116 Children - The Mission

Acquired  :  25  December  1988

Tracks :  Beyond  The  Pale / A Wing  And  A  Prayer / Heaven  On  Earth / Tower  Of  Strength / Kingdom  Come  / Breathe / Child's  Play / Shamera Kye / Black  Mountain  Mist / Heat / Hymn ( For  America )

As  explained  in  the  previous  post  this  was  my  last  LP  Christmas  present  from  my  sister.

When  The  Mission  first  hit  the  charts  some  other  popster  ( I  think  it  was  Lloyd  Cole  but  as  he  didn't  have  a  record  out  at  the  time  that's  uncertain ) laid  into  Wayne  Hussey along  the  lines  of  "He  poses  as  being  fey  and  bisexual  but  everyone  knows  he's  really  a  Tetley  Bitterman  who  listens  to  Led  Zeppelin ". Whoever  it  was  would  have  felt  justified  when  The Mission  re-emerged  at  the  beginning  of  1988  with  John  Paul  Jones  as  their  producer. As  you  might  expect  this  a  less  Goth album  than  their  debut  with  a  heavier  denser  sound.

"Beyond  The  Pale"  rises  slowly  out  of  children's  playground  noises  with  a  Cult-like  circular  riff  gradually  making  itself  heard  before  the  rhythm  section  kicks  in  around  the  two  minute  mark  and  Hussey  coming  in  not  long  after.  It's  a  pretty  good  song  about  the  call  of  the  sea  although  the  lyrics  are  reliably  cliché-ridden - "the  wind  is  blowing  wild" "From  a  whisper  to  a  scream"  and  so  on. Juliane  Regan  reappears  to  boost  a  strong  rock  chorus  and  combine  well  with  a  mandolin  break  in  the  middle  eight. An  abridged  version  was  released  as  the  second  single but  underperformed, peaking  at  32. 

"A  Wing  And  A  Prayer "  is  a  better-written,  driving  rock  song  about  being  enslaved  to  drugs  with  Jones  giving  them  a  much  crisper  drum  sound  than  on  the  previous  LP. He  might  also  be  responsible  for  the  glockenspiel  which  doesn't  quite  disguise  the  fact  that  the  main  melody  is  very  boring, a  persistent  weakness  throughout  the  LP.

"Heaven  On  Earth"  is  a  case  in  point.  The  acoustic  guitar / congas  arrangement  is  inventive  and  Jones's  string  arrangement  gradually  makes  its  presence  felt  but  it's  mutton  dressed  as  lamb  because  the  song  itself  is  a  tuneless  drone  with  Hussey  murmuring  his  way  through  a  stew  of  quasi-religious  clichés.

"Tower  Of  Strength"  the  lead  single  got  to  number  12  and  seems  to  be   generally  regarded  as  their  best  song. A  remixed  version  was  a  smaller  hit  in  1994; it  didn't  do  much  for  me  but  I  remember  one  of  Top  Of  The  Pops '  forgotten  goon-presenters of  the  90s wittering  on  about  the  bassline. There's  a  big  Eastern  influence  to  the  arrangement  with  its  chattering  tablas  and  the  Indian  melody  line  on  the  strings. Hussey's  devotional  lyrics  are  heartfelt  and  it  builds  up  nicely  to  a  thunderous  climax. 

Side  Two  kicks  off  with  "Kingdom  Come"  which  has  a  strong  intro  with  some  nice  melodic  guitar  but  the  song  itself  is  very  routine, vaguely  sexual  lyrics, declamatory  vocals  and  instantly  forgettable  tune.

"Breathe"  is  a  mere  snatch  of  a  love  song, slow  and  heavily  indebted  to  Purple  Rain.

"Child's  Play"  is  big  and  blustery  with  heavy  drums  and  frantic  guitar  thrashing. Hussey  works  himself  into  a  froth  seemingly  about  drugs  again,  personified  as  a  femme  fatale.

That's  followed  by  "Shamera  Kye"  a  brief  and  pointless  violin  drone  which  acts  as  a  prologue  to  "Black  Mountain  Mist"  an  acoustic  ballad  of  nostalgia  for  home  and  innocence.  , Regan  returns  and  is  a  plus  but  neither  she  nor  the  harp  player  can  save  it  from  Hussey's   one  dimensional  theatrical  vocal which  is  ill  suited  to  the  material  and  the dreariness  of  the  tune.

"Heat"  is  full  on  metal  with  heavy  drums , sexual  lyrics  and  hard  rock  guitar . It's  alright  if  you  like  that  sort  of  thing  but  what  on  earth  the  "Fe  Fi  Fo  Fum"  kiddie  chant  at  the  end  is  all  about  is  anyone's  guess.

"Hymn ( For  America) "  rivals  Def  Leppard's  Hello  America  for  the  subtlety  of  its  intentions.  Despite  the  Indian-flavoured  guitar  this  is  even  heavier  than  the  track  before  with  the  sort  of  hectic  drum  and  bass  gallop  that  Iron  Maiden  have  made  their  trademark. With  its  lyrics  about  prostitution, murder  and  corporate  religion  it  was  never  likely  to  endear  them  to  the  Yanks  and  there's  not  even  the  pretence  of  a  tune, just  another  bizarre  kiddie  chant  interlude  courtesy  of  the  Woodstock  Children's  Choir. If  there's  some  over-arching  concept  going  on  here  it'  over  my  head.

If  as  seems  likely the  band  were  hoping  to  break  out  of  the  Goth  ghetto  to  reach  a  new  mainstream  rock  audience  this  wasn't  a  strong  enough  effort  to  do  the  trick ( although  it  is  their  highest  charting  LP  reaching  number  2 ) ; certainly  America  was  never  interested  ( although  my  American  pen  friend  liked  them ).   

All  in  all  this  was  a  pretty  disappointing  LP  , the  second  side  in  particular  is  wearing. Just  as  well  that  my  next  LP  purchase  exceeded  all  expectations.

115 Fisherman's Blues - The Waterboys

Acquired  : 23  December  1988

Tracks : Fisherman's  Blues / We  Will  Not  Be  Lovers / Strange  Boat / World  Party / Sweet  Thing / And  A  Bang  On  The  Ear / Has  Anybody  Here  Seen  Hank / When  Will  We  Be  Married / When  Ye Go  Away / Dunford's  Fancy / The  Stolen  Child / This  Land  Is  Your  Land


This  record  and  the  next  have  a  melancholy  significance  as  they  mark  the  end  of  a  subplot  that's  been  running  since  the  start  of  the  story. They  are  the  last  LPs  to  be  bought  as  birthday/ Christmas  presents  by  my  sister  Helen  as  this  was  the  last  Christmas  she  was  at  home. She  returned   from  Oxford  after  graduating  in  the  summer  of  1987  and  got  a  job  as  a  library  assistant  in  Rochdale  before  starting  a  librarian's  course  at  Liverpool in  September  1988. I  have  few  memories  of  that  last  year  she  lived  with  us; I  suppose  with  both  of  us  working  that's  not  so  surprising. By  the  time  she  left  Liverpool  she had  a  dodgy  boyfriend  and  soon  took  off  with  him  to  Oxford  where  they've  remained  and  it's  just  been  a  utilitarian  ( and  essentially  pointless ) exchange  of  tokens  ever  since. I  do  remember  her  being  chuffed  that  the  guy  behind  the  counter  complimented  her  on  her  taste  when  she bought  this.

