83 Please - Pet Shop Boys

Purchased :  April 1988

Tracks :  Two  Divided  By  Zero / West  End  Girls / Opportunities / Love  Comes  Quickly / Suburbia / Tonight  Is  Forever / Violence / I  Want  A  Lover / Later  Tonight / Why  Don't  We  Live  Together ?

This  also  was  a  1986  album  bought  as  part  of  Britannia  Music's  introductory  offer. As  I  liked  ( to  varying  degrees )  all  four  of  its  hit  singles  I  had  high  expectations  despite  my  ambivalence  about  some  of  the  tracks  on  "Actually".

"Please"  was  the  Pet  Shop  Boys'  debut  LP  released  in  April  1986. It's  a  mainly  self-sufficient  effort  with  a  sole  writing  credit  each  for  original  muse  Bobby  Orlando  and  producer  Stephen  Hague  and  only  two  guest  artists  named  on  the  sleeve.

Orlando's  credit  - in  place  of  Lowe  actually - is  for  the  opening  track  "Two  Divided  By  Zero" . Musically  it's  based  around  a  sample  from  a  speaking  calculator  ( sounding  rather  like  voiceover  legend  Patrick  Allen )  repeating  the  title  phrase. Its  relentless  rigidity  almost  forms  the  bassline  to  the  song. The  musical  debt  to  Kraftwerk  is  obvious  but  Neil  Tennant  spins  a  very  human  tale  urging  another  youngster  to  run  away  with  him  leaving  a  note  for  their  parents - "When  the  postman  comes  we'll  be  miles  away".  Without  Lowe  contributing  it  has  a  very  simple  melody  line.  It's  a  carefully  chosen  introductory  song  for  the  themes  of  escape  and  opportunity  and  a  certain  ruefulness   recur  throughout  the  album. There  is  of  course  another  hidden  theme  as  the  'Boys  were  in  the  closet  at  the  time  ( though  some  of  my  university  friends  cottoned  on  straightaway).

Then  it's  their  big  breakthrough  single  ( at  the  second, remixed,  attempt ),  "West  End  Girls"  which  became  the  post-Christmas  number  one  in  1986  after  steadily  climbing  the  charts. ( When  it was  succeeded  by  A-ha's  The  Sun  Always  Shines  On  TV  I  thought  1986  was  going  to  be  a  golden  year  but  in  fact  it  presaged  my  final  disconnection  from  the  zeitgeist and  I  don't  think  I've  liked  two  consecutive  number  ones  since ).  Tennant  has  always  said  it  was  inspired  by  The  Wasteland's use  of  different  narrative  voices  - the  man  losing  it  in  a  restaurant, the  craver  for  drugs  or  sex  or  both  and  the  purchaser  of  casual  sex - and  it  remains  pop's  greatest  evocation  of  urban  ennui, perhaps  all  culture's  until  Naked  came  along  eight  years  later.  All  the  ingredients , Tennant's  deadpan  rap  and  seedy  lyrics ( plus  the  mystifying  reference  to  mass  murderer  Lenin's  historic  journey )  Lowe's  simple  sad  keyboard  motif  and  Fairlight  trumpet  solo  and  ex- Dylan  backing  singer  ( and  muse  during  his  Christian  phase )   Helena  Springs's   gospel  interjections  add  up  to  a  perfect  package  whose  appeal  remains  undimmed  through  the  years. Is  it  their  greatest  record  ? - you  bet !

It's  not  much  of  a  comedown  to  a  new  version  of  their  other  pre-fame  single  "Opportunities ( Let's  Make  Lots  Of  Money )"  still  irresistible  to  any  TV  producer  documenting  The  Age  Of  The  Filofax. Tennant  actually  intended  it  as  the  story  of  two  losers  hatching  ill-conceived  schemes, inspired  by  the  film  Midnight  Cowboy  but  the  middle  eight  in  particular,  which  Tennant  sings  instead  of  declaiming   has  been  taken  as  a  satire  of  Norman  Tebbit  and  his  ilk. It's  ironic  that  a  song  about  planned  criminality  has  so  much  larceny  in  the  music, the  percussive  beginning  is  very  similar  to  the  intro  to  Talk  Talk , the  synth  stabs  at  the  end  to  Young Guns  Go  For  It  and  the  pounding  drama  of  the  main  song  has  a  similar  feel  to  Propaganda's  Dr  Mabuse  ( it's  worth  noting  that  Art  of  Noise's  J J  Jeczalik  worked  on  both  tracks ). Still  a  great  record  though  especially  the  build  up  to  that  great  shriek  of  "Money !"  at  the  end..

"Love  Comes  Quickly"  was  the  follow-up  to  "West  End  Girls"  peaking  at  a  rather  disappointing  19. There's  not  too  much  wrong  with  it - a  straightforward, slightly  gauche  musing  on  the  unexpected  arrival  of  love  plaintively  sung  set  to  a  pretty  melody  ( for  which  Hague  receives  a  co-writing  credit ). I'm  guessing  it  just  seemed  a  little  conventional,  a  synth-pop  ditty  which  could  have  come  from  Soft  Cell  or  Eurhythmics  who  would  have  given  it  more  beef  in  the  vocal  department.  Roxy's  Andy  McKay  - actually  he  was  in  The  Explorers  at  the  time - is  credited  with  some  saxophone  on  the  track  but  you'd  be  hard  pressed  to  pick it  out.

"Suburbia"  was  the  fourth  single  from  the  LP  and  restored  them  to  the  Top  10. Its  lyric  about  disaffected  youth  getting  into  trouble  could  have  come  straight  from  Setting  Sons.  The  song  has  urgent  dramatic  verses  punctuated  by  squeaky  synth   followed  by  a  warm  affectionate  chorus  with  the  melody  line  picked  out  on  a  piano. There  are  also  plenty  of   sound  effects  ( there  were  even  more  on  the  single  version ). It's  hard  to  imagine  Tennant  ever  "ran  with  the  dogs"  - what  you  have  is  the  bookish  nerd  romanticising  what  the  bad  boys  get  up  to , a  recurring  theme  in  pop  from  Pete  Townsend  to  Morrissey. 

The  second  side  contains  no  singles  and  is  rather  more  personal  in  its  concerns. "Tonight  Is  Forever"  is  a  slab  of  melancholy  Eurodisco  from  the  point  of  view  of  someone  who  knows  their  lifestyle  of  night  time  hedonism  can't  be  sustained. Lyrically  it's  a  close  cousin  to  Soft  Cell's  Bedsitter.  The  beginning  is  similar  to  Depeche  Mode's  Blasphemous  Rumours  but  it  soon  turns  into  a  blaring  Fairlight  romp  with  a  marked  similarity  to  Hague's  single  with  New  Order,  True  Faith   which  came  out  the  following  year. If  they  had  wanted  a  fifth  single  this  would  have  been  the  best  candidate.

