53 Argy Bargy - Squeeze

Acquired  :  23  December  1985

Tracks :  Pulling  Mussels / Another Nail For My  Heart / Separate  Beds / Misadventure / I  Think  I'm  Go-Go / Farfisa  Beat / Here  Comes  That  Feeling / Vicky  Verky / If  I  Didn't  Love  You / Wrong  Side  Of  The  Moon / There  At  The  Top

This  was  my  21st  birthday  present  from  Helen. It  was  one  that  I'd  always  expected from  her  because  she  was  a  fan  too  (in  fact  the  only  other  Squeeze  fan  I  knew)  and  had  long  had  a  copy  of  the  follow-up  "East  Side  Story". Funnily  enough  though,  I  can't  recall  her  ever  playing  this

This  originally  came  out  early  in  1980  when  I  would  still  cite  them  as  my  favourite  band  and  be  perplexed  that  no  one  else  seemed  to  share  my  enthusiasm  or  even  think  them  worth  much  attention. It  was  their  third  album  coming  after  a  strange  year  in  which  they'd  hit  the  number  2  spot  twice  with  successive  singles  and  yet  seen  their  "Christmas  Day " single  ( admittedly  not  their  best  work  )  bomb  completely,  not  even  making  the  Top  75.  They'd  also  made  little  impact  on  the  albums  chart with  the  previous  LP   "Cool  For  Cats"  getting  no  higher  than  45  despite  its  big  hit  singles. In  that  sense  they  were  similar  to  my  first  identified  favourite  band, The  Sweet.  This  LP  too  was  a  modest seller  reaching  number  32  and  only  spawning  one  Top  40  single  though  there  was  the  consolation  of  making  the US  charts  for  the  first  time  where  it  peaked  at  71.

"Argy  Bargy"  is  the  transitional  album  in  their  original  canon  before  the  split  in  1982. It  was  the  last  to  feature  Jools  Holland  and  captures  them  on  the  cusp  between  their  original  New  Wave  leanings  and  the  more  mature  pop  sound  of  later  LPs. It's  stylistically  quite  diverse  and  very  disparate  in  tone  moving  from  the  jokey  laddishness  of  "Vicky  Verky"  to  the  dour,  pessimistic  "Here  Comes  That  Feeling" . Although,  obviously , I  didn't  acquire  it  until  some  years  later  I  feel it  does  reflect  where  the  15-year  old  me  was  at  at  the  time  coming  out  of  childhood  and  having  to adapt  to  a  greyer  adult  world . That  Squeeze  were  only  partially  successful  at  doing  so  is  apt  too.

The  album  kicks  off  very  strongly  with  its  two  singles. The  second, "Pulling  Mussels  (From  A  Shell)"  peaked  at  47  despite  a  Top  Of  The  Pops  appearance. The  song  is  probably  the  best  evocation  of  working  class  holidaymaking  in  pop  referring  to  Camber  Sands, home  to  a  big  Pontins  holiday  camp. The  verses  are  observational  while  the  chorus (and  title) hints  at the  vital  ingredient  in  the  young  male's  holiday, sexual adventure. The  music  is  tight  new  wave  pop  with  a  lengthy  middle  eight  giving  room  for  both  Tilbrook  and  Holland  to  solo  while  throughout  the  song  is  driven  forward  by  Gilson  Lavis's  thrashing  cymbals. Glenn  Tilbrook's  blaring  vocal  handles  the  wordy  lyric  as  expertly  as  ever  while  conveying  a  real  nostalgic  ache  for  the  subject  matter. And  that  might  be  the  reason  for  its  failure, the  song  evoking  an  unromantic  past  that  the  aspirational  council  house  buyers of  1980  didn't  want  to  recollect ;   they  wanted  to  "do  it  in  Waikiki"  and  the  likes  of  Ottawan  were  a  more  appropriate  soundtrack. Or  maybe  it  was  because  A  &  M  had  their  hands  full  with  the  mega-success  of  The  Police  and  were  too  busy  fleecing  the  public  with  an  expensive  catch-up  package  of  their  previous  singles  at  the  same  time  as  this  one  came  out.

Then  comes  my  favourite  Squeeze  single  of  all  "Another  Nail  For  My  Heart"  a  melody-fest  from  start  to  finish  which  at  least  made  the  Top  20.  The  song  is  the  sort  of  beer-sodden  public  lament  for  a  break-up  that  Paul  Heaton  would  make  his  stock-in-trade  a  decade  or  so  later. Chris  Difford's  account  of  relationship  breakdown  is  fitted  into  a tight  keyboard-led  arrangement  which  means  Tilbrook  has  to  stretch  "arrangements"  and  "engagements"  to  eight  syllables. The  song's  arrangement  is  odd   in  that  his  guitar  solo  comes  straight  after  the  first  rather  than  second  chorus. It's  also  rather  similar  to  Hugh  Cornwell's  in  No  More  Heroes ;  in  fact  the  whole  song  feels  like  a  less  aggressive  take  on  The  Stranglers's  sound.

"Separate  Beds"  seems  even  more  anachronistic  than "Mussels" . In  an  age  where  you  can  be  prosecuted  for  refusing  to  facilitate  buggery  in  your  own  property  the  era  of  provincial  prudishness  evoked  by  the  song  seems  more  than  a  lifetime  ago. The  song  is  home  to  one  of  Difford's  justly  celebrated  couplets - "Her  mother  didn't  like  me, she  thought  I  was  on  drugs / My  mother  didn't  like  her, she'd  never  peel  the  spuds" - encapsulating  everyday  family  tensions  with  wonderful  economy. It's  let  down  by  a  very  awkward  arrangement. The  verses  have  a  Revolver-era  Beatles feel  with  Tilbrook  singing  like  Macca  and  playing  like  George  before  Lavis  beefs  things  up  to  the  chorus  where  Difford  comes  in  to  harmonise  and  the  instruments  drop  out  apart  from  synth  and  drum  machine. A  dash  of  Hammond  organ  swell  then  takes  us  back  to  the  Beatles  again.  It  sounds  stitched  together  and  lacks  any  great  melody  to  compensate.

"Misadventure"  is  a  frantic  blast  of  power-pop  with  an  obvious  debt  to  the  Attractions, Holland  aping  Steve  Naive's  organ  sound. It's  a  shaggy  dog  story  of  a  Londoner   lured  by  a  hitchhiker  into  getting  involved  in  drug  smuggling  and  then  getting  caught - "Then  they  discovered  a  shipment  of  Moroccan / And  said  excuse  me  sir  there's  something  you've  forgotten". Tilbrook  delivers  this  and  other  great  rhymes  with  breathless  urgency  before  giving  way  to  a  neat  little  cowbell  and  drum  solo  from  Lavis.