On  to  the  Waterboys  then  and  one  of  the  more  interesting  left  turns  in  the  decade's  music. After  finishing  the  tour  to  promote  the  previous  album in  1986  Karl  Wallinger  left  the  band  and  Mike  Scott  went  with  violinist  Steve  Wickham  for  an  extended  stay  in  Dublin. They  gradually  accumulated  a  new  line  up  ( retaining  original  saxophonist  Anthony  Thistlethwaite )  and  this  LP  was  the  first  fruit  from  long  sessions  recording  at  Spiddal  House  on  the  West  Coast  of  Ireland . This  was  featured  on  the  cover  with  Scott  and  the  new  band  looking  like,  as  Q's  Mark  Cooper  in  an  unenthusiastic  review  put  it , "Bronco, The  Band, or  an  awful  lot  of  people  from  1970". The  "Big  Music"  of  yore  isn't  entirely  absent  from  this  LP  but  Irish  folk  influences  are  now  very  much  to  the  fore.

The  album  starts  with  its  title  track  which  gave  them  a  second  hit  ( number  32 ) at  the  beginning  of  1989.  It's  a  Scott/ Wickham  composition  with  the  latter's  fiddle   and  Thistlethwaite's  mandolin  very  much  to  the  fore. The  song  sees  Scott's   escapism  taking  the  form  of  wishing  to  be  a  simple  fisherman  or  brakeman,  travelling  light   but  still  hoping  for  love. It's  jaunty  rather  than  maudlin  and  has  cropped  up  on  one  or  two  soundtracks  e.g. Good  Will  Hunting  since.

"We  Will  Not  Be  Lovers"  is  more  recognisably  from  the  band  that  made  "This  Is  The  Sea". It's  a  bitter  brush-off  of  a  girl  who's  bad  news  sung  with  Scott's  usual  intensity. Wickham's  fiddle  plays  the  main  riff  with  impressive  stamina , Trevor  Hutchinson's  bass  prowls  and  prods  and  Dave  Ruffy's  powerful  rock  drumming  brooks  no  argument . The  lyrics  are  good  but  it  is  a  bit  wearing  over  7  minutes.

"Strange  Boat"  a  Scott/Thistlethwaite  co-write  is  a  disarmingly simple  mellow  song   with  a  country  flavouring  that  could  either  be  a  literal  description  of  the  emigrant  experience  or  a  metaphor  for  the  band's  own  new  musical  journey. Wickham's  sympathetic  fiddle  is  first  class.

"World  Party"  is  the  highlight  of  the  album, an  absolute  Waterboys  classic. It's  exact  relationship  to  the  new  group  formed  by  the  departed  Karl  Wallinger  isn't  clear. Wallinger  has  a  composer  credit  and  his  influence  in  the  piano  part   that  drives  the  song  is  obvious  although  it's  actually  Scott  himself  playing  on  the  track . The  lyric  could  be  interpreted  as  a    send-off  to  someone  wanting  their  own  space  but  the  themes  of  wistful regret  and  chasing  a  vision  are  long term  Scott  staples  and  the  third  verse  is  entirely  introspective. The  arrangement  is  fantastic  with  Thistlethwaite  wrenching  some  amazing  sounds  from  his  fuzz  mandolin, Wickham  sawing  away, Noel  Bridgeman  coming  up  with  a  nice  trumpet  solo  and  the  Abergavenny  Male  Voice  Choir  beefing  up  the  chant  of  "Party !  Party!"

"Sweet  Thing"  is  a  cover  of   a  Van  Morrison  song  from  the  hallowed  Astral  Weeks. Now  I'm  not  a  big  fan  of  Van  the  Man; while  respecting  his  influence  and  extraordinary  creative  longevity  I  don't  like  his  voice  and  find  a  lot  of  his  stuff  overblown  and  tedious. Scott  actually  aggravates  the  problem  by  making  it  nearly  as  twice  as  long  as  the  original, some  of  which  time  is  filled  up  by  working  in  a  snatch  of  the  Beatles'  Blackbird   to  no  great  effect  ( except  financially  no  doubt ). The  lyric  about  finding  spiritual   fulfilment  in  another's  arms  in  typically  exalted  language  is  impressive  but  the  arrangement  is  less  interesting  than  the  original  and  it  doesn't  do  much  for  me.  Some  sources  have  the  brief  burst  of  chatter  and  rough-cut  violin  waltz  that  follows  as  a  separate  track  "Jimmy  Hickey's  Blues"  but  that  isn't  the  case  with  the  vinyl  version.

The  second  side  is  all  then-recent  material  recorded  at  the  Spiddal  sessions  in  1988. "And  A  Bang  On  The  Ear"  was  the  second  single  (in  abridged  form ) , peaking  at  a  disappointing  51.
It's  a  High  Fidelity  - style  catalogue  of  Scott's  past  loves , possibly  fictional, with  each  verse  ending  with  the  title  line, an  Irish  expression  approximating  to  "peck  on  the  cheek" . It's  a  great  song  despite  Scott  acquiring  some  dodgy  Irish inflections  in  his  singing  voice  which  justifies  its  running  length  by  gradually  building  up  the  music  with  each  verse  culminating  in  some  great  Hammond  work  from  Thistlethwaite  abetted  by  Martin  O' Connor  on  accordion.
The  song  also  features  Jay  Dee  Daugherty  from  Scott's  longtime  heroes  the  Patti  Smith  Group. one  of  six  different  drummers  featured  on  the  LP.

"Has  Anybody  Here  Seen  Hank ? " , a  Scott / Thistlethwaite  co-write  is  a  drowsy  tribute  to  the  increasingly  fashionable  though  long  dead  country  outlaw  Hank  Williams  with  the  very  un-pc  line  "I  don't  care  what  he  did  with  his  women". The  pseudo-Irish  vocals  don't  go  with  the  subject  matter  or  the  country  stylings   in  the  music  and  its  relative  brevity  is  a  bit  of  a  relief.

"When  Will  We  Be  Married "  is  a  Scott / Wickham  co-write  of  an  Irish  folk  tune  where  the  protagonist  or  his  conjugal  rights  despite  full  awareness  that  his  "Molly"  is  eye-ing  up  other  men. It's  well-executed  with  Wickham  excelling  once  again  and  Scott  himself  playing  the  drums  at  the  dramatic  climax  but  it  does  raise  the  question  of  whether  Scott  is  bringing  anything  new  to  the  table  beyond  an  appreciation  of  the  Dubliners  and  Chieftains.

"When  Ye  Go  Away"  is  a  Shane-like  tale  of  a  charismatic  visitor  who  won't  be  staying,   a  Scott-penned  low-key  strumalong  with  Alec  Finn's  bouzouki  lending  it  an  exotic  air.

"Dunford's  Fancy"  is  a  brief  little  jig  penned  by  Wickham  and  named  for  the  producer  which  doesn't  feature  Scott  at  all.