"Violence"  swaps  the  Hi-NRG  beat  for  a  langorous  electro-funk  sound, similar  in  pace  to  Style  Council's  Long  Hot  Summer. Tennant  laments  the  prevalence  of  gun  culture  amongst  urban  gangs  in  a  keening  wail  he  doesn't  often  use  before  reverting  to  a  Patrick  Allen  tone  for  the  stern  warning  - "Violence  breeds  violence"  - that  constitutes  the  chorus.  Springs  pops  up  again  to  add  colour  with  some  wordless  Great  Gig  In  The  Sky  wailing.

The  tempo  revs  up  again  with  "I  Want  A  Lover"   about  the  sexual  anticipation  prior  to  a  one  night  stand.  It's  a  good  tune  and  Lowe  pulls  out  all  the  stops  with  the  string  synths   sawing  away  and  Trevor  Horn- inspired  dramatic  flourishes  but  there's  something  missing  and  it's  probably  Tennant's  vocal  that's  to  blame. His  diffident  voice  is  great  for  expressing  regret  or  sorrow  not  so  suited  to  conveying  arousal. The  song  needs  a  Laura  Branigan  to  do  it  justice.

"Later  Tonight"  is  a  moody , vaguely  Scott  Walker-ish  piano  ballad  credited  solely  to  Tennant. The  song  is  about  an  unrequited  crush  on  a  jock  leading  one  presumes  to  the  sin  of  Onan  in  the  nocturnal  hours -"He  is  the  head  boy  at  the  school  of  thought  of  your  invention". There's  only  one  verse  and  a  sad  statement  for  a  chorus.

"Why  Don't  We  Live  Together"  closes  the  album. As  the  title  suggests  it's  a  plea  for  a  more  permanent  relationship  though  there's  a  hope  rather  than  a  certainty  that  it  will  work  out. Tennant's  "You  may  not  always  love  me"  inverts  the  opening  line  of   God  Only  Knows  to  good  effect  but  it's  hard  not  to  be  distracted  by  the  thievery  elswehere. The  rhythm  track  seems  to  have  been  lifted  wholesale  from  Into  The  Groove  so  you're  expecting  Ms. Ciccone  to  come  in  with  "And  you  can  dance..." at  numerous  junctures  and  the  main  melody  line  sounds  like  it's  been  filched  from  Third  World's  Dancing  On  The  Floor. It's  this  and  Tennant's  whiney  vocal  that  make  it  an  unsafisfactory  closer.


"Please"  is  a  better , more  consistent  album  than  "Actually"  which  highlights  both  the  strengths  and  weaknesses  of  the  group. It  will  be  some  time  before  we  meet  them  again , the  various  remix  albums  and  vitality-sapping   collaborations  through  1988 -90  making  me  a  bit  wary  of  them  thereafter.

82 So - Peter Gabriel

Purchased  :  April  1988

Tracks : Red  Rain / Sledgehammer / Don't  Give  Up / That  Voice  Again / In  Your  Eyes / Mercy  Street / Big  Time / We  Do What  We're  Told

Now  that  I  had  some  money  in  the  bank  I  could  satisfy  one  consumer  urge  which  was  to  join  the  Britannia  Music  Club  as  regularly  advertised  in  the  pages  of  Radio  Times. This  was  one  of  the  three  bargain  purchases  made  through  their  introductory  offer.

We're  now  back  to  catching  up  on  the  albums  released  during  my  period  of  penury. "So"  was   Peter  Gabriel's  fifth  solo  album  ( not  counting  the  Birdy  soundtrack  two  years  earlier )  and  he  was  under  a  bit  of  pressure  to  deliver. His  fourth  self-titled  LP in  1982  hadn't  contained  any  hits  and  therefore  didn't  sell  particularly  well, not  enough  to  finance  his  losses  on  the  too-far-ahead- of  its-time  WOMAD  festival  and  he'd  been  forced  to  do  a  reunion  concert  with  Genesis  to  ward  off  his  creditors.

I  had  been  moderately  interested  in  him  over  the  years. "Solsbury  Hill"  and  "Games  Without  Frontiers" were  both  favourites  and  I  always  listened  when  his  records  were  played  on  the  Annie  Nightingale  show  but  a  lingering  punk  snobbery  had  perhaps  prevented  me  investigating  any  closer. The  run  of  singles  from  this  LP  in  1986-7  broke  down  that  barrier.

The  last  of  them  kicks  off  the  album. "Red  Rain " is  a  long,  epic  track  seemingly  about  acid  rain  but  also  referencing  Gabriel's  previous  intimations  of  ecological  catastrophe. It  is  plagued  by  eighties  production  values  with  Jerry  Marotta's  cavernous  drums  too  high  in  the  mix   but  is  saved  by  a  consummate  vocal  performance  from  Gabriel   moving  from  searing  indictment  early  on  to  weary  resignation  by  the  close. The  Police's  Stewart  Copeland  guests  on  hi-hat  simulating  rainfall  throughout  the  song.

It's  followed  by  his  monster  hit  "Sledgehammer"  which  made  him  an  international  star  reaching  number  one  in  the  US  and  attracting  multiple  awards  for  its  semi-animated  video.  The  music  is  heavily  influenced  by  Stax   and  features  Wayne  Jackson  from  the  original  Memphis  Horns  on  trumpet  although  it's  slow. grinding  white  funk  rather  than  sixties  soul. Gabriel  brings  his  tortured  persona  to  singing  about  sex  and  relationships  with  a  variety  of  sexual  metaphors  aided  by  P P  Arnold  and  Dee  Lewis  on  backing  vocals. It's  perhaps  a  little  over-familiar  now  but  remains  impressive.

It  was  followed  as  here  by   "Don't  Give  Up"  his  duet  with  Kate  Bush, an  overtly  political  song  about the  despair caused  by  unemployment  and  the  balm  offered  by  friends  and  family  as  voiced  by  Bush. Musically  under-stated  with  Tony  Levin's  limpid  bass  and  Manu Katche's  soft  percussion  bubbling  underneath  the  hazy  synth  chords. A  piano  comes  in  for  the  middle  eight  where  Gabriel  rouses  himself  to  a  roar  of  defiance  before  slipping  back  to  resignation  in  the  final  verse  - "so  many  men  no  one  needs". The  ominous  coda  after  Bush's  final  lines  suggests  no  easy  resolution. There  was  it  must  be  said  some  critical  resistance  to  the  idea  of  two well-established  artists  from  the  relatively  unscathed  Home  Counties  singing  about  unemployment  but  it's  always  sounded  convincing  to  me.

The  first  of  the  album's  non-singles  closes  out  side  one."That  Voice  Again"  caused  Gabriel  some  problems  with  a  number  of  re-writes  and  he  wasn't  fully  satisfied  with  the  finished  article.  I  share  those  reservations. There  is  a  decent  song  about  the  poison  of  past  words  hindering  a  reconciliation,  trying  to  fight  its  way  past  the  horrible  80s  production  strongly  reminiscent  of  ( Gabriel  acolytes )  Tears  For  Fears's ungainly  Mother's  Talk  but   it  doesn't  quite  make  it. The  sparse  verses  deserve  a  better  chorus  ( which in  its  over-produced  vaguely  funky  way  veers  too  close  to  a  certain  ex-bandmate's  solo  work )  and  the  meandering  instrumental  break  which  delays  the  arrival  of  the  second  chorus  is  a  strange  artistic  decision.