"I  Think  I'm  Go-Go "  is  a  rather  glum  travelogue  in  three  parts  with  Difford's  impressions  of  Amsterdam and  New  York  before  a  third  verse  about  London. It's  another  unusual  arrangement  dominated  by  synth  and  strings  with  a  creeping  bassline  then  for  the  second  verse  sung  by  Difford  himself  it's  just  cello  and  drums  which  together  with  Difford's  blunt  bass  tones  make  it  strikingly  stark. The  unsettling  coda  with  its  odd  synth  noises  (odder  still  when  you  realise  they're  coming  from  Mr  Boogie-woogie  himself)  is  impressive  but  would  do  better  on  a  song  with  more  involving  subject  matter.

Side  Two  doesn't  get  off  to  a  great  start  with  "Farfisa  Beat"  an  ugly  song  about  leering  at  girls  in  a  disco  (slightly  leavened  by  Difford  describing  himself  as  "Five  foot  seven  of  heavy  duty  wear")  with  a  sideswipe  at  the  Mod  Revival. There's  a  nifty  little  rhythm  guitar riff  but  otherwise  it's  power-pop  by  numbers  and  not  worthy  of  much  attention.

"Here  Comes  That  Feeling "  isn't  very  inspiring  either. It's  Difford's  only  lead  vocal  on  the  LP  and  he's  in  character  as  a  depressed-sounding  actor  in  a  murder  play. At  just  over  two  minutes  long  and  with  no  chorus  it  sounds  like  a  character-establishing  number  from  a  musical  wrenched  out  of  context. The  first  few  seconds  cheekily  ape  Shine  On  You Crazy  Diamond  and  both  Holland  and  Lavis  work  hard  to  give  it  some  kick  but  it's  not  very  good  and  the  band  have  rarely  thought  it  worth  a  live  outing.

The  LP  kicks  back  into  life  again  with  "Vicky  Verky"   a  tale  of  teenage  sex  and  petty  criminality  worthy  of  Ian  Dury.  The  line  "And  sometimes  he  would  treat her  when  he'd  done  his  mother's  meter"  is  deathless. Tilbrook  switches  to  acoustic  and  adopts  the  same  plaintive  tone  that  made  "Up  The  Junction"   such  a  winner   and  the  appearance  of  strings  in  the  verse  dealing  with  abortion  gives  it  a  real  emotional  kick. Holland  also  does  his  bit  with  a  rinky-dink  organ  solo  in  the  middle  eight  and  if  they'd  wanted  to  release  a  third  single  this  should  have  been  the  one.

There's  an  abrupt  change  of  tone  with  "If  I  Didn't  Love  You"  a  dark  song  of  domestic  doubts  made  all  the  more  disturbing  by  the  realisation  that  the  first  verse  is  addressed  to  a  child  in  the  bath. Tilbrook  and  Difford  share  the  lead  vocal  (perhaps  at  the  former's  instance)  while  Lavis  and  bassist  John  Bentley  inject  some  muscle  after  the  flowery  intro. Tilbrook  also  throws  in  a  slide  guitar  solo  that's  very  George  Harrison.

He  then  takes  a  back  seat  for  "Wrong  Side  Of   The  Moon"  his  place  as  Difford's  co-writer  and  lead  vocalist  taken  by  Holland. Unsurprisingly  that  means  the  electric  keyboards  get  swapped  for  his  trusty  joanna  although  the  song  has  more  of  a  Northern  Soul  feel  than  boogie-woogie  and  Tilbrook  is  allowed  to  throw  in  a  fuzz  guitar  solo. Holland's  piano  riff  is  infectious  and  the  song  is  a  likeable  enough  tale  of  transatlantic  separation  but  as  ever  Holland's  voice  makes  it  sound  like  a  number  from  The  Muppet  Show. When  the  band  finished  touring  the  LP  Holland  quit  to  form  his  own  boogie-woogie  outfit  and  thus  was  headed  for utter  obscurity  until  labelmates  The  Police  asked  him  to  front  a  documentary  about  the  making  of  their  new  album  in 1981  and  a  TV  legend  was  born.

That  just  leaves  "There  At  The  Top"  another  song  which  wouldn't  win  Difford  any  plaudits  from  Harriet  Harman  with  its  sour  lyric  about  a  woman  sleeping  her  way to  business  success.  Lavis  pummels  away  at  the  snare  in  similar  fashion  to  Terry  Chambers  on  XTC's  Life  Begins  At  The   Hop  and   both   Tilbrook's  guitar  and  Holland's  keyboard  contributions  would  fit  on  an  early  XTC  album. Tilbrook's   melody  gives  the  chorus  a  wistfulness  implying  doubt  in  the  woman's  mind  that  she  has  reached  "the  top" by  such  methods  but  that's  perhaps  looking  for  excuses.

So  it's  not  the  classic  LP the  first  couple  of  tracks  promised. It's  interesting  but  flawed, the  band  pulling  in  too  many  different  directions  at  once  and  another  line-up  change  was  just  around  the  corner. The  next  LP  (which  never  inspired  me  to  get  my  own  copy)  did  a  bit  better  and  won  them  some  critical  plaudits  at  last  but  major  commercial  success  would  always  elude  them.

52 Crush - Orchestral Manoeuvres In The Dark

Purchased : November  1985

Tracks :  So  In  Love / Secret / Bloc Bloc Bloc / Women III / Crush / 88  Seconds  In  Greensboro / The  Native  Daughters  Of  The  Golden  West / La  Femme  Accident / Hold  You / The  Lights  Are  Going  Out

This  was  bought  from  Bostock's  in  Leeds.

Having  passed  on  "Junk  Culture"  because  I  wasn't  very  impressed  with  the  singles  (I  actively  loathed  "Locomotion")  I  bought  this  one  on  the  strength  of  the  first  and  third  singles  which  I  saw  as  a  return  to  form. This  was  OMD's  sixth  album  and  is  notable  for  being  the  first  LP  to  be  produced  by  Stephen  Hague  who  got  the  break  probably  because  they  were  going  straight  for  the  US  market . The  cover  shows  a  1950s  couple  in  an  open-top  convertible  a  long  way  away  from  Stanlow  oil  refinery. Many  of  the  songs  reference  US  topics and  some  conventional  guitar  makes  its  first  appearance  on  an  OMD  record.

The  album  kicks  off  with  "So  In Love" easily  the  best  single  since  "Maid  Of  Orleans"  in  '82.  With   Hague  as  a  co-writer  it  was  their  most  straightforward  love  song  to  date  although  it's  clear  that  McCluskey  is  singing  about  the  past  - "It's  hard  to  believe  I  was  so  in  love  with  you"  and  warning  his  ex  against  trying  to  rekindle  the  flame. The  intro  starts  with  a  toytown  synth  riff  similar  to  "Genetic  Engineering"  but  thereafter  the  sweeping  synths  are  more  redolent  of  fellow  Liverpudlians  China  Crisis  with  some  quickfire  guitar  riffs  for  some  added  bite. McCluskey's  vocal  is  touchingly  unaffected  and  Martin  Cooper's  sax  solo  adds  the  right  regretful  tone. It's  UK  chart  performance  was  very  disappointing,  peaking  at  27  when  the  awful  "Locomotion" had  made  the  Top  5  just  a  year  before. It  got  one  place  higher  in  the  USA  but  established  them  as  a  presence  over  the  pond  for  the  rest  of  the  original  group's  lifetime.

