47 Rage In Eden - Ultravox

Purchased :  August  1985

Tracks :  The  Voice /  We  Stand  Alone / Rage  In  Eden / I  Remember / The  Thin  Wall / Stranger  Within / Accent  On  Youth / The  Ascent / Your  Name

This  was  bought  in  Leeds  on  a  visit  to  change  some  library  books.

It  was  originally  released  in  September  1981  when,  post-Vienna , Ultravox  seemed  poised  to  become  superstars. Even  an  EP  of  material  recorded  by  the  John  Foxx  line-up  had  been  a  hit. With  the  combination  of  serious  musicianship  and  accessible  tunes  they  looked  set  to  become  the  ELO  of  the  Eighties. A  strong  LP  would  have consolidated  their  position.

But  "Rage  In  Eden "  was  never  going  to  do  that. The  band  took  a  left  turn  and  recorded  the  darkest   of  the  five  albums  produced  by  the  Midge  Ure  line  up.  It  was  poorly  received  and  after  hitting  number  4  disappeared  quickly  from  the  charts  in  part  because  only  two  singles  were  lifted  from  it. Ultravox  remained  a  popular  act  until  Ure's  departure  and  their  greatest  hits  collection  was  a  big  seller  in  1984  but  they  never  again  threatened  to  become  seriously  huge.

The  album  gets  off  to  a  flying  start  with  a  long  version  of  one  of  their  strongest  singles "The  Voice". Billy  Currie's  jolting  phased  synths  lead  in   then  Chris  Cross's  aggressive  bass  and  Warren  Cann's  brittle  drumming  lock  together  and  Midge  Ure  sings  a  low  verse  full  of  foreboding  about  being  seduced  by  oratory. This  gives  way  to  a  classic  melodramatic  chorus  with  the  others  offering  a  low  almost  monastic  harmony  to  Ure's  urgent  tones. The  middle  eight  is  particularly  good  Ure's  guitar  squalls   set  off  against  Currie's  grand  piano  chords  before  Cann  brings  them  both  to  heel  with  emphatic  crashes.

"We  Stand  Alone"  ups  the  aggression  factor  with  Cross 's  brutalist  bass  synth, Cann's  frantic  pounding  and  Ure  playing  some  choppy  post-punk  guitar  behind  his  doleful  main  chords. The  lyrics  paint  a  picture  of  a  doomed  couple  "this  gigolo  and  gigolette" led  astray  and  facing  some  aful  fate  but  taking  comfort  in  posthumous  glory.  Ure's  vocal  is  suitably  heroic  and  Currie  adds  colour  with  his  sweeping  synths  and  viola  in  the  middle  eight.

Then  the  pace slows  down  for  the  title  track. This  is  the  missing  link  between  "Vienna"  and  Joy  Division's  The  Eternal  combining  the  mechanical  rhythm  of  the  former  with  the  air  of  paralysed  despair  of  the  latter. It's  not  as  good  as  either  and  doesn't  benefit  from  Conny  Plank's  murky  production  which  dissolves  into  Radioactivity   crackle  at  the  fade. I'm  not  sure  what  purpose  using  the  hook  from  the  following  track  played  backwards  as  the  chorus  serves  either.

"I  Remember (Death  In  The  Afternoon)"  is  possibly  my  favourite  Ultravox  song  although  again  I  would  question  Plank's  production  - Ure  seems  too  low  in  the  mix. The  band  said  at the  time  it  was  inspired  by  the death  of  John  Lennon   though  the  lyrics  conjure  up  more  of  a  Big  Chill  picture  of  lamenting  lost  youth (it's  worth  remembering  that  all  the  band  were  round  about  30 at  this  point  in  time).  The  greatness  of  the  song  lies  in  the  tension  between  the  urgency  of  the  bass  synth  pulse  and  Cann's  powerful  drumming  and  Currie's  stately  piano  chords. Ure  sings  economically  but  is  allowed  to  let  rip  with  a  feedback  guitar  solo  in  the  lengthy  middle  eight . He  gradually  disappears  in  the  long  fade  out  until  all  we're  left  with  is  Currie's  questioning  piano  riff.

The  weaker  Side  Two  begins  with  "The  Thin  Wall"  which  I  was  disappointed  by  as  a  single  with  its  ungainly tuneless  verses  and  weak  chorus. Interestingly  there's  a  line  "They  shuffle  with  a  bovine  grace"  which  accurately  describes  the  sound  as  Ure  struggles  to  phrase  the  spiky  words  atop  the  too-upfront  bass  synth  patterns. The  lyric  could  be  read  as  a  critique  of  the  New  Romantic  scene  with  a  threat  of  imminent  doom  a la  Einstein A Go-Go  which   is  a  bit  like  having  your  cake  and  eating  it. It  would  have  fit  Visage  better  to  be  honest.

Despite  being  over  seven  minutes  long  "Stranger  Within"  is  better. It's  the  most  Kraftwerkian  track  despite  Ure's  choppy  guitar  and  occasional  bass  plucks  from  Cross  with  Currie's  sombre  keyboard  melody  the  main  hook. Lyrically  it's  the  darkest  song  its  tale  of  paranoia  and  mental  decay  entering  Ian  Curtis  territory  and  Ure's  vocal  is  suitably  anguished. The  instrumental  last  couple  of  minutes  do  seem  a  bit  unnecessary  but  it's  still  an  impressive  song.

"Accent  On  Youth"  is  the  most  uptempo  track  on  this  side  with  Cann  reverting  to  real  drums. The  band  avoid  the  usual  pitfalls  of  writing  about  youth  by  portraying  it  as  a  time  of  torment  subject  to  the  tyranny  of   impulse  "We  stumble  blindly  chasing  something  new  and  something  sinful". Ure's  wracked  vocal  and  wailing  guitar  and  Currie's  abrasively  pitched  synths  convey  this  riot  of  Catholic  conflict  well.

"The  Ascent"  is  really  just  an  extended  coda  to  the  previous  song  and  seems  more  of  a  concession  to  Billy  Currie's  desire  to  get  his  violin  out  than  anything  else.

It  ends  abruptly , an  echoing  drum  crash  heralding  "Your  Name  (Has  Slipped  My  Mind  Again) "  a  sparse,  funereal  ballad  wherein  the  process  outlined  in  "Stranger  Within"  appears  to  have  played  itself  out  and  not  in  a  good  way. Ure's  numbed  vocal  and  the  vague  murmurs  from  the  rest  of  the band  hint  at  white  rooms and  sedation with  only  Currie's  minor  chords  and  Cann's  cavernous  single  beats  for  company. It's  not  melodic  enough  to  really  grab  me  but  an  impressive  stab  at  real  bleakness  nevertheless.

That  could  be  said  for  the  whole  album  really. It's  not  perfect  and  the  second  side  in  particular  is  a  bit  hit-and-miss  but  it  stands  alongside  other  sombre  offerings  in  the  post-Closer  period  and  has  aged  pretty  well.

46 A Word To The Wise Guy - The Mighty Wah

Purchased : August  1985

Tracks :  Yuh  Learn I / Weekends / Everwanna / The  Lost  Generation / Yuh  Learn II / I  Know  There  Was  Something / Yuh  Learn III / In  The  Bleak  Body  And  Soul  Midwinter / Papa  Crack / What's  Happening  Here / Yuh  learn IV / Come  Back

This  was  another  purchase  from  the  WH  Smith  cassette  sale.