Side  Two  commences  with  "In  Your  Eyes"  which  wasn't  a  single  in  the  UK  but  a  hit  twice  over  in  the  US  through  its  use  in  a  Cameron  Crowe  film. It's  a  straightforwardly  honest   love  song  built  on  a  dense  percussion  track  from  Katche  and Marotta.  Gabriel  gives  another  consummate  vocal  performance  helped  out  by  Youssou  N' Dour  towards  the  end  ( Jim  Kerr  is  among  the  backing  vocalists  on  the  chorus ).  The  right  ingredients  are  in  place  but  I  find  it  melodically  dull  and  over-polished.

"Mercy  Street"  was  inspired  by  and  dedicated  to  the  bipolar  American  poetess  and  eventual  suicide  Anne  Sexton  who  used  the  phrase  in  the  title  of  a  poem, a  posthumous collection  and  a 1969  play. The  poem  is  a  crushingly  sad  expression  of  realising  the  impossibility  of  returning  to  childhood  security  ( which  may  never  have  existed  anyway ).  This  isn't  the  place  to  delve  further  into  Sexton's  work. Gabriel  intermingles  references  to  the  poem  with  biographical  detail  such  as  the  attempts  of  various  doctors  and  a  priest  who  tried  to  help  Sexton  in  her  struggle  with  mental  illness. Musically  it  uses  the  same  formula  ( though different  personnel )  of  muted  percussion  and  bass  and  sombre  keyboards  as  "Don't  Give  Up"
and  you're  almost  expecting  him  to  come  in  with  "In  this  proud  land  we  grew  up  strong"  at  one  or  two  points. However  it  is  a  good  song  in  its  own  right  though  too  subdued  to  be  a  single.

The  final  single  on  the  album ( 3rd in UK  release  order )  is  "Big  Time"  which  vies  with  a  track  discussed  in  the  very  next  post  to  be  the  record  which  best  encapsulates  the  yuppie  culture  of  the  latter  half  of  the  eighties. Performed  by  largely  the  same  crew as  on  "Sledgehammer"  ( with  the  notable  substitution  of  Copeland  for  Katche )  the  music  is  more  informed  by  contemporary  funk  somewhere  between  Prince  and  Level  42  and  the  brass  men  are  barely  used. Gabriel  sings  in  character  as  an  arriviste  who  spends  his  new  wealth  on  vulgar  excess  and  it's  more  succint  and  effective  than  anything  Paul  Weller  came  up  with  during  that  decade.

The  album  ends  with  "We  Do  What  We're  Told ( Milgram's  37) "  inspired  by  the  famous  psychological  experiments  which  proved  that  ordinary  people  were  more  than  willing  to  administer  electrical  shocks  to  each  other  if  instructed. Gabriel  expressed  dissatisfaction   with  it  saying  it  could  have  been  developed  further  and  again  he's  right. There's  little  more  to  it  than  a  doomy  chant  over  a  synth-pop  doodle  that  marries  early  OMD  synth  sounds  with  the  jerky  percussion  of  Yazoo's  Ode  To  Boy. It's  a  curiously  insubstantial  way  to  end  the  LP.

In  the  90s  "So"  would  regularly  appear  in  "Classic  Album"  round-ups  but  in  recent  years  it  seems  to  have  been  quietly  dropped  from  the  "canon". Perhaps  this  is  partly  due  to  Gabriel's  subsequent  output  being  so  meagre  and  largely  disappointing ( "Digging  In  The  Dirt" being  the  magnificent  exception ).  I  think  it  falls  a  little  short  of  being  a  classic  but  for  its  time  it  was  a  very  good  attempt.

81 Night Moves - Various Artists

Purchased  :  8  April 1988

Tracks :  Dreaming ( Blondie ) / Video  Killed The  Radio  Star ( Buggles ) / Every  Day  Hurts  ( Sad  Cafe ) / Lost  In  Music ( Sister  Sledge ) / Street  Life  ( Crusaders ) / Reggae  For  It  Now ( Bill Lovelady ) / Just  When  I  Needed  You  Most  ( Randy  Vanwarmer) / The  Loneliest  Man  In  The  World ( Tourists ) / Back Of  My  Hand ( The  Jags ) / Can't  Get  Enough  Of  Your  Love ( Darts ) / Ring  My  Bell ( Anita  Ward ) / Bang  Bang  ( B A  Robertson ) / Angel  Eyes ( Roxy  Music ) / Stay With Me Till Dawn ( Judie  Tzuke ) / Skin Tight ( Noosha  Fox ) / You  Can  Do  It  ( Al  Hudson &  The  Partners ) / Wanted  ( The  Dooleys ) / Get  Dancin ( Bombers ) / Morning  Dance ( Spyro  Gyra ) / Madness ( The  Prince )

This  was  my  second  purchase  from  the  Save  records  cassette  sale. It  was  bought  on  my  way  up  to  Spotland  for  a  coach  to  an  evening  game  at  Colchester  ( by  far  the  longest  trip  I'd  undertaken in  support  of  Dale  at  that  point; we  lost  1-0)  and  so  not  listened  to  until  the  following  day. I  also  recall  that  after  buying  it  I  went  to  The  Baum ( part  of  the  Toad  Lane  heritage  area  celebrating  Rochdale's  role  in  the  origins  of  the  Co-Op  movement )    for  some  lunch  because my  friend   Sean's  brother  Frank  was  the  (or  at  least  a ) chef  there. I  was  a  bit  disappointed. Although  Frank  did  quietly  acknowledge  me,  I  got  no  extras  and  indeed  thought  the  portions  ( Beef  Stroganoff  in  case  you  were  interested ) were  a  bit  stingy.

This  cassette  must  have  been  lurking  at  the  back  of  a  cupboard  for  some  time  since  it  covers  the  summer  and  early  autumn  of  1979. (In  a  sense  we've  come  full  circle  since  that  was  when  this  story  commenced). It  was  released  by  K-Tel  for  the  Christmas  market  that  year  and  peaked  at  number  10. As  usual  with  K-Tel  it  was  an  eclectic  selection  including  two  number  ones  and  a  non-hit  on  the  second  side. There  were  no  bona  fide  favourites  that  I  didn't  already  have  in  one  form  or  another. This  was  simply  bought  to  wallow   for  an  hour  or  so in  a  musical  snapshot  from  the  happiest  time  of  my  life  and  writing  in  2012  that  is  still  true.  