Disappointingly  it's  by  far the  best  track. "Secret" , the  follow-up  single  is  pleasant  enough  but  insubstantial. With  Paul  Humphreys  doing  the  lead  vocal  it's  basically  a  speeded-up  retread  of  "Souvenir"   with  Malcolm  Holmes  giving  it  some  extra  welly  on  the  drums. The  nursery  rhyme  lyrics  (with  some  really  trite  rhymes)  and  synthesised  oboe  riff  aim  at  the  pastoral  but  just  make  the  track  a  bit  vapid.

Things  get  worse   with  "Bloc  Bloc  Bloc". The  title  seems  to  be  a  metaphor  for  sexual  shenanigans  which  I  suppose  is  better  than  "zig-a-zig ah" but  not  much. The  song,  such  as  it  is,  hung  on  a  stop-start  synthesised  bass  line  with  a  niggling  guitar  and  a  shrill  brass riff   presumably  played  by  recent  additions  the  Weir  brothers  but  Hague  makes  them  sound  exactly  like  a  Fairlight. Cooper's  sax  interjections  threaten  to  turn  it  in  to  Glen  Frey's  The  Heat  Is  On . As  on  "Telegraph"  McCluskey  duets  with  himself  (although  the  video  would  have  you  believe  the  high  parts  are  Humphreys)  on  some  awful  lyrics  with  heavy-handed  references  to  Elvis  and Man  Ray  (getting  a  namecheck  in  a  pop  song  for  the  second  time  in  as  many  months)  and  unwelcome  sexual  swagger  - "I  wanna  get  laid" ; "I'll  take  your  sister  to  bed". Are  they  sending  themselves  up ?  Whatever  the  intention  it's  not  funny  and  it's  probably  the  ugliest  song  in  their  canon.

Perhaps  to  make  amends  the  guys  try  to  get  in  the  head  of  a  suburban  housewife  in  "Women  III" but  it  never  gets  past  arch  observation  - "At  least  she  has  a  home  to  share, a  man  who  comes  to  do  her  hair"  . The  swing  beat  and  sax  interjections  suggest  they're  attempting  to  move  into  Steely  Dan  territory  although  the choral  synth  riff  is  oddly   reminiscent  of  Antmusic.

The  title  track   is  a  return  to  "Dazzle  Ships"  territory   with  the  song  based  around  a  tape  loop  of  four  brief  Japansese  advertising  slogans. It  was  inspired  by  the  band's  experiences  on  tour  in  Japan  with  McCluskey  trying  to  get  some  sleep  amid  the  hullabaloo  of  downtown  Tokyo. The  song's  actually  a  bit  of  a  dirge  but  McCluskey's  murky  vocal and  Weir's  drowsy  trommbone  do achieve  the  right  neurasthenic  feel.

Side  Two  begins  with  their  attempt  to  write  an  angry  rock  song  in  the  vein  of  Ohio. "88  Seconds  In  Greensboro"  was  inspired  by  the  1979  Greensboro  massacre  (so  called)  when  American  communists  took  on  the  Ku  Klux  Klan  and  lost  with  5 of  their  number  being  killed  in  the  encounter  much  of  which  was  filmed  by  local  TV. The  lyric  however  is  typically  opaque. Apart  from  the  Peter  Hook-esque  bassline,  the  music  seems  like  a  tribute  to  the  Velvet  Underground  with  the  rudimentary  two-chord  guitar  riff,  Holmes's  simple  tub-thumping  and  Humphreys's  synthesised  string  screech.  McCluskey  sings  it  with  passion  but  it's only  so-so.

"The  Native  Daughters  Of  The  Golden  West"  carries  on  with  the  US  themes  and  rock  trappings . The  song  was  inspired  by  a  memorial  statue  to  female  pioneers  bearing  the  titular  inscription. With  an  untypical  straight-down-the-line  lyric  McCluskey  hollers  over  a  fractured  guitar  riff  while  Humphreys's  synth  and  the  male  backing  vocals  conjure  up  a  Southern  Gothic  vibe. It's  let  down  by  being  pretty  tuneless.

"La  Femme  Accident"  was  the  third  single  release , falling  short  of  the  Top  40 in  November  1985. I  loved  it  at  the  time , relating  it  to  a  girl  who  had  a  big  crush  on  my  uninterested  best  friend  at  university, a  situation  I  observed  with  a  mix  of  sympathy  and  jealousy. Away  from  that  context  it  sounds  a  bit  flimsy  and  too  short , the  lovely  instrumental  coda  fading  out  at  the  two  and  a  half  minute  mark. There's  some  lovely  synthesised  string  and  harp  sounds  on  the  song  but  there's  just  not  enough  of  it . The  reference  to  Joan  of  Arc  in  the  lyric  seems  unnecessarily  arch.

"Hold  You"  is  a  very  straightforward  song  of  having  feelings  for  someone  elses's  girlfriend. Over   a  very  simple  two-note  bassline and  burbling  electronic  percussion McCluskey  does  a  soft  vocal  while  a  Mellotron  sighs  sympathetically  in  the  background  and  Cooper  comes  in  for  a  sax  solo. It's  very  hard  to  dislike  but  like  so  much  of  this  LP  it  lacks  the  melodic  inventiveness  of  their  earlier  work.

That  just  leaves  us  with  "The  Lights  Are  Going  Out"  which  seems  to  be  a  continuation  of  the  theme  with  McCluskey  imagining  a  night  encounter  in  which  he's  not  involved - " And  I  can't  see  me  with  another  girl". The  mournful  melodica  and  sampled  female  vocal  loops  conjure  up  the  right  late  night   atmosphere  but  the  song  doesn't  really  go  anywhere  after  setting   the  mood.

And  that's  the  story  of  the  LP  really - some  interesting  ideas  but  the  songs  simply  aren't  strong  enough. I  was  quite  disappointed  with  it  and  that's  why it  will  be  a  while  before the  band  crop  up  here  again.   

51 Songs From The Big Chair - Tears For Fears

Purchased : 12th  November 1985

Tracks : Shout / The Working Hour / Everybody  Wants  To  Rule  The  World / Mother's  Talk / I  Believe / Broken / Head Over  Heels / Broken (Live) / Listen 

The  date  in  my  little  red  notebook  reveals  the  context. This  was  bought  in  Leeds  on  a  Tuesday  afternoon  on  my  way  home  for  a  Littleborough  Civic  Trust  committee  meeting  (always  the  second  Tuesday  of  the  month)  in  the  evening. I  had  been  on  the  committee  since  1981 (as  a  junior  co-opted  member)  and  stayed  on  it  throughout  my  university  years  and  beyond. This  was  a  particularly  exciting  time  (relatively  speaking)  as  earlier  in  the  year  we'd  shown  the  chairman  the  door  (I  was  kept  informed  of  the  coup  but  it  would  have  happened  without  me)  and  were  in  the  process  of  repairing  three  years  of  neglect  while  fending  off  our  ex's  new  rival  organisation.

