which  some  regard  as  a  classic  but  I  think  is  one  of  their  weaker  singles. Co-written  with  American  songwriter  Allee  Wills and  conceived  as  a  sort  of  Don't  You  Want  Me  mini-soap  where  a  man  ends  up  working  for  his  ex-lover,  it  doesn't  work  for  me.  The  synthesised  brass  refrain  in  the  intro  is  promising  but the  song  itself  is  over-complex  with  neither  a  clear  separation  of  the  actors'  voices  or  enough  melody  to  make  the  effort of  unpicking  it  worthwhile. Nor  is  the  duetting  successful;  Tennant  sounds  more  bored  than  usual  while  Springfield  sounds  strangely  muffled. Whether  that  was  necessary  to  disguise  the  decline  in  the  48-year  old's  voice  or  to  prevent  her  overpowering  Tennant   it  only  heightens  the  sense  of  anti-climax  that  hangs  around  the  whole  thing.

Matters  then  improve  with  "Shopping",  the  most  overt  of  several  attempts  on  this  LP  to  capture  the  zeitgeist of  1987  and  the  implications  of  Thatcher's  third  election  triumph. Lyrically  the  song  was  inspired  by  the  sell-offs  of  the  nationalised  industries  and  share  trading  generally  while  musically  the  influence  is  definitely  Kraftwerk  particularly  The  Robots.  The  analysis  isn't  particularly  deep  but  Tennant  nails  the  feeling  of  progressive  despair  on  the  line - "I  heard  it  in  the  House  of  Commons, everything's  for  sale ". Of  course  the  world  it  describes  experienced  an  abrupt  convulsion  just  two  days  after  I  bought  the  LP  and  it's  not  the  only  prescient  song  here.

"Rent" is  another  minor-key  song  about  the  times  but  much  more  subtle. Here  we  have  a  relationship  based  on  financial  security  with  Tennant  singing  from the  point  of  view  of  the  "kept"  person  so  his  wheedling  tones  are  absolutely  perfect. The  music  is  again  heavily  indebted  to  Kraftwerk  with  Andy  Richards's  Fairlight  trumpet  adding  appropriate  chilliness  particularly  if  you  interpret  the  title  to  mean  this  is  a  young  boy  groomed  for  the  pleasure  of  a  paedophile. Shockingly  this  was  by  far   the  smallest  hit  of  the  four  singles,  turning tail  at  number  8  after  only  two  weeks  in  the  chart. Clearly  some  of  their  audience  didn't  want  to  know  about  their  darker  side.

"Hit  Music" relies  on  a  facsimile  of  the  Peter  Gunn  riff   for  its  propulsion  and  on  the  surface  seems  relatively  slight  but  there  are  fatalistic  references  to  AIDS  in  the  verses - "Live  and  die  it's  all  that  we  know, I  need  a  friend  at  the  journey's  end"  emphasised  by  brief  but  telling  Fairlight  string  interventions  and  Tennant's  double-tracked  vocal. I'm  not  sure  the  chilled-out  coda  really  adds  anything  to  the  track.

"It  Couldn't  Happen  Here "  is  another  touted  collaboration  this  time  with  Ennio  Morricone  and  yet  again  the  results  are  disappointing ; if  nothing  else  this  LP  proved  that  Tennant  and  Lowe  were  best, ahem. left  to  their  own  devices. The  former  was  very  proud  of  the  song  describing  it  in  Smash  Hits  as "the  highlight  of  the  album"  but  he's  well  wrong  there. Apparently  an  attack  on  complacency  the  lyric  is  too  oblique  and  personal  to  make  much  sense  to  an  outsider  and  musically  it's  a  bit  of  a  dirge,  the  Fairlight on  the  chorus  conjuring  up  not  so  much  a  spaghetti  western  as  a  Hovis  commercial.

"It's  A  Sin"  follows  next  , their  second  number  one  from  earlier  in  the  year. The  guys  pull  out  all  the  stops  here  with  thunder  cracks  for  emphasis  and  a  Latin  recitation  of  the  Act  of  Confession on  Tennant's  autobiographical  tale  of  Catholic  guilt ; it's  significant  that  in  the  video  Tennant  is  a  passionate  participant  rather  than  his  usual  laconic  observer. It's  triumph  was  sullied  by  Jonathan  King  who, following  his  pathological  anti-patriotic  urge  to  undermine any  British  success  story , accused  them  of  plaigiarising Cat  Stevens' Wild  World  in  his  column  for  The  Sun. Although  the  duo  sued  and  won  the  similarity  in  the  main  melody  line  is  undeniable  and  takes  the  gloss  off  a very  good  song.

"I  Want  To  Wake  Up"  is  a  fairly  routine  Fairlight  chugger  ( although  Adamski  was obviously listening  to  some  of  the  bleeping   noises )   with  Tennant  expressing  his  ambivalence  about  love. It's  never  a  good  idea  to  resort  to  namechecking  other  songs  (here , Tainted  Love  and  Love  Is  Strange )  to  make  your  point  and  it's  not  one  of  their  better  efforts.

"Heart"  became  their  fourth  and  to  date  final  number  one  in  March  1988  , a  rare  triumph  for  a  fourth  single  release  from  an  album. It's  a  better  attempt  at  a  simple  love  song  and  was  originally  intended  for  Hazell  Dean. The  earworm  is  that  staccato  synth  hook ; otherwise  the  backing  track  is  a  bit  too  close  to  Stock, Aitken  and  Waterman  for  comfort. Tennant  sings  it  so  sweetly  he  could  almost  be  Green  Gartside.

I'm  always  inclined  to  mark  up  an  album  which  saves  its  best  song  until  last  and  "King's  Cross"  is  probably  my  favourite  PSB  track  of  all. It's  a  lament  for  the  runaways  picked  up at  the  titular  station  and  exploited , the  same  nightmare  world  depicted  in  the  third  and  best  of  the  Prime  Suspect  series.  The  meaning  of  the  line  "Dead  and  wounded  on  either  side / You  know  it's  only  a  matter  of  time"  is only  too  clear. There  are  no  walloping  dancebeats  here  just  a  discreetly  buzzing  bass line  to  move  things  along  while  the  choral  synths  weep  for  the  doomed  youngsters  and  trains  go  by  packed  with  commuters  ignoring  what's  going  on  right  before  their  eyes. A  couple  of  months  later  the  King's  Cross  fire  took  place  and  The  Sun  pressurised  them  to  release  it  as  a  charity  single. Given  that  the  same  newspaper  had  given  King  a  platform  for  his  bile  and  had  just  been  running  a  very  nasty  smear  campaign  against  Elton  John  it's  not  surprising  that  their  suggestion  was  ignored.

So  it's  a  pretty  good  album  that  represents  the  group  at  their  commercial  peak  before  their  ubiquity  became  too  exhausting   for  a  mass  audience  to  keep  pace  with  and  enough  fell  off  to  prevent  them  having  any  more  number  one  singles ( ther  only  number  one  LP  came  in  1993 and sold  far  less  than  this  one which  peaked  at  2 ) .