So  what  does  this  tell  us  about  the  music  of  1979 ? Well, without  The  Police, Gary  Numan  and  Joy  Division, not  everything  obviously. The  biggest  band  featured  kick  proceedings  off  with  "Dreaming"  which  just  failed  to  make  it  a  hat-trick  of  number  ones in  the  year  ( they'd  pull  that  off  in  1980 )  despite  being  the  lead-off  single  for  a  new  album.  The  opening  chords  are  strikingly  similar  to  Born  To  Run  and  there's  an  obvious  shared  affection  for  Phil  Spector  going  on  here. Clem  Burke  in  particular  drums  up  a  storm  to  give  the  song  the  required  Big  Sound. Debbie  Harry  co-wrote  the  song  with  Chris  Stein  and  when  you  hear  the  opening  couplet  -"When  I  met  you  in  the  restaurant, you  could  tell  I  was  no  debutante" - you  do  wonder  if  the  34-year  old  intended  to  be  quite  so  self-deprecating. As  with  "Sunday  Girl"  there's  a  clear  homage  to  60s  girl  groups  ( around  this  time  The  surviving  Shangri-las  slyly pointed  out  that  they  were  still  younger  than  Harry )  on  this  paean  to  indolence  but  it  feels  like  pastiche  coming  from  sassy  New  Yorkers  who'd  been  round  the  block.

It's  followed  by  one  of  the  two  number  ones  but  I've  said  all  I  needed  to  about  "Video  Killed  The  Radio  Star"  in  the  post  on  "The  Age  Of  Plastic"  so  we'll  move  straight  on  to  "Every  Day  Hurts" . Early  on  in  1979  I'd  noticed  a  lot  of  posters  for  a  Sad  Cafe  gig at  Middleton  Civic  Hall  so  when  they  crashed  into  the  singles  charts  with  this  elegant  piano  ballad  I  knew  they  were  something  of  a  local  band. It  took  a  few  listens  before  I  appreciated  this  AOR  classic  with  its  stoic  verses  exploding  into  the  densely-packed  harmonies  of  the  chorus. As  a  tale  of  wrenching  loss  it's  not  as  affecting  as  Without  You  ( singer  Paul  Young  didn't  have  Nilsson's  range  for  one  thing )  but  an  honourable  second. It  peaked  at  number  3  by  far  their  biggest  hit. Less  than  18  months  later  their  chart  career  was  over  but  they  soldiered  on  until  1989  when  Young  became  one  of  the  two  vocalists  in  Mike  and  The  Mechanics. In  the  nineties  I  worked  with  his  next-door  neighbour  for  a  time  before  his  death  in  2000.

"Lost  In  Music"  had  already  re-visited  the  charts  in  1984  ( when  it  was  actually  a  bigger  hit )   and  would  do  so  again. It  is  one  of  the  four  monumental  tracks  from  the  "We  Are  Family"  album  released  as  singles  which -"Le  Freak"  apart - seem  to  have  eclipsed  Chic's  own  singles  as  the  crowning  glory   of   Rodgers  and  Edwards'  art. Perhaps  that's  because  the  Sledge  girls ,  particularly  the  brace-wearing  Kathy  were  better  singers  than  Norma  Jean  Wright  and  her  replacements.  The  song  is  a  simple  statement  of  choosing  to  play  music  over  a  conventional  career   with  the  trademark  bendy  bass  line  and  hypnotic  rhythm  gutar  behind Kathy's  husky  vocal. I  don't  think  the  Chic  duo  were  quite  the  geniuses  they're  made  out  to  be  by  the  likes  of  Maconie  - there's  a  fair  few  conspicuous  failures  on  their  cv - but  this  is  pretty  unknockable.

"Street  Life"  reminds  us  of  another  great  voice  from  this  period. The  Crusaders  had  been  a  respected  jazz-funk  outfit  for  two  decades  but  it  was  the  co-option  of  27-year  old  vocalist  Randy  Crawford  that  gave  both  parties  a  commercial  breakthrough. It's  a  delicious  combination  of  a peerless  vocal , ultra-tight  playing  from  pianist  Joe  Semple  and  saxophonist  Wilton  Felder  and  an  utterly  scabrous  lyric  about  the  necessity  of  prostitution  that  didn't  stop  it  reaching  number  5  in  the  UK. Crawford  of  course  was  a  major  star  in  the  following  years  but  she  never  topped  this.

The  next  song  throws  up  something  of  a  paradox  when  listening  to  the  LP  for  the  first  time - it  was some  of   the  songs  I  hadn't  heard  before  ( or  had  completely  forgotten )  which  had  the  most  emotional  impact. It  was  perhaps  the  thrill  of   hearing  something   from  that  golden  time  which  was  unsullied  by  being  aired  in  the  following  decade. Douglas  Coupland  tapped  into  this  feeling  in  Girlfriend  In  A  Coma ; the  comatose  Karen  is  worshipped  by  her  old friends  because  she's  still  got  the  essence  of  1979  locked  within  her. I  don't  know  how  I  managed  to  miss  "Reggae  For  It  Now"   the  first  time  round  since  it  was  a  Top  20  hit  but  I  loved  it  now. A  white  guitarist and  songwriter  from  Liverpool  Bill  Lovelady  eschews  singing  in  a  Jamaican  accent  for  a  white  soul  vocal  on  this  London-set  tale  of  wooing   a  high  maintenance  girl  with  the  music. The  sound  owes  a  lot  to  Dreadlock  Holiday  but  the  song  still  sounds  wonderfully  fresh  with  its  lilting  melody  and  warm  horn  fills. There's  another  Proustian  rush  to  be  had  from  the  lyrics  with  the  line  "Take  your  Interceptor  right  to  her  gate"  which  refers  to  the  Jensen  Interceptor,  a  trendy  sports  car  which  ceased  production  in  1976.

Next  up  is  another  one  hit  wonder. Randy  Vanwarmer  originally  hailed  from  Colorado  but  relocated  to  Cornwall  with  his  mother  at  15  and  didn't  enjoy it  over  here  particularly  after  his  American  girlfriend  returned  home. This event  inspired  the  accusatory  "Just  When  I  Needed  You  Most"  which  was  co-written  with  ex-Hot  Chocolate  man  Tony  Wilson  and  originally  intended  as  a  B-side. Vanwarmer's  mard  tones  suit  the  maudlin  self-pity  of  the  lyric  and  the  lush  musical  setting  is  marked  by  an  autoharp  solo  in  the  middle  eight  from  The  Lovin' Spoonful's  John  Sebastian. The  single  peaked  at  11  here  and  4 in  the  UK.  Vanwarmer's general  work  was  apparently  more  adventurous  in  nature  and  though  he  had  a  couple  more  minor  hits  in  the  US  this  was  his success  here  before  his  premature  demise  in  2004  at  the  age  of  48.

Then  we  have  The  Tourists  with  the  equally  maudlin  "The  Loneliest  Man  In  The  World"  which  gave  the  band  their  first  Top  40  hit. The  sombre  organ  chords  of  the  intro  recall  fellow  Scots  Slik  though  once  Jim  Toomey's  drums  kick  in  there's  an  unmistakable  similarity  to  Blondie's  power  pop  sound. Annie  Lennox's  Scottish  vowels  are  a  little  more  prominent  than  on  later  work  and  she  pushes  her  voice  thrillingly  close  to  breaking  point  in  the  middle  eight. The  track  does  offer  a  glimpse  into  an  alternative  future; it  wasn't  written  by  either  Lennox  or  Stewart  but  the  latter's  fellow  guitarist  Peet  Coombes  who  was  the  real  driving  force  in  the  band  and  is  a  prominent  backing  vocalist  here. When  the  band  split  in  1980  Lennox  and  Stewart  went  off  to  become  superstars  but  Coombes  never  got  back  on  his  feet   and  died  in  1997  after  years  of  substance  abuse.