Anyhow  back  to  Roland  and  Curt.  After  the  last  two  non-charting  LPs  this  was  one  of  the  biggest  LPs  of  the  year  only  kept  off  No  1  by  Phil  Collins's  mega-selling  No  Jacket  Required .  It  was  a  massive  seller  all  over  the  world  but  most  crucially  in  the  USA  making  them  curiously  surly  superstars  in  the  mid-80s.  It  was  also  a  fairly  risk-free  purchase  as 5  of  its  8  tracks  had   been  released  as   singles  by  the  time  I  bought  it.

For  this  second  LP  Roland  Orzabal  and  producer  Chris  Hughes  went  for  a  bigger  glossier  sound  less  reliant  on  synths  than  their  debut. Though  the  title  was  inspired  by  a  book  about  schizophrenia  there  is  no  overarching  concept  and  while  primal  therapy  definitely  influences  some  of  the  lyrics  this  is  a  more  expansive , less  claustrophobic LP .Band  politics  at  this  time  were  interesting.  TFF  were  still  a  duo  on  the  cover   but  background  keyboard  player  Ian  Stanley  co-wrote  5  of  the  tracks  compared  to  a  single  credit  for  Curt  Smith.

"Shout"  (the  single  which  broke  them  in  America  and  restored  them  to  the  Top  3  in  the  UK)  is  the  perfect  bridge  between  the  two  LPs  retaining  some  of  the  primal  therapy  themes - "Shout  shout  let  it  all  out"  - but  swapping  the  Roland  synths  for  a  rich  Hammond  organ  and  a  stadium-sized  chorus. Actually  the  song  is  more  a  call  for  political  protest ,an  indication of  Orzabal's  more  outward-looking  worldview  on  this  LP. The  song's  real  glory though  is  Smith's  bone-shaking  bassline  which  turns  a  potentially  whiney  dirge  into  a  juggernaut. Orzabal  chips  in  a  nifty  guitar  solo  at  the  end  but  the  battle's  won  by  that  point. At  nearly  6  minutes  it  also  heralds  their  move  towards  longer  songs, a  tendency  that  would  seriously  betray  them  on  their  next  LP.

"The  Working  Hour"  is  even  longer  and  dominated  by  the  saxophones  of  Mel  Collins  and  William  Gregory  with  the  song  bookended  by  lengthy  solos. Orzabal  coming  in  at  the  2  minute  mark  bemoans  the  lot  of  the  working  man  in  a  rather  vague  way  before  letting  rip  on  the  final  mantra  -"Find  out ! Find  out !   What  this  fear  is   about"  - with  typical  passion. At  this  point  it   harks  back  to  the  utter  desolation  of   "Memory  Fades" from  the  first  LP  but  elsewhere  the  big  piano  chords  and  chattering  percussion  of  Jerry  Marotta  lead  to  a  certain  FM  radio-friendly  blandness. It's  the  most  obvious  illustration  of  the  stryggle  between  instinct  and  ambition  on  this  LP.

Curt  Smith  takes  the  vocal  reins  for  the  LP's  most  enduring  song "Everybody  Wants  To  Rule  The  World"  which  again  just  missed  out  on  the  top  spot  in  the  UK. It  is  much  lighter  than  the  rest  of  the  LP  its  presence  a  testament  to  producer  and  co-writer  Chris  Hughes's  commercial  nous. The  song  is  a  sober  look  at  megalomania ;  it  starts  out  deliberately  bland  with  its  shuffle  beat, tinkly  synth  part  and  Smith's  smooth  vocal  then  gets  progressively  darker  as  Manny  Elias's drums  get  heavier  and  Orzabal  comes  in  with  his  harder  vocal  and  rock  guitar. A  masterpiece  in  pop  consruction  it  cemented  their  reputation  for  the  rest  of  the  decade.

Then  the  low  point. I  regarded  "Mother's  Talk" their  summer  1984  hit  as  a  failed  experiment  so  I  was  a  bit  disappointed  that  it  re-surfaced  on  the  LP. Lyrically  it's  OK , an  anti-nuclear  diatribe  inspired  by  Raymond  Briggs's When  The  Wind  Blows,  the  mother  of  the  title  clearly  Mrs  T - "Follow  in  the  footsteps  of  a  soldier  girl". It's  the  music  that's  ugly,  an  attempt  to  ape  British  contemporary  Scritti  Politti's  flirtation  with  brutalist  electro-rhythms . Of  course  Green  Gartside  knew  to  sugar  the  pill  with  his  saccharin  vocal  stylings  but  here  you  have  Orzabal  at  his  most  hectoring and  tuneless  and  then  he  adds  some  abrasive  guitar  to  make  it  worse. I  didn't  like  it  then  and  I  don't  now.

Side  Two  starts  with  "I  Believe" (the  patience-testing  5th  single)  which  they  originally  inteneded  to  offer  Robert  Wyatt  hence  the  dedication in  the  subtitle. Whether  Wyatt  appreciated  it  isn't  known  but  it's  clearly  in  thrall  to  his  Shipbuilding  from  three  years  earlier  with  its  combination  of  bluesy  piano, downbeat  jazz  and  drowsy but  heartfelt  vocal. The  lyric  sounds  suspiciously  like  it's  directed  at  Orzabal's  estranged  father  - "I  believe  that  if  you're  bristling  while  you  hear  this  song, I could  be  wrong  or  have  I  hit  a  nerve ?" It's  well-realised  but  not  really  my  thing  and  unfortunately  the  album's   best  pointer  to  the  sound  of  the  next  LP.

Then  comes  the  confusion  with  two  songs  that  share  some  lines  and  a  keyboard  motif. First  up  is  "Broken"  an  unashamed  rock  track  with  another  thunderous  bassline  and  fast  guitar  licks. Orzabal  comes  in  halfway  through  with  another  despairing  lyric  then  it's  over.

"Head  Over  Heels"  follows , a  close  cousin  to  "Shout"  with  its  steady  pace  and  Hey  Jude  chanted  refrain. The  nearest  thing  to  a  conventional  love  song  the  group  recorded (perhaps  significantly  Smith  has  a  co-writer's  credit  here )  it  doesn't  quite  live  up  to  the  promise  of  its  superb  grand  piano and  guitar  intro  (used  to  great  effect  in  Donnie  Darko ) . I  don't  think  the  constant  shifts  in  pitch  of  Orzabal's  vocal  do  it  any  favours  either. After  concluding  with  the  same  final  verse  as  "Broken"  it  segues  into  a  brief  snatch  of  "Broken"  from  a  live  recording.