"The  Stolen  Child " is  a   W B  Yeats  poem  set  to  Scott's  music. The  poem  is  based  on  Irish  legends  about  fairies  stealing  children  but  it's  not  too  hard  to  see  how  these  might  have  originated  from  experience  of  infant  mortality. The  verses  are  read  in  a  thick  brogue  by  Thomas  McKeown  while  Scott  sings  the  four  line  refrain  at  the  end  of  each  one. It  culminates  in  the  devastating  line  "For  the  world's  more  full  of  weeping  than  you  can  understand"  which  puts  me  in  mind  of  The  Virgin  Suicides   idea  that  the  four  young  girls  checked  out  because  they  understood  what  was  coming. Scott's  music  is  perfectly  sympathetic  particularly  Colin  Blakey's  flute  and  the  effect  is  extraordinary. Why  they  felt  the  need  to  bookend  this  masterpiece  with  a  pub singalong  verse  of  "This  Land  Is  Your  Land"  is  mystifying  but  that's  Scott  for  you.

So  here  we  have  another  bewilderingly  uneven  album  ( not  the  last  either ) from  one  of  our  most  erratic  talents.

114 Raintown - Deacon Blue

Purchased  :  December  1988

Tracks : Born In A  Storm / Raintown / Ragman / He  Looks  Like  Spencer  Tracey  Now / Loaded / When  Will  You ( Make  My  Telephone  Ring)  ? / Chocolate  Girl / Dignity / The  Very  Thing / Love's  Great  Fears / Town To Be  Blamed

This  was  the  next  purchase  from  Britannia.

Like  Ancient  Heart  this  was  a  popular  LP  at  the  time  but  has  worked  its  way  towards  the  back  of  people's  cupboards  since  then. Just  ask  yourself  when  you  last  heard  any  of  these  guys'  17  Top  40  hits  on  the  radio ? 

This  was  the  band's  debut  LP   released  in  the  summer  of  1987. It  proved  to  be  a  slow  burner  sticking  around  the  charts  ( highest position  14 )  for  eighteen  months  despite  the  lack  of  a  Top  30  single.  Its  critical  reception  was  lukewarm  and  this  may  have  been  down  to  disappointment  at  who  they  were  not. A  band  from  Glasgow  with  the  word  Blue  in  their  name  singing  melancholic  and  romantic  songs  about  their  home  city  with  a  rooftop  shot  on  their  album  cover - we've  been  here  before  haven't  we  ?  Their  name   also  made  them  suspect   in  being  gleaned  from  a  song  by  Steely  Dan, a  band  still  not  fully  rehabilitated   from  pre-punk  pariah  status.

"Born  In  A  Storm"  is  a  brief   piano  and  voice  piece  that  introduces  Ricky  Ross's  plaintive  vocals  and  the  lyrical  themes  of  adverse  fate  and  the  weather  before  segueing  straight  into  "Raintown"  with  its  cascading  piano  intro. The  song  rests  on  a  light  white  funk  rhythm  reminiscent  of  China  Crisis  before  erupting  into  a  dramatic  chorus  with  Fairlight  crashes  and  Lorraine  McIntosh's  gospel-y  wails. It's  that  conflict  that  makes  this  album  intriguing - the  head-on  collision  between  old-fashioned  singer-songwriter  values  and  bombastic  eighties  over-production. The  song  places  a  couple  kept  apart  by  job  commitments  against  the  backdrop  of  the  rainy  city  and  is , if  a  Radio  4  documentary  is  to  be  believed, well  regarded  by  its  inhabitants.

"Ragman"  is  a  magnificent  Prefab  Sprout  impersonation ( with a hint  of  the  Lotus  Eaters' First  Picture  Of  You  for  good  measure ) . Like  the  Pet  Shop  Boys'  Rent  it  seems  to  be  about  a  relationship  where  the  pair  are  not  economic  equals, obviously  a  major  concern  of  the  times.
The  glossy  production  is  well-judged  staying  just  on  the  right  side  of  tasteful.  It's  not  a  bad  little  song  , it's  just  hard  to  give  it  full  credit  when  it  sounds  so  much  like  someone  else's.

"He  Looks  Like  Spencer  Tracey  Now"  is  inspired  by  the  American  physicist  Harold  Agnew  ( still  alive  at  the  time  of  writing  and  yes  he  does  a  bit ) who  flew  with  the  bomb   (though  not  on  the  same  plane  that  OMD  celebrated ) to  Hiroshima   and  took  pictures.  It's  an  interesting  lyric  but  the  song's  a  bit  soporific,  the   over-lush  production  and  Ross's  earnest  vocal  making  it  sound  very  like  Paul  Young. Plus  it's  got  the  same  melody  as  "Dignity ".

"Loaded"  is  a  pop  at  some  dissatisfied  yuppie  reminding  him or  her  of  their  privileged  position. Released  as  a  single  in  the  summer  of  1987  it  failed  to  chart  despite  a  reasonable  amout  of  exposure; perhaps  the  video  ( pointedly  filmed  in  London ) , where  Ross's  div  dancing  makes  Andy  McCluskey  look  like  Nureyev  didn't  help.  It's  a  sprightly  funk-flecked  piece  of   Wet  Wet  Wet-ish  guitar  pop  with  a  warm  chorus.

"When  Will  You ( Make  My  Telephone  Ring)"  their  second  modest  hit  of  1988  is  a  slow  smoochy  soul-pop  number,  again  not  too  far  away  from  Wet  Wet  Wet,   with  straightforward  lyrics  about  waiting  for  an  errant  lover's  call  of  explanation.  Paul  Young's  backing  trio are  on  hand  ( shortly  before  going  out  on  their  own  as  Londonbeat ) to  beef  up  the  chorus. It's  not  really  my  cup  of  tea   but  well  enough  executed.

Side  two  kicks  off  with  "Chocolate  Girl"  which  fell  just  short  of  the  Top 40  as  a  single. It's  a  third  person  tale  of   a  smug  complacent  man  who  can't  understand  why  his  kept  girlfriend  isn't  more  responsive. This  one  struck  a  particular  chord  with  me  as  the  girl  I  fancied  at  work  was  being  bad  mouthed  by  her  boyfriend  for  being  too  passive  in  bed  ; he  wasn't  the  sort  of  guy  who  might  reflect  on  what  this  said  about  his  own  performance. It's  a  louche  country-flavoured  ballad  featuring  in-demand  pedal  steel  guitarist  B J  Cole  spicing  up  an  already  strong  chorus.

"Dignity"  was  the  first  single  to  crack  the  Top  40  ( number  31 ) . It  starts  out  as  an  affecting  little  folk  song  about  a  street  cleaner's  dreams  of  sailing  a  small  boat  then  cranks  itself  up  into  a  piano-led  stomper  with  a  lyric  about  reading  Maynard  Keynes   which  raises  the  dread  spectre  of  compatriots  Hue  and  Cry. The  lyrical  concept  is  a  bit  cack-handed  but  the  attractive  tune  saves  it.

"The  Very  Thing"  is  the  most  frustrating  track. For  a  verse  and  a  chorus  they  achieve  the  emotional  majesty  of  the  Blue  Nile  jumping  off  from  the  heart breaking  line  "One  day  all  of  us  will  work"  then  destroy  the  mood  by  cranking  up  the  drums  and  losing  lyrical  focus. It  returns  to  that  key  line  at  the  end  in  a  nice  coda  but  its  an  unsatisfactory  song.