Light  relief  then  arrives  with  The  Jags  and  their  impressive  Elvis  Costello  impersonation  on  "Back  Of  My  Hand"  a number  17  hit  in  October  after  saturation  play  on  Radio  One  all  summer  ( when  I  thought  it  was  called  "Riddleman  Daddleman" thanks  to  singer  Nick  Watkinson's  murky  diction ).  It  is  a  nifty  little  power  pop  number  taken  at  a  frantic  pace and  now  sounds  like  a  historical  curiosity - the  imminent  steep  decline  in  Costello's  commercial  fortunes  meant  that  few  would  try  to  mimic  him  in  future.  The  Jags  follow-up  single  "Woman's  World"  joined  the  exclusive  club  of  "doorstopper"  singles  by  spending  a  single  week  in  the  lowest  chart  position  ( then  75 )  and  they  disbanded  in  1982.

Side  One  concludes  with  another band  on  the  slide. "Can't  Get  Enough  Of  Your  Love"  broke  a  run  of  7  consecutive  Top  20  singles  for  Darts ( including  3  number  2's )   by  peaking  at  43  and  they  only  managed  one  more  sizeable  hit  in  1980.  It's  difficult  to  see  why  this  song  did  so  badly  ( other  than  exceptionally  strong  competition )  and  it's  another   gem  that  had  passed  me  by  at  the  time.  It  was  produced  by  Roy  Wood  who  also  played  the  striking  sitar  intro. Written  by  drummer  John  Dummer it  bounces  along  on  a  Dave  Edmunds  style  rhythm  guitar  riff  with  an  infectious  chorus. Rita  Ray  does  the  lead  vocal  with  Bob  Fish  and  new  bass  singer  Ken  Andrews  getting  a  couple  of  lines  each  on  the  middle  eight.

 The  second  side  is  more  dance-focussed  and  so  kicks  off  with  the  other  number  one  "Ring  My  Bell"  by  Anita  Ward, one  of  the  most  obscure  chart-topping  artists  of  all  time.  A  schoolteacher  discovered  by  record  producer  Frederick  Knight  ( himself  a  one  hit  wonder  as  an  artist ) she  was  persuaded  to  record  the  song  originally  intended  for  teen  prodigy  Stacy  Lattisaw. The  lyrics  were  made  more  adult  for  the  23-year  old  Ward  and  the  rest  is  history.  The  song  made  number  one  on  both  sides  of  the  Atlantic  but  now  sounds  one  of  the  more  lightweight  products  of  the  disco  era, its  most  distinctive  element  the  Synare  electronic  drum  "playing  a  decaying  high-pitched  tom  tone" ( thanks  wikipedia)  at  the  end  of  each  bar. Ward  herself  sounds  rather  amateurish like  she's  attempting  Minnie  Ripperton  for  one  of  those  awful  Top  Of  The  Pops  albums.

Then  comes  a  single  that  everyone  around  me  seemed  to  love  ( and  it  got  to  number  2 )  but  I  thought  was  awful.  "Bang  Bang"  got  a  leg  up  from  Noel  Edmunds  and  gave  B A  Robertson  a  hit  after  6  years  of  effort. To  me  it  just  represented  the  worst  sort  of  Richard  Stilgoe-esque  smug  doggerel,  full  of  bad  puns , faux-erudite references  ( plus  the  ever-mystifying  "Johnny  Fruin" - to  rhyme  with  ruin  you  see )  set  to  really  dated  Chicory  Tip  synth  sounds. I  look  forward  to  reading  what  Lena  Carlin  thinks  of  it. I  actually  liked  his  next  two  singles  but  never  thought  he  had  the  talent  to  be  a  lasting  player. His  career  as  a  TV  presenter  when  the  hits  dried  up  was  torpedoed  by  Annabella  Lwin  who  reacted  to  his  rather  creepy  introduction  by  calling  him  an  old  hippie  and  accepting  his  disastrous  invitation  to  walk  out. He's  still  reasonably  active  as  a  songwriter  but  I  haven't  seen  his  Jimmy  Nail-like  visage  in  front  of  the  cameras  for  decades  now.

Roxy  Music  are  next  with  the  third  single  from  their  tepid  comeback  album  "Manifesto". Although  a  sizeable  hit  ( number  4 )  it's  best  remembered  for  being  in  the  charts  at  the  same  time  as  an  Abba  song  with  the  same  title. For  me  this  is  the  least  memorable  of  all  their  singles , a  competent  disco  track  with  some  nice  instrumental  touches  ( the  harp  for  example )  but  at  the  heart  of  it  an  utterly  vacuous  song  with  no  hooks  or  chorus. It  always  seems  to  end  before  it's  got  going.

One  hit  wonder  time  again  but  Judie  Tzuke  is  a  special  case. "Stay  With Me  Till  Dawn"  reached  number 16  in  August  and  it  looked  like  the  first  of  many  but  thereafter  it  became  apparent  that  Judie  had  acquired  a  fanbase  which  completely  disdained  buying  singles. Her  albums  charted  well  throughout  the  eighties  and  she  headlined  Glastonbury  in  1982  but  there  were  no  more  hits. "Stay  With Me"  is  a  lush  neurasthenic  ballad  evoking that  same  air  of  Home  Counties  ennui  as  Clifford  T  Ward  or  early  Kate  Bush, the  angst  of  the  comfortable. Judie's  voice  is  deep  and  pure  and  it's  hard  to  imagine  any  man  resisting  the  sexual  come-on. Although  her  following  dropped  away  in  the  early  90s  Judie's  still  active  today,  going  her  own  way  ( working  with  Gareth  Gates  for  God's  sake ! )  out  of  the  spotlight.

Noosha  Fox's  "Skin  Tight"  is  the  joker  in  the  pack  here, failing  to  chart  at  all. I  didn't  catch  it  at  the  time and  didn't  realise  until  some  time after  1988  that  she  was  the  ex-lead  singer  of  mid-70s  pop  band  Fox  ( yeah  yeah,  I  know  there's  a  clue  in  her  name ) . I  just  assumed  from  this  that  she  was  a  Lene  Lovich  wannabe. This  tale  of  female  lust  has  an  interesting  arrangement  with  stabbing  violins  and  banjo  over  a  melodic  bassline  but  Fox's  mannered  vocals  make  it  sound  horribly  dated.

I  didn't  recall  Al  Hudson  and  the  Partners' "You  Can  Do  It"  either  though  it  reached  no  15. On  hearing  it  I  wasn't  surprised as  it's  an  absolutely typical  disco  record  in  the  Kool  and  the  Gang  vein  with  appropriately  mindless  lyrics. The  only  point  of  interest  to  me  is  the  similarity  of  the  keyboard  riff  to  Curiosity  Killed  The  Cat's  Misfit.