Now  known  as  The  Mighty  Wah  this  was  the  group's  second  proper  LP  released  on  their  new  label  Beggar's  Banquet  in  the  summer  of  1984  following  another  Top  20  hit  with  "Come  Back". Despite  this  it  barely  peaked  above  their  hitless  debut  and  the  band  were  dropped  once  more. When  Wlie  re-surfaced  on  Siren  in  1986  it  was  under  his  own  name.

As  evidenced  by  the  Baconesque  cover  art  this  is  a  grandiose  concept  LP  in  which  Wylie  attempted  to  match  Alan  Bleasdale  in  conveying  the  sufferings  of  Liverpool  in  the  eighties  this  time  in  music. Wylie  himself  has  since  referred  to  it  as  "Boys  From  The  Blackstuff - The  Musical".

Does  it  live up  to  that  billing ? - well, not  really. Even  the  duller  bits  of  Blackstuff   were  still  watchable -some  of  this  is  awful. And  it  starts  off  badly  with  "Yuh  Learn I"  the  first  of  a  four  part  pseudo-rap  lecture  that  pops  up  like  a  bad  smell  throughout  the  album  each  time  more  annoying  than  the  last. The  rapper  is  one  Eugene  Lange  whose  similarity  to  Craig  Charles  is  his  only  calling  card.  His  state  of  the  nation  address  is  backed  by  a  very  aggravating  drum  machine  and  a  frantic  fretless  bass  from  Washington. It's  barely  two  minutes  long  but  feels  like  at  least  twice  that.

Thankfully  it  gives  way  to  "Weekends"  one  of  the  better  songs  and  the second  single  though  not  a  hit. More  pertinent  now than  then,  it  concerns  proletarian  dreams  of  celebrity  and  travel  namechecking  the  razor-advertising  Victor  Khayam  and  Duran  Duran. Musically  it  sounds  a  bit  like  U2  if  Larry  Mullen  were  replaced  by  a  cheap  metronome  but  the  tune's  pretty  good  even  if  Wylie's  vocal  is  a  bit  screechy.

"Everwanna"  falls  into  the  oh-so-eighties  trap  of  aping  black  soul  music  for  greater  "authenticity". So  you  get  frantic  gospel  singers  on  an  over-busy  sub-Dexy's  track  with  blaring  horns  and  talk  of  "your  turn  to  testify". I  like  Wylie's  cheeky  Lulu  impersonation  on  the  intro  and  Washington's  bassline  but  otherwise  it's  a  pretty  hollow  experience.

"The  Lost  Generation "  is  more  interesting.After  an  Abba-ish  intro  the  song  harks  back  to  "Seven  Minutes  To  Midnight"  in  its  pace  and  air  of  foreboding. Against  galloping  acoustic  guitars  and  some  nice  descending  keyboard  parts  Wylie  sings  of  the  disappointment  of  youthful  hopes. The  didactism  gets  a  bit  wearing - "don't  stand  by, don't  ever  close  your  eyes"  but  it's  a  decent  tune.

Chairman  Lange  then  gives  us  the  benefit  of  further  wisdom  in  "Yuh  Learn  II" castigating  a  conman  (probably  "Minister  for  Merseyside"  Michael  Heseltine)  and  drug  dealers   before  aggressively  shouting  "Listen ! "  to  fade. We've  bought  the  bloody  album  mate  what  do  you  think  we're  doing ?

This  leads  into  the  eight  minutes  of  "I  Know  There  Was  Something"  which  starts  off  promisingly  with  its  big  chords, melodic  bassline  and  icy  Closer  synth  washes  but  soon  becomes  a  dirge.  The  lyric  seems  to  be  based  on  the  Michael  Angelis / Julie  Walters  episode  of  Blackstuff  with  the  bleak  outlook  taking  it's  toll  on  a  relationship - "the  bubble's  burst  why  don't  you  blow  another ?"
It's  interesting  territory  but  Wylie's  tuneless  bawling  and  an  unlistenable  passage of  atonal  piano  and  unintelligible  muttering  four  minutes  in  just  destroy  it

Side  Two  begins  with  "Yuh  Learn  III"  mercifully  shorter  than  the  other  sections  and  ending  with  a  pointless  percussion  break. This  leads  into  the  album's  best  song  "In  The  Bleak  Body  And  Soul  Midwinter".  A  dense  intro  leads  into  a  fast  paced   rock  track  led  by  Washington's  bass. The  simple  melody  is within  Wylie's  range  so  for  once  the  backing  singers  seem  like  they're  complimenting , rather  than  compensating  for him. Being  addressed  to  Josie  Jones  there's  a  welcome  hint  of  optimism  in  the  lyrics  too.

Unfortunately  we  then  have  the  near-seven  minute  blaxploitation  pastiche  "Papa  Crack". It's  a  fairly  obvious  attempt  to  re-write  Papa  Was  A  Rolling  Stone  for  the  80s   and  the  wah-wah  guitars  and  Isaac  Hayes  floating  flute  are  all  there  but  there's  no  song  just  one  verse  and  then  vague  murmurings  and  chanting. It  sounds  much  more  like  the  uneasy  funk  experiments  of  late-period  Jam  than The  Temptations.

"What's  Happening  Here "  isn't  much  better  with  its  pounding  Northern  Soul  beat  and  obvious  re-cycling  of  the  keyboard  melody  from  their  earlier  single  "Remember". The  lyrics  are  a  stale  re-tread  of  themes  he's  already  done  to  death  -"it  hurts  to  be  helpless"  - and  there's  a  serious  risk  of  boredom  setting  in  by  this  point.

So  along  comes  "Yuh  Learn IV"  dressed  up  with  some  Arabian  flute  but  still  as  painful  as  before  only  you  know  it's  the  last  part  and  there's  only  the  safe  harbour  of  the  single  to  come.

"Come  Back"  is  subtitled  "The  Story  Of  The  Reds" but  it  was  actually  originally  written  about  the  bust-up  with  WEA  before   it  became  a  politicised  plea  to  those  seeking  to  escape  the city. There's  a  line  towards  the  end  celebrating  the  antics  of  the  opportunistic  shyster  Derek  Hatton   which  Wylie  must  surely  regret  now. That  doesn't  spoil  a  fine  song  with  a  rousing  chorus  and  a  thrilling  climactic  keyboard  break  before  the  last  chorus.

So  it's  not  really  a  heroic  failure ,  more  a  case  of  a  moderate  talent  over-reaching  itself  and  not  having  enough  good  songs  to  make  it  work.

45 The Smiths - The Smiths

Purchased :  August  1985

Tracks : Reel  Around  The  Fountain /  You've  Got  Everything  Now / Miserable  Lie / Pretty  Girls  Make  Graves / The  Hand  That  Rocks  The  Cradle / Still Ill / Hand  In  Glove / What  Difference  Does  It  Make / I  Don't  Owe  You  Anything / Suffer  Little  Children

This  was  bought  from  HMV  in  Bolton  prior  to  a  pre-season  Manx  Cup  game  at  Burnden  Park. As  mentioned  in  the  post  on  Hatful  of  Hollow  I  originally  borrowed  this  the  previous  summer  and  fell  in  love  with  it  so  this  was  a  no-brainer  purchase.

Despite  the  album's  difficult  gestation  and  the  band's  reservations  about  the  production, I  think  it's  their  best  and  a  contender  for  my  favourite  LP  of  all  time. I  hadn't  fully  appreciated  Morrissey  and  his  worldview  from  the  singles  I'd  heard  before  the  LP  but  he  was  a  hero  now. In  the  summer  of  1984  I  was  having  particular  difficulties  in  handling  the  conflict  between  Catholicism  and  sexual  feeling  so  hearing  a  singer  that  set  himself  against  sex  was  a  great  comfort.  And  the  music  was  great  too.