The  final  track  "Listen"  emerges  from  the  subsequent  applause. It's the  only  really  synth-led  track  and  does  feel  like  a  bone  thrown  to  fans  of  their  previous  sound. That  said,  it  owes  more  to  Ommadawn-era  Mike  Oldfield  and  Pink  Floyd  (the  blistering  slide  guitar  in  the  latter  stages  had  me  checking  the  credits  for  a  David  Gilmour  cameo; it  isn't  him) than  their  New  Romantic  peers. The  haunting  choral  synth  motif  runs  throughout  the  song  apart  from  Smith's   two  brief  verses  about  Russia and  America  which  suggest  a  Cold  War  theme. It  establishes  a  call  and  response  structure  where  the  answers  come  from  Marilyn  David's  operatic  stylings, Orzabal's  African  chanting, the  odd  sound  effect  and  the  aforesaid  guitar. It's  ambitious  but  they  pull  it  off  and  it's  my  favourite  track.

The  public  voted  with  their  wallets  to  make  this  one  of  the  big  albums  of  the  eighties. To  me  it's  good  but  not  quite  great.

50 Forever Running - B-Movie

Purchased :  October  1985

Tracks : Forever  Running / Heart Of  Gold / My  Ship  Of  Dreams / Just  An  Echo / Remembrance Day / Switch On Switch Off / Blind  Allegiance / Arctic  Summer / Nowhere Girl

This  was  real  unfinished  business  from  school ; my  friend  Anthony  and  I  had  nurtured  a  passion  for  this  group  since  1981  waiting  and  waiting  for  them  to  break  big  and  being  consistently  disappointed. Since  "Nowhere  Girl"  hit  the  heights  of  number  68  in  1982  there'd  been  a  David  Jensen  session  in  1983  , a  disappointing  single  with  John  Jellybean  Benitez  ("A  Letter  From  Afar")  but  no  hint  of  an  LP  until  this  suddenly  arrived  in  the  shops   that  autumn. I  rang  Anthony  straight  away  (as  I'd  be  seeing  him  at  Rochdale's  game  the  following  day)  and  duly  bought  him  a  copy  too.

B-Movie  came  from  Mansfield  and  first  attracted  attention  when  they  got  a  track  on  the  Some  Bizarre  album  and  thereby  attracted  the  "futurist" tag  which  probably  did  them  no  favours  in  the  long  run. Their  first  single and  one  of  my  all  time  faves   "Remembrance  Day"  got  to  number  61  in  April  1981  tantalisingly  close  to  a  Top  of  The  Pops  appearance  which  might  have  broken  them  in  the  UK. Instead  the  second  single  "Marilyn  Dreams" failed  to  chart  at  all  and  while  "Nowhere  Girl  "  made  68  on  the  back  of  support  from  David  Jensen  it  failed  to  go  further.  It  seemed  that  they  were  falling  between  two  stools, their  themes  were  too  dark  for  daytime  radio  and  yet  they  were  too  melodically  accessible  to  attract  the  student  fanbase  for  bands  like  Sisters  Of  Mercy  and  Echo  And  The  Bunnymen. Their  progress  was  interrupted  by  keyboard  player  Rick  Holliday  leaving  to  form  Six  Sed  Red  and  they  were  dropped  by  Deram. The  Benitez  single  and  this  LP  came  out  on  Sire.

The  opening  title  track  gives  some  idea  of  what  to  expect  with  producer  Stephen  Stewart-Short  (later  to  work  with  Fuzzbox)  clearly  given  a  brief  to  make  their  sound  as  big  and  contemporary  as  possible  with  the  emphasis  on  the  heavy  drum  sound  of  session  man  Graham  Broad  (the  80s'  Clem  Cattini) .  Hence  the  first  minute  or  so  of  false  starts  sounds  like  an  Art  of  Noise  sampler and  you  get  a  sense  that  the  band,  now  slimmed  down  to  vocalist  Steve  Hovington,  Paul  Statham  doubling  up  on  guitar  and  keyboards  and  bassist  Martin Winter  are  bit  part  players  on  their  own  record. Eventually  the  song  proper  starts   and  it's  pretty  good  with  a  punchy  trumpet  riff  from  Tim  Hammond  and  a  nifty  piano  break  from  Statham. Hovington  sings  of  the  escape  provided  by  his  lover  from  the  life  of  a  provincial  bookworm - "From  the  balcony  I'll  throw  Jean  Genet" - and  the  music  provides  the  appropriate  propulsion.

"Heart  of  Gold" (a  Hovington /Statham) stays  with  this  theme  of  liberating  love - "she  melts  the  ice  between  my  toes" - but  the  music  is  a  bit  lumpy  by  comparison. Broad's  tub-thumping  overpowers  the  acoustic  strumming  and  one-finger  keyboard  motif. Jem  Benson's  saxophone  adds  a  bit  of  colour  to  the  song;  the  Scritti-esque  hip  hop  break  detracts.

"My  Ship  Of  Dreams" was  originally  a  song  called  "Amnesia"  and  featured  in  the  1983  David  Jensen  session  but  the  lyric  has  been  completely  changed  to  produce  a  lighter   song  about  daydreaming. It's  round  about  this  point  that  you  start  to  notice  Steve  Hovington's  vocal  limitations ;  his  stern  baritone  stays  in  tune  but  is  otherwise  inflexible  and  becomes  wearing  on  the  lesser  songs.
Certainly  a  greater  use  of  backing  vocals  would  have  helped. Hovington  actually  speaks  the  second  verse  in  the  style  of  Richard  Burgess on  Landscape's  European Man.  The  drums  are  toned  down   a  bit  to  give  the  track  an  airier  feel

"Just  An  Echo"  is  a  good  song  struggling  to  be  heard  through  the  layers  of  over-production. Hovington struggles  to  sing  the  verses  in  a  higher  key  as  a  deluded  lover  (possibly  suffering  from  De  Clerambault's  syndrome)   while  reverting  to  the  norm  for  the  chorus  which  recognises  the  unreality. It  ends  rather  strangely  with  a  middle  eight  which  becomes  an outro  when  you're  expecting  another  chorus.

Then  we  come  to  "Remembrance  Day"  which  is  a  re-recording  of  their classic  debut  single. This  was  always  fraught  with  danger  since the  song  was  pretty  damned  perfect  to  begin  with  and  on  first  listen  I  loathed  it  and  always  skipped  it  thereafter. Quarter  of  a  century  on  it's  inferior  but  not  that  bad. Statham's  new  guitar  part  lacks  the  clipped  urgency  which  gave  the  original  version  its  momentum  while  Hovington  starts  declaiming  instead  of  singing  the  lyrics  in  the  last  verse, a  tell-tale  sign  of  boredom  with  the  song. However  the  essence  of  the  song  is  intact, an  unflinching  look  at  death  - "songs  will  never  bring  them  back  ! " - with  a  hauntingly  simple  keyboard  hook.

Side  Two  starts  with  "Switch  On  Switch  Off" , to  the  best  of  my  knowledge  the  only  single  released  from  the  LP  by  Sire. It  sounds  like  a  good  choice, a  pacy slab  of  contemporary  pop  rock  extolling  positive  thinking  that  owes  more  than  a  little  to  Ultravox  but  it  did  nothing. With  a  modicum  of  airplay  it  could  have  been  a  sizeable  hit  but  I  didn't  hear  it  once. Perhaps  Sire  were  too  busy  pulling  more  tracks  off  Like  A  Virgin  at  the  time  to  plug  it  effectively.