"Wanted"  was  one  of  the  big  surprises  of  the  year. The  Dooleys  had  emerged  two  years  earlier as  a  wholesome  family  act  peddling  saccharin  Eurovision  pop  to  near-universal  derision. With  this  single  they  changed  tack, pushed  the  girls  forward  and  came  up  with  this  shrill  synth-pop  which  crackles  with  frustrated  passion  and  wouldn't  have  been  out  of  place  on  Voulez-Vous. It  became  their  only  Top  5 hit  but  this  seemed  to  scare  the  band  and  they  retreated  to  type  on  subsequent  singles  soon  fading  away.

Bombers  were  a  Canadian  disco  act  and  "Get  Dancin"  reached  number  37. Their  song  sounds  a  bit  like  Chic  and  that's  all  I  can  think  of  to  say  about  it.

There's  little to  be  said  about  Spyro  Gyra's instrumental  "Morning  Dance"  either  other  than  noting  the  interesting  confluence  of  standard  sax-led  jazz  funk  with  calypso  steel  drums  which  makes  it  instantly  recognisable  for  pop  quizzes ( thus  distinguishable  from  Mezzoforte  and  Azymuth).

The  LP  concludes  with  an  acknowledgement  of  the  latest  youth  cult  in  Madness's  "The  Prince"   their  first  hit  and  only  release  on  the  Two  Tone  label.  A  good-natured  tribute  to  early  60s  ska  icon  Prince  Buster, it  wasn't  written  by  Mike  Barson  and  therefore  is  no  great  shakes  as  a  song. The  unusual  jerky  rhythms  and  sax  solo  no  doubt  helped  it  chart  but  they  would  come  up  with  much  better  than  this  in  the  future. 

And  there  we  must  leave  1979  for  the  time  being. The  LP  did  its  job  but  time  moves  on.




 

80 The Best Of A Flock Of Seagulls

Purchased :  March  1988

Tracks :  I  Ran / Space  Age  Love  Song / Telecommunication / The  More  You  Live  The  More  You  Love / Nightmares / Wishing / Talking / Transfer  Affection / Who's  That  Girl / D.N.A.

This  is  the  first  single  artist  compilation  to  feature  here  and  the  first  album  bought  on  cassette  for  some  time. It  was  bought  for  £2.99  from  a  cassette  sale  at  Save  Records  on  Rochdale  Market  probably  on  the  way  to  one  of  the  last  few  matches  of  a  dire  season.

As  I  don't  have  any  of  the  four  albums  that  preceded  it  and  supply  all  10  tracks ( nor  the  one  issued  under  the  group  name  in  1989  that  only  featured  Mike  Score )  we can  for  once  take  a  look  at  the  group's  career  as  a  whole  although  the  track  selection  doesn't  help in that  respect with  only  track  each  from  their  latter  two  LPs.

The  band  were  never  critical  favourites  ( that's  putting  it  mildly )  and  antagonism  towards  them  increased  exponentially  when  they  had  major  US  success  as  part  of  the  so-called  Second  British  Invasion  in  1982.  For  a  time  that  rather  endeared  them  to  me  but  by  1984  I'd  lost  interest  after  a  string  of  uninspiring  singles  and  bought  this  mainly  for  "Wishing" , by  far  their  biggest  UK  hit  from  November  1982.

The  band  were  from  Liverpool  and  were  formed  by  hairdresser  Mike  Score  ( vocals  and  keyboards )  in  1979  .  He  was  joined  by  his  brother  Ali  on  drums  and  fellow  hairdresser  Frank  Maudsley  on  bass. After  the  original  guitarist  was  replaced  by  talented  youngster  Paul  Reynolds  they  attracted  the  attention  of  Bill  Nelson  who  produced  their  first  two  singles  in 1981  and  released  them  on  his  own  Cocteau  Records. The  band  then  signed  with  Jive  and  though  their  first  release  "Modern  Love  Is  Automatic " ( sadly  not  included  here )  flopped  the  second  single  "I  Ran" just  missed  out  on  the  UK Top  40  then  surpassed  all  expectations  by  reaching  number  9  in  the  USA. The  UK  caught  up  with  the  success  of  "Wishing"  a  few  months  later.  Mike  Score also  unveiled  what  is  still, thirty  years  on, pop's  most  ludicrous  hairstyle. Thereafter  their  decline  was  fairly  swift  in  both  markets  - assisted  by  their  place  alongside  Squeeze  and  The  Motors  as  the  least  photogenic  of  bands - and  Reynolds  quit  with  exhaustion  after  the  third  LP. The  remaining  trio  dissolved  after  one  more  album  in  1986  reuniting  only  briefly  in  2003 at  VH1's  behest.  Mike Score  now permanently resident  in  Florida  has  released  records  and  toured  as  A  Flock  Of  Seagulls  without  any  participation  from  the  other  members.


It's  " I  Ran"  that  kicks  off  proceedings  here, their  signature  song  and  one  that  illustrates  their  sound  pretty  well . M  Score's  synth  washes  and  lyrical  preoccupation  with  sci-fi  themes  made  them  obvious  if  rather  late  candidates  for  the  futurist  tag  but  Reynolds  was  a  true  post-punk  guitarist  and  his  prominence  on  a  lot  of  their  material  takes  it  closer  to  U2  or  Siouxsie  and  The  Banshees  than  their  New  Romantic  fellow  travellers.  Lyrically  "I  Ran"  seems  to  be  about  meeting  a  girl  and  then  promptly  being  abducted  by  aliens. It's  dominated  by  Reynold's  riff  which  no  doubt  helped  sell  it  to  the  Americans  and  the  coda  is  vaguely  similar  to  that  in   Hong  Kong  Garden. Though  it  is  a  strong  pop  single  the  limiting  factors  in  the  band's  make-up  are  in place  here ; M  Score  is  no  great  shakes  as  a  singer  and  his portly  balding  brother  is  a  pedestrian drummer  even  when  assisted  by  machines.

It's  followed  (as  it  was  on  their  debut  LP  and  their  single  release  schedule)  by  "Space  Age  Love  Song"  which  is  little  more  than  a  Clinton  Cards  message  set  to  a  U2  riff. Replace  Score's  monotonous  drone  with  a  little  girl  voice  and  it  could  be  Altered  Images. Score  adds  a  litle  colour  on  keyboards  towards  the  end   but it's  pretty  vacuous  all  the  same. Nevertheless  it's  well-produced  and  hit  the  Top  40  on  both  sides  of  the  pond.

We  then  have  a  third  track  from  the  debut  LP  in  "Telecommunication"  though  it  was  originally  their  second  single  for  Cocteau  in  1981  and  has  a  harsher  more  metallic  sound  as  you  would  expect  from  Bill  Nelson's  involvement. It's  a  strangely  compelling  mix  of  influences  with  Score  impersonating  John  Foxx in  both  his  dehumanised vocal  and  techno-fetishistic lyric, an  intro  that  recalls  Hawkwind's  Silver  Machine,  the  main  part  of  the  song  clearly  in  debt  to  Joy  Division's  Isolation  and  Reynolds  providing  intermittent melodic  relief   with  his  Edge-like  guitar  breaks.