The  final  two  tracks  are  co-writes  with  keyboard  player  Andy  Prime . "Love's  Great  Fears"  is   the  sort  of  lush  piano-led  AOR   that   could  have  come  from  Bruce  Hornsby  or  Don  Henley  ( with  a  hint  of  Nik  Kershaw's  Wouldn't  It  Be  Good   in  the  main  piano  riff )  with  an  adult  lyric   about  talking  through  relationship  insecurities. Chris  Rea  pops  up  to  add  a  little  spice  to  the  latter  stages  with  some  searing  guitar.

The  final  track  "Town  To  Be  Blamed"  is  clunkily-titled  ( isn't  Glasgow  a  city  anyway ? )  and  works  hard  to  be  big  and  dramatic  with  loud/quiet  switches  and  some  squally  rock  guitar.  It  does  capture  a  night  time  in  the  big  city  mood  and  the  piano  work  and  Ross's  vocal  are  first  class.

This  LP  laid  the  groundwork  for  the  next  one  to  go  straight  to  number  one  helped  by  a  big  breakthrough  hit  in  "Real  Gone  Kid" ( the  subject  of  which  will  pop  up  here  in  due  course) but  by  that  time  too  much  bombast  had  crept  into  their  music  for  me  and  I  lost  interest  in  the  band. After  splitting  in  1994  and  Ross  failing  with  a  solo  LP  they  got  back  together  in  1999  and  have  continued  on  a  part-time  basis  ( less  guitarist  Graeme  Kelling  who  died  in  2004 )  ever  since.

 

113 God's Own Medicine - The Mission

Purchased  :  November  11  1988

Tracks : Wasteland / Bridges  Burning / Garden Of  Delight / Stay  With  Me / Let  Sleeping  Dogs  Die / Sacrilege / Dance  On  Glass / And  The  Dance  Goes  On / Severina / Love  Me  To  Death

This  was  purchased  from  Soundsearch  for  £4.50.

When  my  loyal  reader  Dee  C.  Harrison  recently  mentioned  The  Mission  in  the  thread  on  the  last  Bolshoi  album  I  resisted  the  temptation  to  tell  him  how  soon  they'd  be  coming  up.

When  I  went  to  Leeds  University  in  the  autumn  of  1983  I  was  vaguely  familiar  with  the  Sisters  of  Mercy  from  the  David  Jensen  show  but  more or  less  dismissed  them  as  a  sub-Joy  Division  outfit   who  wouldn't  escape  the  confines  of  the  independent  charts.  I  was  therefore  surprised  by  how  big  a  deal  they  were  in  their  home  city  or  at  least  campus  ( although  Andrew  Eldritch  had  left  the  university  by  that  point ). The  Mission  formed  as  an  offshoot  from  the  Sisters   in  a  very  messy  and  acrimonious  process  in   the  latter  half  of  1985. Bassist  Craig  Adams  quit  the  group  after  an  argument  with  Eldritch  and  guitarist  Wayne  Hussey  decided  to  take  his  side. When  Eldritch  heard  they  intended  to  call  themselves  The  Sisterhood   he  gazumped  them  by  releasing  a  new  single  under  that  name  himself  and  won  an  ensuing  court  case  forcing  his  ex-bandmates  to  find  a  new  name  for  their  enterprise.  Despite  an  arguably  better  claim  to  the  Sisters  legacy - two  as  opposed  to  one  of  the  last  line-up  including  increasingly  the  main  songwriter - the  music  press  sided  with  Eldritch  and  The  Mission  were  doomed  to  a  permanently  rough  ride  from  the  critics.

Adams  and  Hussey  filled  the  gaps  in  the  line-up  with  Mick  Brown  , the  human  drummer  the  Sisters  never  had,  from  Leeds   agit-rockers  Red  Lorry  Yellow  Lorry  and  a  second  guitarist  Simon  Hinkler  who  had  briefly  been  in  an  early  line-up  of  Pulp. The  material  on  this  debut  LP  released  in  November  1986  was  almost  all  originally  written  for  the  Sisters  ;  some  were  recorded  in  rough  form with  Eldritch, others  are  songs  he  had  rejected.

I  first  became  interested  in  them  when  "Wasteland"  made  number  11  ( their  highest  ever  placing  as  it  turned  out )  in  January  1987  just  before  I  secured  my  first  job  and  it  seemed  very  appropriate  for  both  a  particularly  harsh  winter  and  my  own  situation. I  loved  the  spoken  word  intro  "I  still  believe  in  God  but  God  no  longer  believes  in  me"  although  sadly  almost  inaudible  on  the  album  version. The  song  itself  is  quintessential  Goth  rock  with  its  blend  of  acoustic  and  electric  guitar,  driving  bass  , rock  solid  drumming  and  dramatic  vocals  and  lyrics. There's  certainly  a  Bono-ish  tinge  to  the  latter  as  the  song  seems  to  detail  a  spiritual  crisis - "Heaven  and  hell  I  know  them  well  but  I  haven't  yet  made  my  choice".

"Bridges  Burning"  is  less  impressive  , a  string  of  heroic  clichés  and  trite  rhymes  slung  together  over  an  Indian-flavoured  riff , Hinkler  achieving  the  sound  of  a  sitar,  and  wild  animal  noises  suggesting  a  familiarity  with  recent  Cure  LPs. Listening  to  this  Eldritch's  biting  criticism  of  Hussey's  lyric-writing  begins  to  bite.

"Garden  Of  Delight"  was  one  of  the  songs  the  Sisters  were  working  on  before  the  split  and  came  out  as  a  single  on  an  independent  label  ( making  number  49 )  before  the  band's  deal  with  Mercury. This  is  a  different  version  again  , slowed  down  and  orchestrated  with  scraping  strings. It's  unashamedly  sexual,  full  of  unsubtle  erotic  metaphors  but  the  song  isn't  really  strong  enough  to  warrant  such  a  dramatic  treatment.

"Stay  With  Me"  gave  the  band  the  Top  40  hit , in  autumn  1986, that  had  always  eluded  the  Sisters  up  to  that  point. Another  ode  to  the  joys  of  sex - "take  me  deep  inside" , "sleepless  nights  I've  spent  with  angels  heaven  sent"  and  so  on,  it   has  a  good  swing  carried  by  the  massed  acoustic  guitars  and  melodic  riff.

"Let  Sleeping  Dogs  Die"  is  the  first  track  that  you  suspect  might  be  about  the  Sisters'  split  with  lyrics  of  hurt  betrayal  and  Hussey  intoning  the  verses  in  a  voice  as  close  to  the  Eldritch  baritone  as  he  can  get. While  the  lyrical  coherence  is  welcome  it's  not  a  great  song ,  a  hollow  epic  that  seems  to  be  building  up  to  a  big  chorus  then  doesn't  deliver.

"Sacrilege"  picks  up  the  pace  with  an  intro  featuring  frantic  pounding  from  Brown  and  purposeful  verses  based  around  a  melodic  guitar  riff. Hussey  musters  some  righteous  anger  about  heroin  addiction  -"Say  goodbye  to  the  salad  days, arms  stretched  out  for  the  needle  haze"  and  the  chorus  features  some  nice  Banshees  guitar.