Mike  Joyce's  drums  kick  off  "Reel  Around  The  Fountain"  a  tale  of  Maggie  May-esque  sexual  initiation  or is  it  - "take  me  to  the  haven of  your  bed  was  something  that  you  never  said"  ?  With  the  aid  of  lines  copped  from  A  Taste  of  Honey  and  imagery  from  William  Wyler's The  Collector, Morrissey  keeps  us  guessing. Marr  keeps  it  moving  with  a  descending  riff  and  the  sound  is  filled  out  with  guest  musician  Paul  Carrack's  plangent  piano  and  emotive  organ. Morrissey's  vocal is  careworn  but  warm - whoever  he's  addressing  is  still  worthy  of  his  affection.

This  seems  less  likely  with   the  accusatory   "You've  Got  Everything  Now"  seemingly  addressed  to  an  old  schoolmate. One  of  Marr's  best  riffs  bucks  along  on  Joyce's  fat  bassline  while  Mozza  lurches  between  recrimination  and  self  pity  until  the  glorious  point  where  Carrack's  organ  comes  in  on  the  line  "No  I've  never had  a  job  because  I've  never  wanted  one " . Morrissey  presents this  as  a  badge  of  pride and  it's  a  much  more  subversive  show  of  defiance  than  Wham  Rap .

"Miserable  Lie"  probably  isn't  anyone's  favourite  as  it  lacks  the  melodic  subtlety  of  their  best  work. After  a  deceptively  mellow  opening  with  Moz  bidding  farewell  to  someone, Joyce  comes  crashing  in  with  a  pounding  drum  pattern  that  continues  for  the  rest  of  the  song, Marr  trying  to  keep  up  with  him  with  some  doomy  rockabilly  licks. Here  is  Mozza's  most  explicit  rejection  of  sex  as  a  salve  for  a  bruised  life -"  I  laugh  at  yours, you  laugh  at  mine  and  love  is  such  a  miserable  lie"  sung  in  the  flattest, entirely  joyless,   tones  he  can  muster  before  wailing  the  last  lines  and  ad  libbing  in  a  tuneless  falsetto. The  last  minute  or  so  is  actually  quite  difficult  to  listen  to  but  maybe  that's  the  point.

In  any  case  there's  instant  balm  in  the  form  of  "Pretty Girls  Make  Graves"  which  is  as  near  perfection  as  makes  no  difference. Here  is  Orwell's  A  Clergyman's  Daughter  or  Bobby  Goldsboro's  Summer  (The  First  Time)  in  reverse  with  Mozza  fleeing  from  a  sexually  hungry  girl  and  then  watching  in  disgust  as  she  finds  a  more  willing  beau  at  the  seaside. But  it's  not  one  sided  vituperation ; the  girl  is  allowed  to  respond.  "Give  in  to  love, give  up  to  lust,  oh  Heaven  knows  we'll  soon  be  dust"  is  one  of  the  greatest  couplets  in  pop  encapsulating  the  Northern  fatalism  of  Elsie  Tanner  and  Hilda  Ogden  in  barely  a  dozen  words. Little-used  guest  vocalist  Annalisa  Jablonska  is  allowed  to  insert  a  sarcastic  "Oh  Dear"   after  the  second  verse.  Rourke  nudges  the  story  along  with  his  melodic  bassline, Marr  gradually  adding  layers  of  acoustic  and  electric as  the  story  reaches  its  climax. Mozza  signs  off  with  a  ghostly  echo  of  "Hand  In  Glove"  indicating  that  this  might  be  the  end  of  the  relationship  in  that  song  (in  which  case  the  LP  is  mis-sequenced)  while  Marr's  gorgeous  reflective  arpeggios at  the  end  (suggesting  the  empty  beach  after  the  drama  has  been  played  out)   sound  like  a  slowed  down  version  of  the  Echo  Beach  riff.

Side  One  ends  with  the  controversial  "The  Hand  That  Rocks  The  Cradle"  which  was  accused  of  having  paedophilic  undertones. For  the  most  part  its's  clearly  a  declaration  of  an  abandoned  father's  love  for  his  son  which  now calls  to  mind  Cormac  McCarthy's  The  Road  ; it's  the  second  verse's  references  to  giving  way  to  temptation  "just  like  a  moth  to  a  flame"  that  cause  unease. Morrissey's  pushing  the  envelope  here  but  it  occurs; are  there  any  areas  where  art  shouldn't  go ? We'll  come  back  to  this  point  shortly. Musically  it's  the  least  interesting  track  with  Marr's  Pretenders-like  riff  endlessly  repeating  and  the  band  even  sounding  a  little  out  of  time  in  places.

"Still  Ill"  opens  Side Two  and  who  else  would  have  come  up  with  a  title  like  that ?  Still  performed  by  Morrissey  it  allows  a  scintilla  of  self-doubt  to  creep  in  amidst  the defiant  anti-work  stance  (the  line  "England  is  mine  and  it  owes  me  a  living"  could  be  a  manifesto  for  the  likes  of  Shameless  Mick)   and  throws  in  another  unsatisfactory  sexual  memory  for  good  measure. Marr  strings  pearls  along  the  top  of  Joyce's  punchy  drumming  and  Rourke's  prodding  bassline.

Then  we  have  the  first  and  third  singles. Perhaps  with  such  an  embarrassment  of  riches  on  the  album  it  would  have  been  better  to  put  them  on  the  first  side  but  that's  a  minor  quibble. "Hand  In  Glove" remains  a  great  clarion  call , a  gesture  of  defiance  against  the  narrow-minded  but  laced  with  characteristic  despair  -"I'll  probably  never  see  you  again". The  music  is  a  stewing  cauldron  of   acoustic  and  electric  held  together  by  Joyce's  strong-armed  drums.

"What  Difference  Does  It  Make"  was  a  remarkable  third  single. Its  unmistakable  stinging  guitar  riff  leads  into  a  Gothic  tale  of  confession  and  recrimination  that  still  intrigues  more  than  a  quarter  century  later. What  heinous  fault  or  deed  has  Morrissey  just  confessed  to  ?  Joyce's  hi-hats  accentuate  the  most  dramatic  points  while  a  blast  of  playground  chatter  crops  up  unexpectedly  two  thirds  of  the  way  through  (bizarrely   recalling  fellow  Mancunian  Mick  Coleman's  Matchstalk  Men  and  Matchstalk  Cats  And  Dogs).

" I  Don't  Owe  You  Anything"  was  the  only  track  I  found  disappointing  at  first ; its  comparitively   mellow  sound   seeming  a  bit  bland  in  such  exalted  company.  Then  a  few  weeks  after  I  purchased  the  LP  it  acquired  a  new  resonance.  Just  after  returning  to  Littleborough  for  the  summer  vacation  I  bumped  into  Sean  (see  the  The  Party's  Over  post)   and  we  arranged  another  reunion  meeting  of the  Travelling  Society  at  his  house  that  July. It  went  well  so  I  suggested  a  follow-up  at  mine  a  few  weeks  later. I  was  playing  this  LP  while  waiting  for  people  to  arrive  then  I  got  a  call  from  Sean  to  say  that  Michael , the  great  prize  at  such  events  had  decided  not  to  come  (it  was  commendable  of  Sean  to  let  me  know  that  in  advance). Crestfallen  at  this, the  line  in  the  song  "You  should  never  go  to  them , let  them  come  to  you"  became  all  too  relevant  and  sage  and  since  then  the  song  has  been  a  favourite.