Then  it's  forward  to  1984  with  the  uninspiring  "The  More  You  Live  The  More  You  Love"  single, their  last and  second  biggest  Top  40  hit  in  the  UK  and  last  US chart  entry. It  was  also  where  my  interest  in  the  band  ended. It's  just  dull; the  keyboards  are  mixed  down  to  make  the  band  sound  even  more  like  U2, the  melody  is  bland, the  rhythm  section  plods  and  the  chocolate  box  sentiments  of  the  lyric  are  just  laughable.

The  first  side  concludes  with  "Nightmares"  a  strange  choice  for   second  single  from  their  sophomore  LP  which  peaked  at  53  in  the  UK  and  did  nothing  (if  released)  in  the  U.S. M  Score  abandons  the  synth  for  clipped  rhythm  guitar  and  the  result  is  a  rather  plodding  slab  of  Goth-lite  like  Bauhaus  without  the  Bowie  impersonations  but  with  a  cheeky  nod  to  These  Boots  Are  Made  For  Walking  in  the  first  verse . Reynold's  guitar  interjections  threaten  to  turn  into  the  Banshees' Spellbound  while  the  lyric  about  childhood  trauma might  have  been  influenced  by  Tears  For  Fears'  recent  commercial  breakthrough. There  are  no  hooks  whatsoever  so  it's  not  surprising  it  fell  short.

Side  two  starts  with  an  extended  version  of  "Wishing  (If  I  Had  A  Photograph  Of  You )"  which  displays  all  the  commercial  nous  that  its  follow-up  lacked.  A  stark  metallic  beat  leads  straight  into  the  glorious  OMD  keyboard  hook  that  dominates  the  song, Reynold's  guitar  for  once  playing  second  fiddle. The  lyric about  a  lovesick  man  who's  somehow  neglected  to  take  a  photograph  of  the  object  of  his  attentions  is  nothing  special  but  that  hook  and  the  crunching  backbeat  carry  all  before  it. The  extended  coda  doesn't  really  add  much  of  interest  but  allows  a  wallow  in  their  finest  moment.

It's  followed  by  a  re-recorded  version  of  their  debut  single  "( It's Not  Me ) Talking"  about  an  alien  encounter  which  went  on  their  second  album  and  failed  again  as  a  single. That's  not  too  surprising  as  it's  the  least  melodic track  on  the  album, again  recalling  John  Foxx  at  his  most  robotic. It  doesn't  sound  like  A  Score  is  on  the  track  with  a  rigid  primitive  drum  machine  hammering  away. The  chorus  is  just  a  drone  of  the  title.

"Transfer  Affection" , a  minor  hit  in  the  summer  of  1983,  is  another  outing  for  the  band's  more  wistful, romantic  side. It  benefits  from  more  prominent  backing  vocals  from  Maudsley  and  Reynolds  to  boost  the  song's  melodic  impact. A  chattering  percussion  track  also  helps  fill  out  the  sound. They  don't  quite  compensate  for  the  lack  of  any  real  chorus  but  it's  pleasant  enough.

"Who's  That  Girl ( She's  Got It )" was  the  surprise  of  the  album  for  me. I  heard  it  once  or  twice  when  released  in  the  autumn  of  1985  ( when  it  peaked  at  66 , their  last  encounter  with  any  chart)  but  didn't  pay  it  much  attention. Two  and  a  half  years  later  it  sounded  astonishingly  fresh  and  exciting. With  Reynolds  having  quit the  band  the  remaining  trio  went  for  a  Hi-NRG  synth-based  sound  similar  to  fellow  Liverpudlians  Dead  Or  Alive. This  celebration  of  a  hot  girl  rattles  along  at  pace  with  a  frantic  synthetic  xylophone riff  and  girlie  backing  vocals. Even  M  Score's  vocals  sound  brighter  and  more  confident. By  the  time  it  was  released  the  band  had all  but  dissolved; maybe  too  soon  on  this  showing.

The  album  concludes  with  the  one  track  I'd  never  heard  before, "D.N.A."  a  track  from  the  debut  LP  which  doubtless  owes  its  inclusion  to  the  fact  that  it  earned  them  a  Grammy  for  Best  Rock  Instrumental  of  1982. It's  mainly  Reynolds's  show  with  some  melodic  riffing  over  a  drum  machine  and  Jean  Michel  Jarre  synth  washes. At  two  and  a  half  minutes  it's  quite  short  and  you'd  have  to  conclude  there  wasn't  much  competition  that  year.

So  there  we  have  it. A  Flock  Of  Seagulls  weren't  a  great  band  and  were  perhaps  a  bit  lucky  to  achieve  the  success  they  had  but  they  weren't  as  untalented  as  critical  opinion  might  suggest. That  doomed  kid  on  the  couch  in  Pulp  Fiction could  have  been  called  something  worse.

79 Man Of Colours - Icehouse

Purchased  :  March 1988

Tracks :  Crazy / Electric Blue / Nothing Too Serious / Man Of  Colours / Heartbreak Kid / The Kingdom / My Obsession / Girl In The  Moon / Anybody's War / Sunrise

This  was  purchased  in  Manchester  as  soon as  it  came  out.

"Man  Of  Colours"  was  Icehouse's  fifth  album  and  for  me  should have  been  titled "Pacific  Crossing". It's  one  of  those  LPs  every  music  fan  dreads, when  an  adored  band  jettison  everything  you  love  most  about  them  and  embrace  a  new  style,  to  which  you  can  only  respond  with  distaste, in  pursuit  of  a  broader  audience  ( in  most  cases,  as  here, the  Yanks). For  the  purposes  of  this  blog  I'll  be listening  to  the whole  album  for  only  the  second  time   since  I  bought  it  so it's  probably  the  right  time  for  a  re-appraisal.

The  sound  of  the  album  is  due  to  the  US  breakthrough  of  their  fourth  album  "Measure  For  Measure"  (  which  we'll  cover  in  due  course )  and  its  lead-off  single  "No  Promises". The  latter  only  made  number  72  in  the  UK  and  the  LP  didn't  chart  at  all  so  it's  not  too surprising  that  they  changed  tack  and  went  for  the  bigger  market.

In  hindsight  the  single  "Crazy"  ( which  gave  them  a  second  Top  40  hit  here  on  re-release  in  February  1988 )  gives  a  good  warning  about  what  to  expect,  with  its  echoey  power  chords  , cavernous  drums  and  screechy  keyboards, the  MTV  power  ballad  par  excellence. It's  not  a  bad  song  with  a  tuneful  chorus  and  Iva  Davies  chucking  in  the  usual  Ferry-isms  , it  just  lacks  that  subtle,  slightly  sinister  edge  that  they  had  assimilated  from  their  European  influences. In  the  video  Davies  ( now  sporting  a  hideous shoulder-length  mullet )  enters  the  room  of  a  girl, sees  posters  of  the  band  in  previous  guise  and  retreats. What  message  was  he  sending  out  to  his  old  fans  there ?