The  album  progresses  with  a  couple  of  lesser  tracks. "Blind  Allegiance"  is  a  ponderous  treatise  on  conformity  with  Benson's  clarinet  and  saxophone  trying  to  compensate  for  the  lumpen  bassline  and  now-boring  drum  clatter.

"Artic  Summer"  is  a  slow  burning  keyboard  ballad  that  would  like  to  be  New Dawn  Fades (the  ascending  keyboard  melody  is  very  similar )  but  falls  well  short  due  to  Hovington's  droning  vocal  and  adolesecent  lyrics   and  Broad's  intrusive  hammering. The  closing  piano  coda  is  quite  nice  though.

That  leaves  "Nowhere  Girl"  also  re-recorded  but  with  better  results. There's  an  added  acoustic  guitar  line  to  make  it  sound  less  1982  synth-dependent   and  Broad  gives  the  drums  more  oomph  than  original  drummer  Graham  Boffey  but  the  song's  more  or  less  intact. Over  a  simple  melancholic  keyboard  line  Hovington  sings  of  trying  to  reach  a  reclusive  girl  "in  self-enforced  exile"  although  there's  a  menacing  undertone  that  suggests  he's  more  stalker  than  sympathetic.

So  that  was  it. After  a  four-year  wait, an  album  that  was  good  but  not  great. Commercially  and  critically  it  bombed  despite  a  tour  to  promote  it (I  saw  them  at  Leeds  University  Union  a  couple  of  weeks  later  despite  being  expected  to  help  run  the  SDP  Society  disco  elsewhere  in  the  same  building) . Record  Mirror  handed  it  to  their  hatchetman  Robin  Smith  for  a  trademark  one-star  demolition  job  the  essence  of  which  was - hopeless  futurist  act  that  missed  the  boat. That's  far  too  harsh  when  trash  like  King  and  The  Thompson  Twins  were  still  selling  but  Smith  had  identified  that  there  was  a  smell  of  failure  around  the  band  which  probably  accounted  for  the  lack  of  radio  interest  that  doomed  them.

The  band  split  in  1986. Statham  found  some  US  success  working  with  Peter  Murphy  in  the  early  90s  while  Hovington  re-surfaced  in  a  group  called  One  in  the  late  80s. I  found  their  LP  going  cheap  around  1992  and  their  name  corresponds  with  the  number  of  plays  I  gave  it. I  was  so  appalled  it  went  to  a  jumble  sale  the  same  night  setting  a  benchmark  for  the  shortest  duration  of  time  spent in  my  record  collection. The  band  have  reformed  recently.

49 Giants - The Bolshoi

Purchased : October  1985

Tracks : Fly / Sliding  Seagulls / Hail  Mary / Giants / Happy  Boy / By  The  River

This  was  one  of  two  LPs  bought  on  the  same  day on  a  Friday  afternoon  visit  to  the  shopping  centre  in  Leeds. As  a  mini-LP  it  was  available  at  mid-price  and  was  bought  on  the  strength  of  the  single  "Happy  Boy " which  I'd  heard  a  couple  of  times  on  the  Janice  Long  show. I  was  also  on  the  lookout  for  an  upcoming  guitar  band  with  serious  lyrics  that  I  could  sell  to  Sean, still  wanting  to  taste-shape. I  clearly  remember  that  this  is  the  one  I  played  first.

The  Bolshoi  were  from  Yeovil  and  had  previously  released  one  poorly-received  single  "Sob  Story" (not  included  here ) on  Beggar's  Banquet. They  played  a  form  of  Goth-lite  with  - sometimes at  least -  an  ear  for  melody  and  songs  that  were  more  rooted  in  every  day  provincial  life  than  their  peers.

"Fly"  is  fairly  typical, a  song  of  bedsit  ennui  and  desire  to  escape.   The  first  few  bars  suggest  Rat Trap   but  it  settles  into  a  Goth  rock mode  with  heavy  snare, strutting  bass  and  dense  acoustic  strumming  allowing  singer/guitarist  Trevor  Tanner  to  swoop  around  with  Keith  Levine  slashes. It's  a  decent  opening  track.

"Sliding  Seagulls"  is  a  curate's  egg  of  a  song  with  discordant  guitar  sounds  rubbing  up  against  Paul  Clark's  keyboards  on  the  tuneful  bridge. It's  not  altogether  pleasant  with  distasteful  references  to  a  leper  and  a  suggestion  that  it's  being  sung  from  the  point  of  view  of  a  mentally -ill  person - "So  I'm  out  for  the  day". You  also  start  to  notice  Tanner's  mannered  singing  style,  always  likely  to  speak   the  next  line  in  a  camp voice  like  a  modern  day  Rex  Harrison.

"Hail  Mary"  conjures up  a  Welcome  Home  Roxy  Carmichael  scenario  of  small  town  envy  at  the  one  that  got  away  - "She  don't  come  down the  club  anymore"  but  it  seems  only  half-formed. The  first  verse  is  an  incoherent  jumble  of  naff  rhymes  made  worse  by  Tanner's  grating  self-indulgent  key  shifts . There's  not  enough  melody  either  to  compensate  for  the  tom-tom  battery  throughout  the  song. You  don't  blame  Mary  for  wanting  to  get  away  from  this.

The  title  track  opens  Side  Two  and  doesn't  improve  matters. Lacking  either  tune  or  chorus  it's  a  very  sub-Banshees  slab  of  Goth  rock about  nightmares except  that  Jan  Kalicki's  pedestrian  tub-thumping  doesn't  hold  a  candle  to  Budgie's  work. The  added  colour  of  icy  piano chords  and  harmonica  doesn't  help  much. It  concludes  with  Tanner's  nursery  rhyme  incantation   spinning  out  the  song  to  nearly  5  minutes.

Relief  is  on  hand  with  "Happy  Boy"  a  tale  of  illicit  gay  love - "moving  it  up with  a  friend called  Jimmy "  and  imminent  escape  that  would  have  fitted  in  nicely  on  Suede's  debut  eight  years  later. This  is  a  long  version  , perhaps  a  bit  too  long , but  the  band  show  a  grasp  of  melody  and  song  dynamics  that's  not  in  evidence  elsewhere. Built  around  the  brooding  undulations  of  Nick  Chown's  bass  Tanner's  prowling  verses  explode  into  the  tuneful  chorus  where  Clark  and  Kalicki  fill  out  the  sound. Tanner  even  manages  a  brief  guitar  solo  in  the  middle  eight. It's  head  and  shoulders  above  anything  else  here.

The  semi-acoustic closer,  "By  The  River"  strives  to  be  ethereal  and  mysterious  but  doesn't  go  anywhere  after  an  attractive  intro. There  aren't  enough  ideas  for  three  minutes  let  alone  nearly  six  and  your  attention  wanders.

So  all  told , the  LP  was  a  big  disappointment. Luckily  their  next  single  was  an  absolute  cracker  so  I  was  willing  to  give  them  another  chance  and  write  this  off  as  a  case  of  running  before  you  can  walk. 