And  then  we  have  "Suffer  Little  Children"  the  subject  of  a  belated  Private  Eye  "expose"   and  still  one  of  the  most  controversial  songs  in  pop. Only  the  post-Lydon  Sex  Pistols  had  previously  tackled  the  subject  of  The  Moors  Murders  and  then  only  by  jokey  allusion  to  Myra  Hindley  in  the  execrable  No  One  Is  Innocent. Morrissey  tackles  the  subject  head  on  in  a  song  directly  inspired  by  Emlyn  Williams's  seminal  but  not  entirely  factual  account  of  the case,  Beyond  Belief. Williams's  lyrical  evocation  of  1960s  Manchester  did  much  to  fix  the  murders  as  a  Northern  rather  than  British  tragedy  - "oh  Manchester  so  much  to  answer  for"  - however  much  the  Daily  Mail wound  up  its  Home  Counties  readership  against  Lord  Longford. Morrissey  is  merely  following  in  his  footsteps. All  the  band  show  great  restraint  in  their  playing  and  Morrissey's  vocal  is  tinder-dry  and  curiously  hollow-sounding  (no  falsetto histrionics or  yodelling  here) , all  aware  of  the  tightrope  they  were  walking. Joblowska's  imitation  of  a  child's  laughter  is  a  dangerous  addition  but  highlights  the  point  about  Hindley's  exile  from  humanity  effectively. It's  not  a  song  you  want  to  listen  to  all  that  often  but  it's  a  powerful  reminder  that  pop  can  go  as  far  as  other  artforms  in  what  it  addresses.

A  great,  great  LP. That's  all  that  needs  to  be  said. 

44 A Walk Across The Rooftops - The Blue Nile

Purchased  :   July  1985

Tracks : A  Walk  Across  The  Rooftops / Tinseltown In The Rain / From  Rags To  Riches / Stay / Easter  Parade / Heatwave / Automobile  Noise

This  was  purchased  in  Oldham  at  HMV,  my  last  visit  there  for  record-buying purposes  for  some  years. I  was  only  looking  for  the  single  "Tinseltown  In  The  Rain"   but  on  being  told  it  was  deleted  decided  to  splash  out  on  the  LP, at  full  price  too !

They  had  that  effect  on  me  you  see. The  Blue  Nile, the  80s'  most  enigmatic  band , were  my  first  entirely  post-school  enthusiasm. I'd  neither  heard  nor  heard  of  them  until  the  early  summer  of  1984  when  this  album  and  its  first  single  came  out.  I'd  read  the  enthusiastic  reviews  in  Smash  Hits  and  Record  Mirror   and  for  once  I  thought  the  praise  was  justified.

The  album  came  out  on  Linn  records  a  record  label  created  by  a  company  better  known  for  making  electronic  drums  but  whose  representatives  had  been  bowled  over  by  the  music  the  little-known  band  from  Glasgow  University   had  demo'ed  for  them  as  an  advertisement  for  a  piece  of  kit. The  band  were  a  three  piece  with  Paul  Buchanan  on  vocals  and  guitar, Robert  Bell  on  bass  and  Paul  Joseph  Moore  on  keyboards. They  were  in  their  late  20s  and  that's  important  because  this  isn't  kids'  music ; it   reflects  adult  emotions  and  preoccupations. It's  also  utterly  timeless; no  one  coming  to  it  cold  could  confidently  place  it  in  the  brash  world  of  Frankie's  1984.

The  title  track  is  first. It  rises  from  a  bed  of  barely  audible  ambient  keyboards  before  a  single  horn  cues  in  Buchanan. Buchanan's  voice  was  never  going  to  win  them  mass  appeal, cracked  and  world-weary  as  it  is  and  you  can  hear  him  really  straining  for  the  high  notes, but   its  naked  vulnerability  is  necessary  to  prevent  some  of  these  songs  descending  into  Sade-like  bland  tastefulness. The  title  conjures  up  images  of  Mary  Poppins  and  there's  a  filmic  quality  to  all  of  these  songs, Buchanan's  lyrics  containing  vivid  images  such  as  "white rags  falling  slowly  down, flags  caught  on  the  fences".   The  song  is  a  sentimental  farewell  to  the  band's  alma  mater  with  its  sandstone  buildings  and  the  nearby  church  of  St  Steven  mentioned.  It  was  the  song  originally  supplied  to  Linn  originally  with  just  one  instrument  at  a  time  playing  to  demonstarte  their  console's  clarity. Thankfully  that  isn't  the  case  here  but  a  stop-start  structure  remains  with  the  strings  frequently  coming  to  a  sudden  stop. I'm  not  too  keen  on  the  sludgy,  over-loud  bass  and  the  sparse  drums  don't  seem  to  conform  to  any  recognisable  time  signature  but  its  an  effective  opener.

Next  up  is  "Tinseltown  In  The  Rain"  which  doesn't  stand  out  as  much  in  the  context  of  the  LP  as  it  did  as  a  brave  single  in  the  brash  summer  of  1984. Again  the  setting  is  Glasgow  although the  Hollywood  reference  is  surely  deliberate  and  it's  a  wistful  muse  about  the  impermanence  of  love  and  joy- "will  we  always  be  so  happy  go  lucky ? "  which  made  my  19-year  old  self  feel  very  mature  in  appreciating  such  an  adult  song. For  them  it's  brisk  with  a  sawing  guitar  line  that  strangely  echoes  How  Soon  Is  Now  and  sweeping  strings  on  the  chorus. There's  even  a  touch  of  funk  guitar  in  the  middle  which  should  seem  wildly  out  of  place  but  doesn't. This  version  seems  a  tad  too  long  when  it  repeats  the  killer  "Do  I  love  you"  verse  but  that's  the  only  possible  criticism.

"From  Rags  To  Riches"  drops  the  strings  and  their  debt  to  the  more  serious  end  of  synth-pop , Kraftwerk, early  OMD , late  Japan,  becomes  more  obvious. Amid  a  burble  of  synth  noise  and  the  echoey  drum  sound  from  OMD's  Sealand , Buchanan  sings  of  leaving  home  to  make  good, a  theme  stridently  taken  up  by  The  Proclaimers  three  years  later. He  sees  himself  as  a  latter-day  Joseph  making  good  in  a  foreign  land  "I  wear  a  coat  of  many  colours". It's  a  provocative  theme for  polarised  times,  somewhat  mitigated  by  Buchanan's  parched  delivery  and  the  harsh  synthesised  horns  that  punctuate  the  verses   make  it  one  of  the  harder  tracks  to  love.

"Stay"  the  second  single, opens  up  Side  Two  and  is  the  most  conventional  pop  song  on  the  LP  with  its  conventional  beat , clipped  guitar  and  simple  keyboard  lines  putting  it  firmly  in  China  Crisis  territory.  The  song  is  a  plea  from  a  dour,  older  man  to  a  young  and  vivacious  girl  to  stick  with  him - "Stay  and  I  will  understand  you" ,  a  sort  of  Elvis  Costello  song  without  the  sneering. Buchanan's  desperate  cries  at  the  end  suggest  it's  not  working.