"Dance  On  Glass"  makes  a  point  to  Eldritch  for  it  was  originally  intended  for  the  first  Sisters  album  but  Eldritch  disliked  the  lyrics  and  re-wrote  it  as  Black  Planet. It's  hard  not  to  take  his  side  as  Hussey  seems  to  have  hit  the  rhyming  dictionary  pretty  hard  again - "dust/rust, spell/tell , meek/cheek"  etc.  and  thus  his  straining  passion  as  the  song  progresses  becomes  rather  risible. The  slow  and  dry  arrangement  is  also  inferior  lacking  all  the  dark  drama  of  the  Sisters  song  despite  a  small  contribution  from  Julianne  Regan  on  backing  vocals.

"And  The  Dance  Goes  On"  also  seems  to  refer  to  the  feud  and  is  a  perfectly  acceptable  slice  of  Goth rock  with  some  good  guitar  work  and  a  string-augmented  middle  eight.

"Severina"  was  the  third  single  notable  for  introducing  the  golden  tones  of  Julianne  Regan  to  the  charts. A  tribute  to  some  hippy  chick,  it  shows  a  grasp  of  song  construction  not  evidenced  elsewhere  with  dramatic  pauses  and  a  call  and  response  dynamic  between  Hussey's  lines  and  his  guitar. But  it's  Regan  who  lifts  it  high  with  her  wordless  Claire Torrey-esque  contribution  in  the  middle  eight  and  outro,  conjuring  up  the  spirit  of  early  70s  mysticism  so  prevalent  in  her  own  band's  work.

Wayne  the  lover  man  returns  for  "Love  Me  To  Death" which  gives  David  Coverdale  a  run  for  his  money  for  how  many  dodgy  sexual  metaphors  can  be  crammed  into  four  and  a  half  minutes. Regan  obviously  took  it  in  good  part  for  she's  back  to  add  sugar  to  the  chorus  and  it's  not  a  bad  song  to  round  off  the  LP  with  a  crisp  beat  and  some  good  guitar  work.

I  had  relatively  modest  expectations  for  this  LP  and  it  just  about  delivered, proving  that  they  chose  the  singles  well  if  nothing  else.  It's  not  long  before  we'll  be  discussing  the  next  one.
   

112 The Collection 1977-1982 - The Stranglers

Purchased  : November  3  1988

Tracks : Grip - Peaches - Hanging  Around - No  More  Heroes - Duchess - Walk On By - Waltzinblack - Something  Better  Change - Nice 'n' Sleazy - Bear  Cage - Who  Wants  The  World - Golden  Brown - Strange  Little  Girl - La  Folie

This  was  the  next  purchase  from  Britannia. The  spur  for  this  came  from  my  time  at  Liverpool  doing  the  CIPFA  qualification. At  lunchtimes  I'd  usually  go  down  with  my  friend  Mark  to  a  city  centre  pub  whose  name  now  escapes  me  for  something  to  eat. It  was  the  first  pub  I'd  come  across  with  a  CD jukebox  but  the  downside  was  that  the  selection  was  a  Patrick  Bateman- approved  catalogue  of  yuppie  horrors,  Genesis, Dire  Straits, Whitney  Houston, Bruce  Springsteen   etc. Apart  from  The  Queen  Is  Dead  this  was  the   only  "edgy"  item on there  and  in  "Walk  On  By"  had  a  particularly  long  track  to  give  VFM  ( I was  doing  accountancy  after  all ! )

I'd  always  had  a  hit  and  miss  relationship  with  The  Stranglers  loving  one  single  then  hating  the  next  which  is  why  I'd  never  been  tempted  to  purchase  one  of  their  regular  LPs. This  compilation  was  issued  in  1982  to  fulfil  their  obligations  to  EMI  who  had  bought  out  their  label  Liberty. EMI  had  viewed  them  as  a  spent  force  but  ironically   they  were  departing  just  as  they  achieved  their  greatest  success  with  "Golden  Brown".

The  vinyl  version  isn't  a  complete  collection  of  their  singles  up  to  that  date - the  sound  is  compressed  enough  as  it  is- with  "Five  Minutes"  the  most  grievous  omission. Nevertheless  it  summarises  the  first  phase  of  their  long  career  well  enough. The  Stranglers  started  out  as  The  Guildford  Stranglers  ( strangely  enough  I've  just  been writing  about  Guildford  on  another  blog ) in  1974  , earned  their  spurs  on  the  pub  circuit  then  started  having  hits  in  1977  just  as  punk  went  over ground.  This  leads  on  to  the  first  of  the  two  big  questions  that  dogged  the  band  at  this  point  - were  they  really  punk ? Well  they  owed  nothing  to  McLaren  or  the  NME  that's  for  sure  but  punks  liked  them , bought  the  records  and  wore  the  badges   so  I  would  say  they  passed  any  worthwhile  test  of  their  credentials. The  other  more  difficult  question  is  whether  they  were  as  unpleasantly  misogynistic  as  a  number  of  their  songs  might  suggest. One  can't  be  sure  but  Hugh  Cornwell  was  a  biochemist  and  Jean-Jaques  Burnel  a  closet  bisexual who  once  took  a  young  Steve  Strange  to  bed  so  it  seems  unlikely  that  their  most  provocative  work  was  entirely  without  irony.

The  running  order  isn't  strictly  chronological  but  it  starts  with  their  first  single  and  minor  hit "Grip".  The  song  is  a   frantic  commentary  on  their  pre-fame  lifestyle  as  a  working  band  delivered  in  matter-of-fact  style  by  Hugh  Cornwell. It  displays  all  the  elements  of  their  initial  sound  namely  Jet  Black's  less  is  more  jazz-flecked  drumming, Jean-Jacques  Burnel's  crunching  basslines  and  Dave  Greenfield's  dextrous  arpeggio-laden  keyboard  riffs  which  often , as  here, leave  Cornwell's  scratchy  guitar  almost  superfluous. The  icing  on  the  cake  on  this  track  is  the  unexpected  sax  blast  on  the  chorus. As  an  opening  statement  of  intent  it's  hard  to  beat.

"Peaches"  was  the  band's  second  single  and  their  first  big  hit  reaching  number  eight  in  the  summer  of  1977  although  it  was  a  double  A-side  with  the  raucous  but  unobjectionable  R & B  song  "Go  Buddy  Go"  and  that  was  the  song  that  was  featured  on  Top  Of  The  Pops and  Radio  One  until  the  band  issued  a  more  radio-friendly  version of  the  other  side  that  didn't  feature  the  words  shit, clitoris and  bummer.  It's  the  fount  of  all  the  accusations  of  unpleasant  sexism  as  the  whole  song  consists  of  the  observations  of  a  lecherous  man  looking  at  girls  on  the  beach. The  song  is  played  in  a  queasy , lurching  reggae  style. Cornwell  sneers  rather  than  sings  the  song  and  it's  hard   to  believe  he's  being  serious - the  mispronunciation of  "clitoris"  is  the  big  clue  here. He's  playing  the  part  of  Les  Dawson's  contemporaneous  creation  Cosmo  Smallpiece.  Whether  the  band's  audience  got  the  irony  is  another  question; I  remember  my  12-13  year  old  schoolmates  being  thrilled  that  something  so  rude  had  got  in  the  charts.