48 Low Life - New Order

Purchased :  August  1985

Tracks :  Love  Vigilantes / The  Perfect  Kiss / This  Time  Of  Night / Sunrise / Elegia / Sooner  Than  You  Think / Subculture / Face  Up

This  was  bought  on  a  visit  to  Manchester   from  HMV  on  a  lovely  sunny  afternoon. I  was  taking  a  punt  with  it  having  fallen  out  of  love  with  "Power  Corruption  and  Lies" and  never  started  with  "Movement". I  didn't   rate  "Confusion"  or  "Thieves  Like  Us"  either  and  never  actually  heard  "The  Perfect  Kiss"  as  it  failed  to  reach  the  Top  40  (probably  because  it  was  one  over-long  single  too  many). However  Smash  Hits  had  given the  LP  a  good  review  and  it  was  very  nicely  packaged  so  I  gave  them  another  chance  to  impress  me  and  they  did.

Critical  consensus  says  that  1989's  "Technique" is  their  best  LP  but  for  me  it's  this  one. The  photos  of  the  band  on  the  sleeve  are  an  indicator  of  their  willingness  to  slew  off  the  last  trappings  of  post-punk  belligerence  and  embrace  the  fame  their  music  had  earned  them. Musically  they  were  now  writing  proper  songs  rather  than  Barney  coming  up  with  some  dogggerel  to  hang  on  a  riff  at  the  last  moment. Why  it  wasn't  more  commercially  successful  is  still  a bit  baffling  to  me  but  hey-ho  they  survived  and  prospered.

This  LP  set  the  template  for  their  subsequent  efforts . Although  the  songs  are  credited  to  the whole  group  it's  clear  from  their  work  apart  that  Barney  comes  up  with  the  aynthesiser - based  dance  tracks   and  Hooky  the  rockier  ones  with  his  bass  the  lead  instrument. It's  the  friction  between  these  musical  poles  and  the  suffusion  of  melancholy  from  their  tragic  past  that  makes  them  unique  and  compelling.

"Love  Vigilantes"  is  probably  the  closest  they  came  to  re-writing  Love  Will  Tear  Us  Apart  with  a  similar  ringing  bass  and  guitar  interplay  although  Steve  Morris's  crashing  snare  owes  more  to  Springsteen's  Dancing  In  The  Dark  and  Barney  adds  some  melodica  at  the  beginning. The  tongue-in-cheek  lyric explores  similar  ideas  to  Stop  the  Cavalry  with  a  soldier  longing  for  demob  to  see  his  wife  and  family  again. It's  an  effective  opening  statement  of  their  intent  to  write  conventional  pop  songs  but  there's  better  stuff  to  come.

"The  Perfect  Kiss"  is  next,  perversely  in  shortened  form. With  deliberately  simplistic  lyrics  Barney  tells  the  tale  of  a  suicidal  friend  and  it's  not  hard  to  work  out  what  the  inspiration  for  that  was. Hooky's  dolorous  bass  is  the  melodic  lead  soon  echoed  by  the  synth  while  Steve  Morris  puts  down  a  bed  of  electronic  percussion. There's  a  long  instrumental  coda  which  throws  cricket  noises  and  cowbells  into  the  mix  before  the  bass  re-asserts  itself  at  the  conclusion. It's  a  good  song but  over-busy.

"This  Time  Of  Night"  bridges  Cabaret  Voltaire  and  the  Pet  Shop  Boys  with  a  low  synth  rumble  and  whispered  vocal  loaded  with  sexual  menace  on  the  verses  followed  by  a  sweeping  lovesick  chorus. The  Billy  Currie - esque  piano  break  in  the  middle  is  an  interlude  before  a  more  aggressive  second  verse  and  chorus  where  Barney  starts  ad-libbing  behind  his  main  vocal  suggesting  the  sexual storm  is  breaking.

Hooky  leads  us  out  of  that  track  with  a  typical  bass  solo  and  into  "Sunrise" where  he's  clearly in  control. It  seems  at  least  in  part  a  pastiche   of   their  southern  contemporaries  The  Cure  who  were  a  bit  faster  in  embracing  a  poppier  direction. Hook's  Gallup-ing  bass  is  the  dominant  instrument  and  Barney  does  a  very  creditable  impersonation  of  Robert  Smith's  mawkish  tones  on  a  song  full  of  unspecific  complaint.  The  ascending  synth  break  that  takes  the  place  of  a  chorus  seems, along  with  the  title, a  deliberate  reference  back  to  New  Dawn  Fades.

Side  Two  throws  a  curveball  with  "Elegia"  a  haunting  instrumental  somewhere  between  Philip  Glass  and  Mike  Oldfield  with  Hooky's  doleful  bass  prowling  around  beneath  the  pastoral  synth  melodies. Morris  eventually  intervenes  as  a  herald  of  Barney's  brief  but  devastating  burst  of  distorted  guitar bursting  the  bubble  of  bliss  just  as  the  world's  realities  erased  Holden  Caulfield's  idyllic  ambition. The  band  haven't  done  anything  quite  like  it  since.

The  mood  lingers  into  "Sooner  Than  You  Think"  which  after  a  lengthy  intro  settles  into  a  wistful  song   about   the  end  of  a  holiday  romance  with  the  startling  couplet  "The  price  of  a  drink  there  is  so  much  more  reasonable / I  think  I'll  go  there  when  it  gets  reasonable." The  most  seamless  meld  of  rock  and  dance  on  the  LP  it's  a  clear  precursor  to  "World  In  Motion".

My  favourite  song  on  the  LP   "Subculture"  follows. After  a  startling  intro  using  the  harpsichord  pre-set  it  becomes  a  Hi-NRG  disco  song  of  sexual  blackmail -"  you  can't  shag  without  someone  else"  - on  a  bed  of  the  sort  of  synth  noises  that  Stock  Aitken  and  Waterman  would   shortly  flog  to  death. Barney  provides  a  deapan  vocal  but  the  real  killer  is  the  middle  eight  where  a  percussion  break  gives  way  to  the  harpsichord  motif   and  Hooky  enters  like  a  storm  cloud  with  a  ringing  bass  line  that  takes  the  drama  to  a  new  level. The  band  re-recorded  it  for  a  second  single  release  and  ballsed  it  up  with  superfluous  clutter  a  la  "Confusion". This  remains  by far  the  best  version.

In  this  company  the  final  track  "Face Up"  is  a  bit  of  a  disappointment. After  yet  another  excellent  intro  it turns  out  to  be  a  virtual  re-write  of  "Temptation" with  a  very  similar  mix  of  twitchy  synths , heavy  backbeat  and  throwaway  lyrics. It's  acceptable  enough  but  seems  like  a  backward  step  after  what  we've  just  heard.

I  don't  think  New  Order  have  strayed  too  far  from  the  sound  they  first  perfected  here ; you  can  hear  echoes  of  these  songs  in  most  of  their  subsequent  material  which  isn't  meant  to  be  a  criticism.
Accordingly  we'll  meet  them  again  here  but  this  one  is  the  cherry  on  the  cake.