The  desolate  "Easter  Parade"  follows , its  images  of  celebration   completely  at  odds  with  the  sparse,  mournful  music,  just  a  piano  and  doom-laden,  heart-stopping  synth  washes. Whatever  event  Buchanan  is  witnessing  he's  not  able  to  participate  in  the  festivities  which  reminds  me  of   having  to  cope  with  my  mother's  death  at  the  start  of  the  Queen's  Golden  Jubilee  weekend  in  2002.

"Heatwave"  is  quite  strongly  influenced  by  Japan's  Tin  Drum   with  its  Oriental  percussion  and  Mick  Karn-aping  fretless  bass  although  these  drop  out  for  one  of  the  album's  most  melodic  choruses. It's  one  of  the  bitterest  lyrics  on  the  LP  with  Buchanan  in  accusatory  mood  before  unleashing  the  sourest  of  hooklines  "Why  is  it  rolling  down  on  the  young  and  foolish "  worthy  of  early  Joe  Jackson.

"Automobile  Noise"  the  final  track  sounds  like  a  corrective  to  the  earlier  pro-emigration  sentiments  with  its  unenthusiastic  description  of  urban  America  and  "climbing  the  ladder  to  all  the  money  in  the  world". When  he  sings  "saddle  the  horses  and  we'll  go"  it  sounds  like  he's  going  to his  doom .
The  music  is  only  really notable  for  the  variety  of  percussion  sounds  used  and  it's  a  slightly  disappointing  end  to  the  LP.

I  must  admit  that  25  years  on  it  has  lost  that  special  lustre  for  me  though  it  still  rests  in  its  protective  plastic  cover. A  follow-up  which  didn't  significantly  advance  the  sound  after  a  five  year  wait  and  pale  imitations  like  Deacon  Blue's  Raintown  which  is  almost  a  tribute  LP  have  seen  to  that. Like  Joy  Division  they  don't  suit  every  mood  and  this  goes  for  long  periods  without  being  played  but  it  remains  unique  and  rewarding.

43 Mange Tout - Blancmange

Purchased  : July  1985

Tracks :  Don't  Tell Me / Game  Above  My  Head / Blind  Vision / Time  Became  The  Tide / That's  Love  That  It  Is / Murder / See The  Train / All  Things  Are  Nice / My  Baby / The  Day  Before  You  Came

Good  old  W H  Smiths  had  another  cassette  sale  in  the  summer  of  1985  which  enabled  me  to  catch  up  on  some  of  the  albums  I'd  missed  the  year  before.

This  was  Blancmange's  second  and  most  successful  LP  released  in  June  1984. They  were   another  odd  couple  synth  act,  gregarious  Northern   giant  Neil  Arthur  ( the  only  pop star  to  hail  from  my  wife's  birthplace )  and  scrawny  synthster  Steve  Luscombe  a  Londoner  four  years  Arthur's  senior. They  were  around  at  the  dawn  of  synthpop  but  took  a  while  to  get  into  commercial  focus; after  releasing  an  EP  of  avant-garde  electronica   called  "Irene  And  Mavis"  in  1980,  they  didn't  put  out   a  proper  single  until  the  excellent  "God's  Kitchen / I've  Seen  The  Word" ,  a  minor  hit  in  April  1982,  making  their  commercial  breakthrough  with  the  single  "Living  In  The  Ceiling"  six  months  later.
Discounting  a  school  punk  band  in  1980  they  were  the  first  band  I  ever  went  to  see  in  May  1984.

This  was  released  on  the  back  of  another  Top  10  single  "Don't  Tell  Me"  which  opens  the  LP. It  was  never  one  of  my  favourite  songs ; it  seemed  to  repeat  the  "Ceiling" formula -  dance  beat, Indian  flavourings, troubled  lyric - without  that  song's  air  of  menace. It  is  an  effective  pop  song  with  Pandit  Dinesh's  chattering  tabla  adding  percussive  colour  and  Neil  Arthur, always  an  under-rated  vocalist, adopting  a  softer  tone  on  the  verses then  reverting   to  his  customary  baritone  somewhere  between  Curtis  and  McCulloch  on  the  chorus.

"Game  Above  My  Head"  is  next. A  less  vocal  version  had  already  appeared  on  the  12  inch  of  their  fourth  single  "Waves"  and  indeed  the  amount  of  previously-released  material  on  the  LP  was  disappointing. That  said  it's  a  great  song, almost  a  synthpop  Green  Manalishi  with  Arthur  suffering  disturbed  sleep  and  visions - "don't  tell me  I'm  looking  well" . Bobby  Collins's  spartan  bass  recalls  Derek  Forbes  on  Simple  Minds's  Seeing  Out  The  Angel .  There's  a  brief  moment  when  the  music  approaches  a  resolution  then  the  previous  verses  are  repeated  to  deny  this.

The  oxymoronic  "Blind  Vision" follows , another  top  10  single  released  a  full  year  earlier. This  hints  even  more  strongly  at  mental  illness   with  a  side-helping  of  sexual  innuendo  -"it's  getting  harder  ooh  it's  getting  hard"  while  a  full  compliment  of  guests  including  Peter  Gabriel  cohort  David  Rhodes  on    guitar   and  the  ubiquitous  Jocelyn  Brown   brew  up  a  storm  of   white  funk. It  owes  a  great  deal  to  Talking  Heads  particularly  Arthur's  exclamatory  vocal.

"Time  Became  The  Tide"  is  the  equivalent  to  "Waves"  on  the  first  LP , a  big  ballad  furnished  with  strings, bells  and  grand  piano  like  an  early  70s  Colin  Blunstone  track  or  Clifford  T  Ward. I'm  not  sure  the  song, chockfull  of  nautical  metaphors,  is  strong  enough  to  support  the  lush  arrangement  despite  Arthur's  careful  vocal. It  feels  more  like  a  demonstration  of  musical  prowess than  real  inspiration.

The  side  concludes  with  "That's  Love  That  It  Is"  a  less  successful  single  from  November  1983  that  was  in  and  out  of  the  charts  so  fast  I'd  only  heard it a  handful  of  times. The  reason  was  probably  the  similarity  to  "Blind  Vision"  although  it's  more  of  a  song. Unusually  for  them  it's  also  very  wordy  with  no  real  chorus  which  becomes  a  bit  exhausting  by  the  end  of  the  track.

Side  Two  is  thinner  fare  starting  with  "Murder"  a  non-song   with  aspirations  to  be  Yello  or  Cabaret  Voltaire. They  could  do  this  sort  of  hard  electro-funk  competently  enough  but  they  were  much  better  as  a  pop  band   and  this  is  a  long  five  minutes  of   clattering  percussion, guitar  squall  and  tuneless  chanting.

"See  The  Train"  is  a  mild  diversion,  an  a  capella  track  with  a  multi-tracked  Arthur  doing  a  barber  shop  quartet  routine  apparently  about  a  man  preparing  to  throw  himself  under  a  train. Again, the  song  just  isn't  strong  enough  to  achieve  the  desired  effect.

The  sample-heavy  "All  Things  Are  Nice"  is  interesting  for  its  similarities  to  Paul  Hardcastle's  19  which  was  released  the  following  year. particularly  a  sample  about  First  World  War  casualties. In  turn  it  owes  a  lot  to  Byrne  and  Eno's  My  Life  In  The  Bush  Of  Ghosts  project  with  David  Rhodes  again  on  hand  to  add  the  requisite  choppy  guitar. It's  B-side  material  really.