"Hanging  Around" was  never  released  as  a  single  but  it's  a  stonewall  classic , the  highlight  of  their  debut  LP  "Rattus  Norvegicus". The  intro  is  a  gem  in  itself  , eight  hi-hat  taps  from  Black, ominous  stabs  of  Greenfield's  Hammond, a  spindly  riff  from  Cornwell  and  then  the  entrance  of  Burnel's  bass  which  hits  like  a  sledgehammer. The  rest  of  the  song  doesn't  disappoint  with  Cornwell's  deadpan  dissections  of  members  of  their  audience  all  indulging  in  some  form  of  substance  abuse  leading  via  ascending  chords  to  a  killer  chorus  dominated  by  Greenfield's  fast  fingerwork  and  a  middle  eight  where  Cornwell  and  Greenfield  have  an  instrumental  dialogue  that  keeps  the  tension  going. As  an  evocation  of  the  febrile, dangerous  world  of  urban  Britain  in  the  late  70s  ( at  least  as  viewed  from  the  safety  of  a  parental  home  in  small  town  Lancashire )  it's  second  only  to  Down In The Tube  Station  At  Midnight. It  was  a  minor  hit  in  1981  as  a  passable  cover  by  Cornwell's  former  girlfriend  Hazel  O'  Connor  who,  it  was  speculated, may  have  been  the  "big  girl  in  the  red  dress"  of  the  first  verse.

Then  it's  straight  on  to  another  classic  in  "No  More  Heroes"  the  first  "punk"  hit  that  I  genuinely   liked  as  opposed  to  wanted  to  like. Whatever  the  group's  credentials  it's  the  perfect  hymn  to  the  nihilism  of  the  times  although  the  name checked  examples - Trotsky, art  forger  Elmer  de   Hory, Lenny  Bruce  , Sancho  Panza - are  certainly  an  electic  bunch  and  as  there  are  four  of  them  one  suspects  that  each  band  member  got  to  nominate  a  favourite. Musically  it's  a  thrilling  ride  from  Cornwell's  descending  guitar  figure  at  the  start  to  the pounding  finish. Greenfield's  arpeggios  dominate  as  he  and  Burnel  intermesh  leaving  Cornwell  a  jagged  solo  at  the  start  of  the  middle  eight.

Then  the  album  jumps  forward  to  1979's  "Duchess"  their  last  Top  20  hit  until  1982  heralding  a  troubled  start  to  the  new  decade  with  Cornwell  getting  himself  banged  up  for  heroin  possession  and  their  singles  struggling  to  make it  into the  Top  40.  It's  clear  that  they've  turned  down  the  aggression  a  notch; Burnel's  bass  is  a  bit  lower  in  the  mix  as  if  his  solo  album  earlier  in  the  year  got  something  out  of  his  system. The  song  is  a  swipe  at  the  English  class  system  with  the  titular  woman  a  working  class  girl  with  pretensions  holding  out  against  the  working  class  "Rodneys"  who  want  to  take  her  out. Greenfield  again  dominates  this  one  achieving  a  harpsichord  tone  as  he  piles  on  the  arpeggios  but  for  me  the  song  doesn't  really  go  anywhere.

The  full  version  of  their  cover    of  "Walk  On  By"  is  a  strange  inclusion  given  its  six  minute  length  could  have  alternately  accommodated  two  of  the  omitted  singles. Perhaps  the  band  wanted  this  testament  to  their  musical  abilities   to  take  centre  stage. Cornwell  sings  it  straight  but  the  real  point  of  the   track  is  the  four  minute  instrumental  break  introduced  by  Cornwell's  memorable  "just  go  for  a  stroll  in  the  trees" ad  lib. All  four  musicians  excel  in  a  passage  which  does  call  to  mind  The  Doors' Light  My  Fire  though  of  course  there  was  no  equivalent  to  Burnel's  relentless  bass  in  the  earlier  group's  music.

"Waltzinblack"  is  another  curious  inclusion , an  instrumental  preferred  to  either  single  release  to  represent  their  poor  selling   1981 LP  " The  Gospel  According  To  The  Men  In  Black". It  is,  as  the  title  suggests , a  sinister  fairground  waltz  where  the  others  take  a  back  seat  to  Greenfield  ( in  fact  it's  not  clear  if  there' s  anyone  else  on  it  )   giving  him  room  to  blend  synthesisers  with  his  previous  electronic organ  sound. The  Mr  Punch  laughter  noises  in  the  second  half   don't  quite  work  for  me,  recalling  that  Several  Furry  Creatures...  nonsense  on  Pink  Floyd's  Ummagumma  but  it's  an  interesting  diversion.

Side  Two  starts  by  taking  us  back  to  1977  for  their  second  big  hit  "Something  Better  Change"  which  is  a  three  and  a  half  minute  "fuck  off "  to  their  critics  sung  with  yobbish  relish  by  Burnel   particularly  the  climactic  line  to  the  second  verse  "Stick  my  fingers  right  up  your  nose". There's  a  nice  swelling  organ  intro  and  a   spiky  guitar  solo  from  Cornwell  to  keep  things  interesting  but  the  chanted  chorus  is  weak  and  compared  to  the  rest  of  their  1977  material  it's  a  bit  disappointing.

"Nice n Sleazy"  is  another  gem  from  the  early  summer  of  1978. The  song  describes  the  band's  European  tour  in  1977  and  in  particular  their  ( it  seems, enjoyable )  encounter  with  the  Hell's  Angels  of  Amsterdam. It's  hung  on  a  fat  melodic  bassline  from  Burnel  and  Cornwell  sings  it  in  an  odd  robotic  manner. What  really  catches  the  ear  is  the  startling  middle  eight  where  Greenfield  cuts  loose  with  screeching  atonal  synth  noises  that  even  now  you  wouldn't  expect  to  hear  on  a  chart  single. The  song  is  still  notorious  for  its  performance  at  Battersea  Park  that  year  when  they  were  joined  by  half  a  dozen  strippers  on  stage; it's  notable  how  little  of  the  band  you  see  on  the  video.

The  rest  of  the  album  deals  with  their  early  80s  output. "Bear  Cage " was  released  with  brilliant  timing  just  as  Cornwell  went  down  to  Pentonville  in  the spring  of  1980  but  actually  describes  the  experience  of  living  in  the  island  that  was  West  Berlin  during  the  Cold  War. It's  not  one  of  their  better  songs  with  its  dull  chant  of  a  chorus  and  Cornwell  sings  it  like  he  was  addled  at  the  time.

"Bear  Cage"  stiffed  in  the  thirties  and  its  follow-up  "Who  Wants  the  World"  did  no  better. A  Hammond-heavy  R & B ( in  the  original  sense  of  the  term )  number  it  concerns  aliens  dropping  in  on  the  world  and  getting  out  again  damn  quick. Cornwell's  shaky  vocal  is  bolstered  by  the  others  coming  in  halfway  through  each  verse. It's  passable  but  you  do  get  the  sense of  a  band  losing  its  way.

Then  they  brilliantly  resurrected  themselves  with  "Golden  Brown"  their  biggest  hit  and  the  most  likely  Stranglers  song  to  be  heard  on  the  radio.  I can't  imagine  any  reader  not  knowing  it  pretty  well - a  dangerously  seductive  paean to  heroin  set  to  Greenfield's rolling  harpsichord  patterns  with  the  rhythm  section  barely  audible. Utterly  timeless  and  an  object  lesson  in  how  to  restore  your  fortunes  in  one  fell  swoop   with  the  right  song.