47 Rage In Eden - Ultravox

Purchased :  August  1985

Tracks :  The  Voice /  We  Stand  Alone / Rage  In  Eden / I  Remember / The  Thin  Wall / Stranger  Within / Accent  On  Youth / The  Ascent / Your  Name

This  was  bought  in  Leeds  on  a  visit  to  change  some  library  books.

It  was  originally  released  in  September  1981  when,  post-Vienna , Ultravox  seemed  poised  to  become  superstars. Even  an  EP  of  material  recorded  by  the  John  Foxx  line-up  had  been  a  hit. With  the  combination  of  serious  musicianship  and  accessible  tunes  they  looked  set  to  become  the  ELO  of  the  Eighties. A  strong  LP  would  have consolidated  their  position.

But  "Rage  In  Eden "  was  never  going  to  do  that. The  band  took  a  left  turn  and  recorded  the  darkest   of  the  five  albums  produced  by  the  Midge  Ure  line  up.  It  was  poorly  received  and  after  hitting  number  4  disappeared  quickly  from  the  charts  in  part  because  only  two  singles  were  lifted  from  it. Ultravox  remained  a  popular  act  until  Ure's  departure  and  their  greatest  hits  collection  was  a  big  seller  in  1984  but  they  never  again  threatened  to  become  seriously  huge.

The  album  gets  off  to  a  flying  start  with  a  long  version  of  one  of  their  strongest  singles "The  Voice". Billy  Currie's  jolting  phased  synths  lead  in   then  Chris  Cross's  aggressive  bass  and  Warren  Cann's  brittle  drumming  lock  together  and  Midge  Ure  sings  a  low  verse  full  of  foreboding  about  being  seduced  by  oratory. This  gives  way  to  a  classic  melodramatic  chorus  with  the  others  offering  a  low  almost  monastic  harmony  to  Ure's  urgent  tones. The  middle  eight  is  particularly  good  Ure's  guitar  squalls   set  off  against  Currie's  grand  piano  chords  before  Cann  brings  them  both  to  heel  with  emphatic  crashes.

"We  Stand  Alone"  ups  the  aggression  factor  with  Cross 's  brutalist  bass  synth, Cann's  frantic  pounding  and  Ure  playing  some  choppy  post-punk  guitar  behind  his  doleful  main  chords. The  lyrics  paint  a  picture  of  a  doomed  couple  "this  gigolo  and  gigolette" led  astray  and  facing  some  aful  fate  but  taking  comfort  in  posthumous  glory.  Ure's  vocal  is  suitably  heroic  and  Currie  adds  colour  with  his  sweeping  synths  and  viola  in  the  middle  eight.

Then  the  pace slows  down  for  the  title  track. This  is  the  missing  link  between  "Vienna"  and  Joy  Division's  The  Eternal  combining  the  mechanical  rhythm  of  the  former  with  the  air  of  paralysed  despair  of  the  latter. It's  not  as  good  as  either  and  doesn't  benefit  from  Conny  Plank's  murky  production  which  dissolves  into  Radioactivity   crackle  at  the  fade. I'm  not  sure  what  purpose  using  the  hook  from  the  following  track  played  backwards  as  the  chorus  serves  either.

"I  Remember (Death  In  The  Afternoon)"  is  possibly  my  favourite  Ultravox  song  although  again  I  would  question  Plank's  production  - Ure  seems  too  low  in  the  mix. The  band  said  at the  time  it  was  inspired  by  the death  of  John  Lennon   though  the  lyrics  conjure  up  more  of  a  Big  Chill  picture  of  lamenting  lost  youth (it's  worth  remembering  that  all  the  band  were  round  about  30 at  this  point  in  time).  The  greatness  of  the  song  lies  in  the  tension  between  the  urgency  of  the  bass  synth  pulse  and  Cann's  powerful  drumming  and  Currie's  stately  piano  chords. Ure  sings  economically  but  is  allowed  to  let  rip  with  a  feedback  guitar  solo  in  the  lengthy  middle  eight . He  gradually  disappears  in  the  long  fade  out  until  all  we're  left  with  is  Currie's  questioning  piano  riff.

The  weaker  Side  Two  begins  with  "The  Thin  Wall"  which  I  was  disappointed  by  as  a  single  with  its  ungainly tuneless  verses  and  weak  chorus. Interestingly  there's  a  line  "They  shuffle  with  a  bovine  grace"  which  accurately  describes  the  sound  as  Ure  struggles  to  phrase  the  spiky  words  atop  the  too-upfront  bass  synth  patterns. The  lyric  could  be  read  as  a  critique  of  the  New  Romantic  scene  with  a  threat  of  imminent  doom  a la  Einstein A Go-Go  which   is  a  bit  like  having  your  cake  and  eating  it. It  would  have  fit  Visage  better  to  be  honest.

Despite  being  over  seven  minutes  long  "Stranger  Within"  is  better. It's  the  most  Kraftwerkian  track  despite  Ure's  choppy  guitar  and  occasional  bass  plucks  from  Cross  with  Currie's  sombre  keyboard  melody  the  main  hook. Lyrically  it's  the  darkest  song  its  tale  of  paranoia  and  mental  decay  entering  Ian  Curtis  territory  and  Ure's  vocal  is  suitably  anguished. The  instrumental  last  couple  of  minutes  do  seem  a  bit  unnecessary  but  it's  still  an  impressive  song.

"Accent  On  Youth"  is  the  most  uptempo  track  on  this  side  with  Cann  reverting  to  real  drums. The  band  avoid  the  usual  pitfalls  of  writing  about  youth  by  portraying  it  as  a  time  of  torment  subject  to  the  tyranny  of   impulse  "We  stumble  blindly  chasing  something  new  and  something  sinful". Ure's  wracked  vocal  and  wailing  guitar  and  Currie's  abrasively  pitched  synths  convey  this  riot  of  Catholic  conflict  well.

"The  Ascent"  is  really  just  an  extended  coda  to  the  previous  song  and  seems  more  of  a  concession  to  Billy  Currie's  desire  to  get  his  violin  out  than  anything  else.

It  ends  abruptly , an  echoing  drum  crash  heralding  "Your  Name  (Has  Slipped  My  Mind  Again) "  a  sparse,  funereal  ballad  wherein  the  process  outlined  in  "Stranger  Within"  appears  to  have  played  itself  out  and  not  in  a  good  way. Ure's  numbed  vocal  and  the  vague  murmurs  from  the  rest  of  the band  hint  at  white  rooms and  sedation with  only  Currie's  minor  chords  and  Cann's  cavernous  single  beats  for  company. It's  not  melodic  enough  to  really  grab  me  but  an  impressive  stab  at  real  bleakness  nevertheless.

That  could  be  said  for  the  whole  album  really. It's  not  perfect  and  the  second  side  in  particular  is  a  bit  hit-and-miss  but  it  stands  alongside  other  sombre  offerings  in  the  post-Closer  period  and  has  aged  pretty  well.