"My  Baby"  at  least  returns  us  to  the  world  of  the  pop  song  a  tongue-in-cheek  tale  of  domestic  strife  which  Arthur  sings  in  the  angst-ridden  style  of  OMD's  Andy  McCluskey. The  line  "My  baby's  got  a  face  like  a  long  wet  Sunday"   shows  that  Arthur  hasn't  forgotten  his  Lancastrian  roots  but  otherwise  the  song's  rather  unremarkable  and  could  pass  for  The  Thompson  Twins.

The  album  closes  with  an  extended  version  of  "The  Day  Before  You  Came"  the  last  single  release  from  the  LP  in  August  1984. The  song  was  the  last  ever  recorded  by  Abba  and  charted  modestly  less  than  two  years  earlier. Blancmange's  version  was  only  the  second  Abba  cover  to  chart  (following  Sweet  Dreams's  Honey  Honey  in  1974 )  and  beat  the  original  by  10  places  when  it  peaked  at  22.  The  band's  motivation  for  recording  it  seems  to  have  been  to  raise  its  profile  after  such  a  poor  chart  showing  and  indeed  its  critical  stock  has  risen  over  the  years. It  describes  a  mundane  way  of  life  that  is  about  to  be  turned  upside  down  by  a  fateful  encounter  but  whether  that's  a  good  or  bad  thing  is  left  open  and  the  melancholy  melody  suggests  that  all  may  not  be  well. It  could  even  be  interpreted  as  a  suicide  song.  The  boys  don't  really  explore  that  angle; although  it's  played  fairly  straight  they  substitute  Barbara  Cartland  for  the  more  cerebral  Marilyn  French  as  the  author  being  read  in  bed  and  Arthur  splutters  the  name  out  to  underline  the  preposterous  notion. The  original's  sparse  arrangement  is  fleshed  out  by  Dinesh's  tablas  and  Valerie  Ponomoren's  trumpet. It  has  its  merits  but  I  think  the  original  wins out.

Overall  it  is  a  rather  disappointing  LP  and,  despite  having  the  biggest  quota  of  hits,  the  weakest  of  the  three  they  recorded  in  their  original  lifetime. At  the  time  of  writing  they've  just  reunited   so  we  will  see  if  the  new  LP  can  better  it  too,

42 The Way We Wah

Purchased : May  1985

Tracks : Other  Boys / Some  Say / The  Seven  Thousand  Names  Of  Wah / Seven Minutes  To  Midnight / The  Death  Of  Wah / The  Story  Of  The  Blues  Parts  1 & 2 / Sleep / You  Can't  Put Your  Arms  Around  A  Memory / Hope / Remember 

I  bought  this  at  mid-price  somewhere in  Leeds.

This  is  a  compilation  of  material  Wah  in  their  many  guises  recorded  for  WEA  before   being  dropped  in  1983, strangely  ( for  the  time ) just  after  making  their  chart  breakthrough. Hit  singles  the  following  year  for  Beggar's  Banquet  prompted  this  retrospective   and  also  my  going  to  see  them  at  Leeds  in  November  1984. I  was  impressed  enough  to  pick  this  up  when  I  had  the  chance.

Wah  were of  course  a  vehicle  for  Pete  Wylie  who  changed  the  group  name  as  often  as  the  line  up. He  is  actually  most   remembered  for  coining  the  term  "rockism"  in  the  early  80s  to  describe  the  conservative  attitudes  in  music  criticism  that  he  and  fellow  post-punkers  were  kicking  against. Assuming  you  accept  its  existence , rockism  can  be  viewed  as  either  a  benign  attempt  to  elevate  the  best  popular  music  to  stand  against  the  classical  greats  or  a  more  malign  endeavour  to  create  a  hierarchy  in  pop  with  white  males  at  the  top  of  it. Either  way  the  concept  has  had  a  much  longer  shelf  life  than  Wylie himself  whose  last  hit  (barring  a  guest  appearance  with  The  Farm  in  1991)  was  in  1986  and  who  hasn't  released  anything  in  over  a  decade.  Joe  Strummer  even  credited  Wylie 's  "rockist "  jibes  with  inciting  Mick  Jones  to  leave  The  Clash.

The  album  is  roughly  chronological  so  on  Side  One  you  get  the  uncompromising  post-punk  stuff   that  made  Wylie  the  darling  of  the  inkies  while  selling  diddley-squat  while  Side  Two  shows  how , like  so  many  of  his  contemporaries,  he  took  the  New  Pop  shilling  and  headed  for  the  charts.

"Other  Boys"  is  one  of  six  tracks  from  their  debut  LP  "Nah  Poo  The  Art Of  Bluff"  which  charted  for  a  few  weeks  in  1981  despite  containing  not  even  a  minor  hit. Starting  with  a  whisper  spelling  out  the  title  followed  by  an  abrasive  guitar  blast  it  sets  out  their  uneasy  listening  template, a  brutalist  drum  machine, submerged  bass, screechy  keyboards  and  freeform  guitar  noise  that  looks  forward  to  JAMC. Then  you  have  the  Wylie  voice  a  phlegmy  one-dimensional  holler  that  always  aims  for  the  heroic  but  never  quite  gets  there. There  isn't  even  a  hint  of  melody  and  I  can't  quite  grasp  what  the  song's  about  perhaps  a  vague  call-to-arms  with  didactic  phrases  like  "guess  your  number"  and  "try  on  new  heads".

"Some  Say" , a  different  version  of  which  failed  as  a  single,  is  more  of  the  same  although  a  more  conventional  guitar  riff  makes  it  slightly  more  accessible.Wylie  rails  against  unspecified  oppressors  and  false  prophets  - "they  are  liars,  liars , liars"  although  the  fourth  verse  seems  to  refer  to  Ian  Curtis  with  the  line  "Dance  dance  to  the  music  of  the  last  chance  man"  referencing  the  hookline  of  Transmission. This   is  also  the  cue  for  some  very  Sumner-esque  guitar  thrashing. Elsewhere  there's  some  very  proggy  keyboard  abuse  in  the  instrumental  breaks.

"The  Seven  Thousand  Names  of  Wah"  affords  a  break  from  the  Wylie  voice  as  its  almost  entirely  instrumental. With  real  drums  and  something  approaching  a  melody  this  is  a  tad  more  accessible  despite  all  the  feedback  howls  and  in  places  starts  to  resemble  Love  Sculpture's  Sabre  Dance  with  which  it  shares  a  similar  tempo. Wylie  comes  in  at  the  death  with  the  line  "One  by  one  the  stars  are  going  out".

Next  up  is  a  live  version  of  "Seven  Minutes  to  Midnight"  the  most  celebrated  of  their  early singles  but  still  not  a  hit. The  title  is  a  reference  to  the  1980  setting  of  the  nuclear  doomsday  clock  although  the  idea  is  used  more  as  a  metaphor  (excuse? ) for  existential  despair   in  the  song.  And it  is  a  proper  song, the  first  hint  of  Wylie  the  songwriter  as  opposed  to sloganeer. Long-term  collaborator  Washington  lays  down  a  Steve  Severin -style  pulsing  bassline  which  anchors  the  song  while  big   chords  and  more  conventional  keyboards  add  drama  to  Wylie's  tale  of  confusion -"I've  got  a  problem  with  balance  now, there  is  no  right  or  wrong". The  self-lacerating  climax  - "I'm  the  lies  that  your  kids  should  be  told" - makes  you  warm  to  him.