"Strange  Little  Girl"  is  the  obligatory  "new"  track  for  release  as  a  single  but  it's  actually  a  re-recording  of  a  track  they  submitted  on  an  unsuccessful  demo  to  EMI  back  in  1974. It's  a  brief  little  Syd  Barrett-ish  ditty  about  a  young  girl  leaving  home  and  getting  lost  in  the  big  city  set  to  a  fuzzy  but  still  slightly  menacing  keyboard  melody ( with  slight  echoes  of  Sparks' This  Town  Ain't  Big  Enough  For  Both  Of  Us  ).  It  gave  them  another  Top 10  hit.

At  this  point  I  usually  lift  the  needle  off  the  disc  because  I  can't  abide  the  final  track  " La  Folie", the  title  track  of  the  album  that  spawned  "Golden  Brown"  and  in  a  decision  that  took  contrariness  beyond  the  point  of  lunacy , released  as  its  follow-up.  It  got  to  number  49  on  the  strength  of,  I'm  assuming,  buyers  not  having  actually  heard  it  beforehand.  A  tasteless  resume  of  a  recent  Parisian  murder  case  where  the  victim  was  actually  eaten  afterwards  it's  mumbled  in  French  by  Burnel  with  an  Air-prefiguring  neurasthenic  synth  backing  which  also  owes  something  to  Vienna  ( a  debt  made  more  obvious  by  the  video  which  has  the  foursome  mooching  about  the  streets  of  Paris ).  It  always  seems  a  lot  longer  than  its  four  minutes.

Surprisingly  for  a  good  value  hits  package   the  LP  only  got  to  number  12  in  the  charts.  Perhaps   EMI  didn't  really  get  behind  it  given  the  circumstances  which  seems  a  shame  since  it  contains  some  of  the  best  music  in  my  collection.



     

111 Ancient Heart - Tanita Tikaram

 

Purchased : 29  October  1988

Tracks : Good  Tradition / Cathedral  Song / Sighing  Innocents / I Love  You / World  Outside  Your  Window / For  All  These  Years / Twist  In  My  Sobriety / Poor  Cow / He  Likes  The  Sun / Valentine  Heart / Preyed  Upon

This  was  bought  in  Rochdale  ( I  can't  recall  which  shop )  on  the  way  up  to  a  2-2  draw  against  Darlington  ( about  which  match  I  can  remember  precisely  nothing ).

Actually  I  suspect  not  quite  remembering  how  this  record  came  into  your  collection is  quite  a  common  phenomenon. The  nineteen-year  old  Tanita's  success  was  so  sudden  and  so  fleeting  that  this  LP  which  reached  number   3  in  the  charts  remains  one  of  the  decade's  curiosities.

The  German-born  daughter  of  a  Malaysian  mother  and  Indo-Fijian  father  burst  onto  the  scene  when  her  first  single  "Good  Tradition"  made  it  to  number  10  in  the  charts  in  the  summer  of  1988. It  was  good  timing ; the  movement  away  from   hardnosed  materialism   ( which  eventually  sunk  its  chief  propagandist  two  years  later )  in  favour of  something  warmer  and  rootsier  brought  success  of  variable  durability  to  the  likes  of  Tracy  Chapman, Enya  and  Fairground  Attraction  and  Tanita's  jaunty  espousal  of  home  and  family  security  fit  the  bill  just  perfectly. It  sounds  like  a  huskier  Chrissie  Hynde  fronting  Too-Rye-Ay  -era   Dexy's  perhaps  unsurprisingly  as  Helen  O' Hara  is  playing  the  violin  on  the  track. ( Incidentally  at  exactly  the  same  time  Kevin  Rowland  was  failing  to  get  arrested  with  material  recorded  under  his  own  name.)

What  became  clear  when  Tanita  put  the  album  out  was  that  she  was  getting  heavyweight  help  from  two  pre-punk  musicians , former  Zombies  keyboards  wizard   Rod  Argent  and   drummer  Peter  Van  Hooke  who  worked  with  Van  Morrison  for  most  of  the  seventies. The  songs  are  Tanita's  but  they  are  credited  as  both  arrangers  and  producers  as  well  as  playing  on  most  of  the  tracks. 

After  the  hit, the  second  track  is  "Cathedral  Song"  an  optimistic  choice  for  third  single  ( it  stalled  at  48 )  but  a  lucrative  earner  for  Tanita  thanks  to  two  big  covers  in  Latin  America. In  an  opaque  way  Tanita  seems  to  be  singing  of  the  conflict  between  earthly  and  spiritual  desires  but  sails  perilously  close  to  Adrian  Mole - territory  with  lines  like  "wrench  my  soul". The  song  starts  out  appropriately  as  a  slow  hymn  resting  on  Argent's  muted  chords  then  develops  into  a  light, tasteful  meander  ( with  some  excellent  guitar  work  from  Mitch  Dalton )  that  sounds  more  attuned  for  the  next  decade ; it  could  easily  be  segued  into  Sting's  Fields  Of  Gold  or  something  by  The  Lighthouse  Family.

The  third  track  "Sighing  Innocents"  exposes  Tanita's  immaturity  as  a  lyricist  with  little  sense  of  bathos - "I'd  rather  be  cold  than  lying  over  there". The  ungrammatical  hookline  " No  this  ain't  sighing  innocents"  reinforces  the  point. The  song  seems  like  a  patchwork  of  one  verse  ideas  stitched  together  and  the  light  guitar  jangle  behind  it  offers  little  by  way  of  compensation.  

The  title  of  "I  Love  You"  wouldn't  win  any  prizes  for  originality  and  the  song  itself  betrays  a  familiarity  with  the  first  Suzanne  Vega  album  and  Freeze  Tag  in  particular. That  said  it's  a  nice  song  in  its  own  right  featuring  with  a  sparse arrangement and  a  more  focussed  regretful  lyric  on  the  impossibility  of  a  meaningful  relationship  with  a  junkie.

"World  Outside  Your  Window"  was  the  fourth  and  final  single  and  the  obvious  choice  ( although  it  only  got  to number  58 ) , a  sprightly  pop  tune  vaguely  about  the  joys  of  travel  with  a  catchy  chorus. It  could  easily  have  fit  onto  any  Dire  Straits  album  and  Argent's  Walk  Of  Life   organ  makes  the  debt  more  obvious.

"For  All  These  Years" is  something  different  again , a  slow  jazzy  meander  dominated  by  the  drowsy  flugel  horn  of  Mark  Isham  and  Van  Hooke's  freeform drumming   on  which  Tanita  comes  across  as  David  Sylvian's  kid  sister. The  song  is  typically  elliptical  but  seems  to  refer  to  guilt  at  both  an  underage  relationship  and  one  with  a  married  man - "Yes  I  have  his  wife  in  the  background".

Side  Two  commences  with  her  second  single  and  defining  song  "Twist  In  My  Sobriety"  which  is  much  better  than  its  modest  number  22  placing  would  suggest. Although  lyrically  impenetrable  the  darkness  at  the  heart  of  the  song  is  palpable  and  the  arrangement  is  first  class  with  Martin  Massiter's  oboe  sinuously  wrapping  itself  around  Van  Hooke's  clipped  drums. The  melody  is  perfectly  suited  to  Tanita's  low  register. The  only  thing  tarnishing  it  is  the  memory  of  the   ghastly  assault  on  it  by  Liza  Minelli  and  the  Pet  Shop  Boys  less  than  a  year  later, a  definite  contender  for  worst  ever  cover. 