The  side  concludes  with  "The  Death  Of  Wah"  a  5.5  minute  epic  which  closed  the  "Nah-Poo.."  LP.
It  begins  with  a  very  Steve  Morris  drum  pattern  that  runs  right  through  the  song  accompanied  by  Washington's  steely  bass  and  echoey  keyboards  which  also  recall  late  Joy  Division. The  lyrics  are  very  hard  to  decipher  the  most  obvious  phrase  being  "I  can  move  mountains" . Three  minutes  in  Wylie  starts  to  have  some  fun  and  reveal  some  rather  different influences. Washington's  bass  solo  leads  the  way  to  Blinded  By  The  Light  keyboards  and  a  verse  of  Everybody's  Talking.

Apart  from  one  more  track  from  "Nah  Poo",  Side  Two  sees  Wylie  cleaning  up  the  sound  and  heading  for  the  charts. It  begins  with  "The  Story  Of  The  Blues  Parts  1 &  2 "  their  No  2  hit  from  1983  and  the  biggest  hit  to  emerge  from  the Liverpool  post-punk  scene  until  the  Big  In  Japan  diaspora  started  claiming  the  top  spot  a  year  later. It  might  have  reached  number  one  if  the  band  hadn't been  barred  from  a  second  Top  Of  The  Pops  appearance  for  breaching  the  rules  on  recording  their  backing  track at  the  TV  studio. I  always  thought  it  was  a  bit  lucky  to  get  so  far,  taking  advantage  of  the  post-Christmas  lull,  media  interest  in  Liverpudlian  poverty  after  the  recent  transmission  of  Boys  From  The  Blackstuff  and  saturation  coverage  on  Radio  One  from  John  Peel  downwards (it  was  the  subject  of  Peel's  infamous  "breaking  wind" comment  on  TOTP). You  never  hear  it  on  the  radio  these days  and  I  think  that's  because  the  sound  hasn't  dated  well,  the  primitive  drum  machines  and   Fairlight  fake  brass  rooting  it  too  firmly  in  the  early  80s. Despite  an  obvious  debt  to  The  Associates  it  remains  quite  a  good  song   with  a  nice  build  up  to  a  rousing  chorus  and  sensibly  unspecific  lyrics  so  you  can  take  its  message  of  coming  through  trials  as  either  personal  or  political. Even  with  a  liberal  sprinkling  of  echo, Wylie's  vocal   struggles  to  stay  in  tune  but  the  pill  is  vitally  sweetened  by  having  a  couple  of  gospel  singers  to  help  him  out  on  the  trickier   bits.

All  the  above  really  relates  just  to  part  1. Although  the  transition  is  seamless  on  here  Part  2  was  the  B-side  and  is  a  spoken  rant  to  the  same  backing  track   about  poverty  and  oppression  that  could  have  come  from  Blackstuff's   George  Malone  but  for  the  supposed  quote  from  Sal   Paradise  in  On  The  Road.  In  fact  it  comes  from  a  different  character  in  another  of  Kerouac's  novels  which  I  find  quite  amusing; if  you're  going  to  be  pretentious  at  least  get  the  facts  right ! Actually  the  whole  thing  is  a  bit  unnecessary  making  Wylie  sound  like  a  self-righteous  berk  who  takes  himself  too  seriously.

We  then  back  track  to  "Sleep"  from  the  first  LP  subtitled  "A  Lullaby  For  Josie"  the  first  of  a  number  of  songs  in  Wylie's  career  addressed  to  his  girlfriend  and  muse  Josie  Jones. Although  relatively  accessible  it's  hardly  a  lullaby. The  prowling  bassline  and  questioning  piano  reveal  a  love  of  70s  soul. The  song  conjures  up  an  atmosphere  of  late  night  dread  with  Josie  exhorted  to  keep  moving  and  ignore  the  ramblings  of  an  ageing  pub  bore.

Midway  through  there's  a  mini-cover  of  Johnny  Thunders's  "You  Can't  Put  Your Arms  Around  A  Memory "  which  condenses  the song about  resignation  to loss  into  a  single  verse  and  chorus. With  a  near- identical  single  acoustic  arrangement  Wylie's  restrained   vocal  is  actually  an  improvement  on  Thunders  and  leaves  you  wanting  more. When  I  saw  them  in  Leeds  Wylie  thoughtfully  dedicated  the  song  to  George  Best  who'd  been  committed  to  prison  for  drink  driving  earlier  that  day.

The  album  ends  with  the  two  singles  that  bookended  the  big  hit  though in  reverse  order. "Hope"  was  seen  as  a  disappointing  follow  up  and  its  failure  to  advance  past  number  37  proved  that  Wylie  hadn't  become  a  superstar  overnight.  I  think  it's  a  better  song   and  ironically  sounds  much  more  authentically  bluesy  than  its  predecessor. With  a  slow soul  beat  played  on  real  drums and  a  gospelly  intro  Wylie  reins  himself  in  on  this  unambiguously  personal  song  of  hurt  and  betrayal   and  allows  the  impressive  backing  singers  to  lead  him  on  almost  every  line. The  chorus  is  particularly  good  ; the  girls  deliver  the  lead  line  "You  lied  to  me; I  wish  you'd  believe  me "  to  which  Wylie  responds  with  a  wordless  cry  of  pain  then  recovers  for  a  bittersweet  plea  "Remember  the  time  in  the  park  remember  the  time  after  dark"  underscored  by  a  plaintive  piano. The  best  bit  of  music  on  the  LP  by  some  way.

Finally  we  come  to  "Remember"  released  in  March  1982  under  the  silliest  of  his  nom  de  plumes, Shambeko  Say  Wah, and  widely  seen  as  Wylie's  first  attempt  at  a  hit  single. That  didn't  quite  come off , competition  for  the  charts  being  unusually  strong  at  the  time, but  the  change  in  the  sound  is  quite  plain.  With  a  driving  Northern  Soul  beat  and  the  guitar  barrage  dropped  for  a  power-pop  riff  that  makes  for  a  great  intro  it's  likely  the  future  Boo  Radleys  were  listening  at  this  point. Alas  the  song  that  follows  is  a  bit  disappointing.  Wylie  bludgeons  the  ear  with  an  unfocussed  rant  that  owes  more  than  a  little  to  Dexys"  There  There  My  Dear  minus  Rowland's  beguiling  eccentricity.

Wah  never  got  out  of  the  second  division  and  I  don't  play  this  very  often  now   but  it  is  a  good  reflection  of  an  interesting  period  in  pop  and  certainly has  its  moments. 

41 Hysteria - Human League

Purchased  :    May 1985

Tracks :  I'm Coming  Back / I  Love  You  Too Much / Rock  Me  Again  And  Again  And  Again  And  Again  And  Again  And  Again / Louise / The  Lebanon / Betrayed / The  Sign / So  Hurt / Life  On  Your  Own / Don't  You  Know  I  Want  You

This  was  purchased  on  cassette  from  Bostock's  in  Leeds. I  already  had  two  of  the  three   singles  but  crucially  not  the  one  I  most  wanted.

This  was  the  much-delayed  follow-up  to  their  multi-platinum  selling  "Dare"  in  1981. Released  two  and  a  half  years  later,   after  a  couple  of  standalone  singles  and  a  remix  album,  "Hysteria"  has  been  marked  down  as  a  critical  and  relative  commercial  failure. It  brought  their  brief  spell  as  chart  superstars  to  an  abrupt  end.  It  had  a  difficult  birth  with  first , "Dare"  producer  Martin  Rushent  and  then  Chris  Thomas  being  dropped  from  the  project  before  Hugh  Padgham  completed  the  sessions. The  title  is  reputed  to  be  a  reference  to  behaviour  in  the  studio. None  of  this  is  very  evident  from  what's  on  tape. Apart  from  the  introduction of  Jo  Callis's  guitar  the  sound  isn't  a  great  jump  forward  from  "Dare" ;  it's  clean  and  spare  synth  pop  that  doesn't  seem  to  leave  much  scope  for  quarrels  with  the  producer.