"Poor  Cow" is  a  brief  jaunty  little  ditty  with  a  hint  of  Afrobeat  about  the  mating  game  from  a  wry  observer's  point  of  view.

"He  Likes The  Sun"  is  a  long  wordy  song,  again  difficult  to  decipher  but  seemingly  about  a  difficult  relationship. Tanita's  constant  switching  between  between  third  and  first  person  seems  like  a  deliberate  device  to  obfuscate. Musically  it  has  a  slow  prowling  blues-y  groove  with  occasional  hints  of  Ode  To  Billy  Joe  apart  from  a  bizarre  and  jarring  rock  out  in  the  middle  eight .

"Valentine  Heart"  is  a  lovely  piano  and  strings  ballad  with  a  more  direct  and  affecting  lyric  about  getting  serious . It  reminds  me  a  lot  of  the  closing  song   on  one  of  my  favourite  albums  of  all  time  which  we'll  be  discussing  fairly  shortly  so  I'll  say  no  more  here.

"Preyed  Upon"  the  final  track  is  exceedingly  disconcerting  as  the  lyrics  taken  together  with  the  title  could  easily  be  about  an  abusive  relationship - "You  were  inside  that  playground"  , "I 'm  not  choosy  I'm  just  half  grown "  which  is  completely  at  odds  with  the  languid  and  mellow  accompaniment  and  Tanita's  woozy  drawl  of  a  vocal. Maybe  I've  got  it  completely  wrong  but  it  ends  the  LP  on  a  very  odd  note.

But  then  Tanita  was  a  very  odd  pop  star. This  is  a  very  accomplished  debut  giving  little  clue   as  to  why  she  was  unable  to  maintain  the  footing  it  gave  her.  Perhaps  when  we  get  to  the  follow  up  - a  long  way  down  the  line  I'm  warning - it  will  have  become  clearer.

110 Lindy's Party - The Bolshoi

Purchased : October  21  1988

Tracks : Auntie  Jean / Please / Crack In Smile / Swings  And  Roundabouts / She  Don't  Know / T V Man / Can  You  Believe  It / Rainy  Day / Barrowlands / Lindy's  Party

This  was  purchased  the  following  week  from  Soundsearch  for  £4.00. Finding  it  in  the  racks  took  me  by  surprise  as  I  didn't  know  it  existed. It  had  been  released  a  year  earlier  but  not  reviewed  in  either  Record  Mirror  or  Smash  Hits  so  it  passed  me  by.

The  Bolshoi's  third  LP  begins  unpromisingly  with  "Auntie  Jean"  which  rumbles  on  tunelessly  for  nearly  five  minutes, Trevor  Tanner  spinning  a  vague  tale  of  missed  romantic  opportunity  with  his  usual  affected  vocal  over  Jan  Kalicki's  drum  clatter. The  second  verse has  the  line  "Do  you  know  what  I  mean, do  you  know  what  I  am  saying ?"  and  the  answer  is  not  really. The  last  minute  with  Tanner  howling  "Hee hee  hee  hee"  sets  the  teeth  on  edge.

"Please"  was  a  hopeless  single, the  Fairlight  strings  failing  to  mask  the  lack  of  chorus  or  any  melodic  hookline. Tanner  sneers  away   in  the  guise  of  a  whingeing  loser -"Don't  send  me  back  to  the  cheap  seats"  and  despite  a  purposeful  bassline  it's  an  unpleasant  listen.

"Crack  In  Smile"  is  a  more  sympathetic  tale  of  dreams  unlikely  to  be  fulfilled  with  Paul  Clark  adding  a  Billy  Currie-esque  melodic  piano  line  to  sweeten  the  pill. It's  a  tad  too  long  and  over-wordy  in  the  chorus  but  a  big  improvement  on  what's  gone  before.

"Swings  And  Roundabouts"  is  a  jauntily  strummed  number  about  small  town  hanging  round  with  some  neat  wailing  guitar  from  Tanner  but  it's  difficult  to  get  past  the  hero / beer-o  rhyme  in  the  second  verse. Then  he  pulls  the  same  trick  as  in  the  first  track  by  singing  "Ha ha  ha" over  the  closing  bars.

Then  they  finally  get it  right  with  "She  Don't  Know"  a  superb  Goth  pop  song  with  a  great  guitar  riff  and  haunting  keyboards.  It's  a  plaintive  tale  of  female  innocence  worthy  of  Martin  Gore  and  Tanner  for  once  has  the  discipline  to  stay  within  the  tight  melodic  structure. If  they'd  picked  it  as  a  single  it  might  just  have  cracked  the  charts  for  them. 

Side  Two  opens  with  the  one  track  I'd  heard  before  courtesy  of  a  play  on  The  Chart  Show  when  released  as  a  single. "TV Man" wasn't  the  worst  possible  choice  with  a  light  pop  rhythm  and  reasonably  catchy  chorus. Tanner's  lyrics capture  the  ennui  of  the  skint  daytime  TV  watcher  well  enough  but  it  didn't  get  the  airplay  to  make  it  a  hit.

"Can  You  Believe  It" is  a  sharply-observed  tale  of  a  bedroom  nerd  with  delusions  of  grandeur  - "He  held  a  meeting  but  nobody  came". The  middle  eight  is  unusual  with  a  needling  violin  solo  giving  way  to  stadium  noise  and  Tanner's  double-tracked  vocal  on  the  chorus  makes  it  sound  like  early  Squeeze. It's  interesting  but melodically  unattractive.

"Rainy  Day"  doesn't  quite  live  up  to  its  lovely  guitar  intro  but  it's  an  acceptable  pensive  strumalong  about  melancholic  inertia  let  down  by  some  hamfisted  lyrics.

"Barrowlands"  is  a  departure, a  hammy  but  engaging  attempt  to  conjure  the  sinister  spirit  of  their  native  south  west  with  Tanner  accompanied  by  just  Clark's  minimalist  keyboard  and  corny  Hammer  Horror  sound  effects. The  slow  tempo  does  expose  Tanner's  vocal  shortcomings.

The  closing  title  track  is  apparently  regarded  as  something  of  a  classic  on  the  Goth  scene  and  has  appeared  on  the  odd  compilation  in  subsequent  years. It's  certainly  one  of  their  more  intriguing  songs,  a  Where  do  You  Go  To  My  Lovely - style  address  to  some  girl  who's  moved  away  and  made  good  with  mysterious  references  such  as "We  talk  about  Doharty". I  don't  know  of  any  famous  Dohartys  so  that  one's  lost  on  me. Much  of  the  song  is  very  sparse  and  subdued  with  minimal  guitar, muted  trumpet ,drum  machine  and  a  restrained  vocal  from  Tanner  conjuring  an  odd  mood  of  damp  distraction. As  effectively  the  curtain  closer  on  their  career  it's  an  intriguing  way  to  go  out.   

This  is  the  best  of  their  three  LPs  but  it  didn't  sell. They  did  apparently  finish  recording  a  fourth  but  Beggar's  Banquet  have  never  released  it  and  the  band  broke  up  in  1988. Tanner  and  Clark  separately  re-located  to  the  USA  and  still  make  music  but  neither  have  managed  to  achieve  even  the  limited  success  of  their  old  group.