Ironically  the  first  song  is  titled  "I'm  Coming  Back"  and  it's  a  muted  resurrection to  say  the  least. Written  by  Phil  Oakey  and  Adrian  Wright  it's  a  mid-paced  electro-dance  number about  defiance without  a  strong  tune  and  most  notable  for  the  introduction  of  Callis's  power  chords  in  the  bridge  to  the  chorus. The  electro-percussion  break  in  the  middle  eight  resembles Yazoo's  Don't  Go  which  is  ironic  given  Oakey's  public  dismissal  of  the  latter  group.

"I  Love  You  Too  Much"  was  written  by  the  two  musicians, Callis  and  bassist  Ian  Burden  with  some  input  from  Wright  and  is  much  sprightlier  with  arching  harmonies  from  the  girls  Joanne  Catherall  and  Suzanne  Sulley   and  an  impressive  Bernard  Edwards-inspired  funk  bassline  from  Burden. Callis  plays  some  sizzling  guitar  in  the  middle  eight   of  a  song  about  obsession  which  could  have  been  a  single.

"Rock  Me  Again  And  Again  And  Again And  Again And  Again"  reminds  you  of  Oakey's  taste  for  ironic  cover  versions  carried  over  from  the  original  line-up, this  time  taking  on  a  song  by  the  sainted  James  Brown. I've  never  been  a  great  fan  of  Brown's  music  so  I  just  take  the  track  on  its  own  merits. You  fear  the  worst  from  the  intro  with  Oakey  really  straining  on  the  exclamatory  "oh's  but  after  that  he  does  a  credible  job  in  a  style  well  outside  his  comfort  zone. Musically  too  its  interesting  with  a  minimalist  staccato  synth  line  and  ironic  Shaft guitar  commentary  from  Callis. A  decent  false  ending  too.

Next  up  is  "Louise"  a  delayed  third  single  in  December  1984  released  as  a  follow-up  to  Oakey's  big  hit  with  Giorgio  Moroder,  Together  In  Electric  Dreams  that  autumn  and  like  the  others  peaking  in  the  teens. Written  by  Oakey,  Callis  and  Wright  it's  hung  on  a  nagging  synth  bassline  that  would  be  irritating  on  a  lesser  song. Conceived  by  Oakey  as  the  long-delayed  reunion  of  the  two  protagonists  of   Don't  You  Want  Me  it's  touching  and  sincere  despite  the  hammy  spoken  bit  and  has  a  good  claim  to  be  his  best  lyric.

Side  One  ends  with  "The  Lebanon"  the  fan-flummoxing  first  single  whose  failure  to  reach  the  Top  10  foreshadowed  the  fate  of  the  LP.  With  the  synths  taking  a  back  seat  and  even  the  drum  machine  programmed  to  a  rock  rather  than  dance  beat  the  sound  is  dominated  by  Callis's  searing  PiL  guitar  and  Burden's  thundering  bassline  which  combine  for  a  great  intro.  Written  by  Callis  and  Oakey  as  a  response  to  the  Palestinian  camp  massacres  of  1982  it  understandably  avoids  getting  into  the  ferociously  complicated  politics  of  the  hotspot  state  concentrating  on  the  observations  of  a  couple  of  individuals  caught  in  the  mayhem. I  think  the  much-criticised  line  "And  where  there  used  to  be  some  shops  is  where  the  snipers  sometimes  hide"  is  actually  quite  good  at  highlighting  the  human  tragedy  involved. The  girls  do  let  it  down  a  bit  singing  their  lines  off-key  with  all  the  passion  of  an  answering  machine  and  this  version  goes  on  too  long  merely  repeating  musical passages  from  earlier  in  the  song.

"Betrayed "  is  another  Wright / Oakey  composition  and  like  the  previous  one  displays  their  tendency  to  write  dirges  when  Callis  and  Burden  aren't  involved. But  for  Callis's  neat  surf  guitar  break  in  the  middle  eight  this  could  have  come  from  Travelogue (the  girls  don't  feature  at  all)  setting   unspecific  images  of  desolation  and  desperation  to  slow  and   ominous  synth  lines. It's  OK  but  B-side  material  really.

"The  Sign"  actually  was  a  B-side  to  "Louise"   and  lives  down  to  it. A  lousy  attempt  at  a  What's  Going  On   state-of-the  world  address,  it  pootles  along  at  mid-pace  with  a  decent  bassline  and  the  pay-off " I  saw the  sign"  line  copped  from  Blancmange's  I've  Seen  The  Word.

"So  Hurt"  picks  things  up  again  with  another  great  funk  bassline  from  Burden  who  co  wrote  it  with  Oakey  and  a  keyboard  riff  that  suggests  Oxygene. Addressed  to  a  deserted  man  the  song  has  a  similar  feel  to  "Love  Action"   with  the  same  shrill  harmonies  on  the  chorus.

Then  comes  the  delayed  gratification  of  "Life  on  Your  Own"  my  favourite  HL  single  both  then  and  now. Released  as  the  second  single  not  long  after  the  LP  it  perhaps suffered  as  a  result  of  the  lukewarm  reception  to  its  parent  and  only  reached  16,  disappointing  Virgin  who  had  hoped  for  another  number  one. It  should  also  be  mentioned  that  having  an  opening  line  of  "Winter  is  approaching  there's  snow  upon  the  ground"  didn't  help  it  sell  in  June. The  classic  intro  starts  with  just  the  percussion  track  then  the  synth  bassline  comes  in  followed  by  some  warm  minor  chords  on  the  synth. That  sort  of  gradual  introduction of  the  instruments  is  always  a  winner  with  me  and  the  song  itself  lives  up  to  it, a  mature  reflective  ballad  from  the  point  of  view  of  a  man  resigning  himself  to  his  unsuitability  for  commitment - "other  people  settle  down ; I  never  do".  Even  the  girls  do  it  justice  with  their  mournful  harmonies  on  the  chorus.

That  just  leaves  "Don't  You  Know  I  Want  You "  written  by  Callis,  Burden  and  Oakey. The  synths  again  take  a  back  seat  to  Burden's  brooding  bassline  and  Callis's  white  funk  guitar  at  least  until  the  soaring  chorus  with  its  impressive  ascending  harmonies. I  like  the  skittering  synths  on  the  middle  eight  and  Oakey's  line  "You  can  act  like  a  monarch  or  a  pillar  of  the  bourgeoisie"  seems  like  a  sly  poke  at  the  often  ponderous  socialism  of  his  ex-bandmates  in  Heaven  17.

I  personally  prefer  this  to  "Dare"  ( which  we  will  get  round  to  eventually )  for  its  more  adult  songs  and  smoother  sound   but  I  guess  I'll  always  be  in  a  minority  there. By  the  time  of  their  next  LP  half  the  band  had  been  shed  and  much  of  the  group's  personality  had  been  surrendered  to   Jam  and  Lewis  who , the  big  hit  single  "Human"  apart,  produced  a  very  uninspiring  album. Oakey  and  the  girls  have  soldiered  on  ever  since  dividing  their  time  between  80s  revival  tours  and   sporadic   hit  singles  which  haven't  persuaded  me  to  invest  in  the  relevant  LPs.