"Electric  Blue"  was  another  big  hit  in  the  U.S. ( and  a  near-miss  over  here). It  was  co-written  by  and  features  John  Oates  ( the  short  one  with  the  'tache )  and  is  a  shamelessly  commercial piece  of  AOR  pop  rock  that  could  easily  have  found  its  way  to  Belinda  Carlisle  or  Cher.  Lyrically  it's  a  straightforward  tale  of  obsession ( with  the  odd  phrase  recycled  from  personal  favourite  "Goodnight  Mr  Matthews"  from  the  second  LP ) . I  didn't  like  it  much  at  the  time  but  hearing  it  now  it's  actually  aged  quite  well  with  a  very  strong  melodic  structure.

"Nothing  Too  Serious"  ,an  account  of  the  morning   after  a  wild  night, is  a  fast-paced  rocker  halfway  between  Huey  Lewis  and  the  News' The  Heart  Of  Rock  And  Roll  and  Glenn  Frey's  The  Heat  Is  On . Davies   gives  it  his  best  shot  at  a  rock  growl ( only  half  convincing )  and  the  blaring  Fairlight  horns  and  obligatory  sax  solo  give  it  some  gusto  but  it's  just  not  my  cup  of  tea.

The  title  track  does  come  across  as  something  of  a  sop to  older  fans  being  a  slow  ballad  about  an  ageing  artist  with  some  delicate  oboe  and  synth  although  it's   the  hazy  synthscape  of  Drive  or  Take  My  Breath  Away  rather  than  say  Ultravox  or  Simple  Minds. It's  a  relief  from  the  rock  stomp  but  a  rather  soporific  song.

The  side  closes  with  the  hollow  epic  "Heartbreak  Kid "  with  its  hackneyed  third  person  lyric  about  a  gunman  brought  down  by  a  woman. With  the  heavy  drumming  and  ponderous  piano  chords  it  sounds  like  a  Phil  Collins  album  track  and  Rob  Kretschmer's  tedious  guitar  solo  doesn't  save  it.

Side  Two  begins  with  the  likeable  "The  Kingdom"  about  a  woman  relying  on  her  inner  world  like a  less  sinister  Angie  Baby.  Davies  returns  to  his  normal  plaintive  tones  and  the  chorus  is  tuneful. However  the  similarity  of  the  backing  track  to  Bryan  Ferry's  Don't  Stop  The  Dance  is  very  obvious.

"My  Obsession"  is  the  sort  of  straightforward  pop  rock  number  that  could  have  soundtracked a  Brat  Pack  movie  from  the  likes  of  John  Parr  and  John  Waite. It's  perfectly  listenable  with  some  nice  keyboard  work  but  it's  so  uninspired  lyrically  it  could  almost  be  a  Diane  Warren  song.

"Girl  In  The  Moon" is  just  horrible, a  drum  heavy  piece  of  bombast  with  no  real  tune  and  some  of  the  worst  lyrics  of  Davies's  career  - " Put  on  my  Cadillac  boots    and   my  magazine  jeans  but  the  colours  don't  rhyme. "  The  nagging  guitar  is  vaguely  reminiscent  of  The  Cure's  similarly  enervating  One  Hundred  Years.

"Anybody's  War "  is  another  third  person  narrative this  time about  a  feuding  couple   that  Davies  clumsily  tries  to  turn  into  an  Everyman  anthem  - "People  just  like  you  and  I ". It  starts  promisingly  enough  with  a  Moroder-ish  synth  pulse  and  a  quiet  verse but  then  all  the  ugly  bombast  of  drums  and  slashing   guitar   come  in  to  amplify  the  shouted  chorus  and  it  becomes  an  earache.

"Sunrise"  does  boast  an  interesting  lyric  about  the  bombing  of  Hiroshima , some  nice  Japanese  keyboard  motifs  and  a  virtually  empty  middle  eight ( possibly  copped  from  Kate  Bush's  Breathing ). On  the  downside  it's  got  yet  another  big  bawled  chorus  which  ruins  all  the  atmosphere  built  up  in  the  verses.

As  I  suspected  would  happen  this  LP  doesn't  sound  as  bad  to  me  now  as  it  did  then. The  softening  of  my  anti-American  bias  would  ironically  begin  with  a  single  released  just  a  couple  of  months  after  this  but  that's  for  future  posts. This  did  become  Icehouse's  biggest  seller  but  it  was  a  short-lived  triumph  with   grunge  just  around  the  corner  and  their  next  LP  ( and  their  few  subsequent  efforts)   failed  to  break  out  of  Australia. That  they  remain  uninvestigated  by  me  shows  how  the  disappointment  has  lingered.

78 Viva Hate - Morrissey

Purchased :   March  1988

Tracks :  Alsatian  Cousin / Little  Man What  Now / Everyday Is  Like  Sunday / Bengali  In Platforms / Angel, Angel, We  Go  Down  Together / Late  Night  Maudlin  Street / Suedehead / Break  Up  The  Family /  The  Ordinary  Boys / I  Don't  Mind  If  You  Forget  Me / Dial-A-Cliche / Margaret  On  The  Guillotine

This  was  bought  in  either  Ashton-under-Lyne  or  Manchester  as  soon  as  it  came  out.

I  can't  remember  any  other  album  generating  such  a  mix  of  anticipation  and  apprehension  as  this  one. Could  Morrissey  shrug  off  the  split  with  Johnny  Marr  and  still  produce  vital  work  or  would  he  become  another  Roger  Waters  , a  becalmed, increasingly  irrelevant  ranter  without  his  former  bandmates ? To  be  honest  the  jury's  still  out  on  that  question  so  that  , despite  this  coming  out  nearly  a  quarter  of  a  century  ago , it  still  seems  in  an  odd  sense  a  contemporary  purchase.

The  immediate  question  that  concerned  me  at  the  time  was  whether  it  would  be  better  than  "Strangeways  Here  We  Come"  and  so  provide  some  sort  of  vindication  for  the  split. I'll  answer  that  at  the  end  when  I've  listened  to  it  through  again  which  I  suppose  already  gives  away  that  it's  a  close  call.

Morrissey  didn't  waste  much  time  in  returning  to  the  studio  after  The  Smiths  split, this  coming  out  within  six  months  of  the  announcement.  Perhaps  EMI , fearful  for  their  investment  in  a  now-defunct  group  who  never  recorded  a  note  for  them, were  pushing  him  hard  though  they  indulged  his  wish  to  revive  the  old  HMV  imprint. The  services  of  Stephen  Street  were  retained  to  produce  the  album  but  he  was  also  now  credited  as  a  co-writer  on  all  tracks. Replacing  Marr  as  guitarist  was  Durutti  Column's  Vini  Reilly, a  much-respected  Mancunian  musician  but  a  complete  stranger  to  any  chart. Street  brought  in  versatile  drummer  Andrew  Paresi  ( a  Londoner )  and  played  the  bass  himself.  Apart  from  half  a  dozen  string  players  used  on  a  couple  of  tracks  that  was  the  complete  cast  so  that  might  partly  account  for  the  quick  turnaround.

Morrissey  delays  his  entrance  for  nearly  a  minute  on  the  opening  track, "Alsatian Cousin"  while  Reilly  treats  us  to  some  Reeves  Gabrel - style  guitar  abuse. Reilly  later  complained  that  Street  didn't  give  him  enough  room  on  the  LP  but  he's  certainly  given  a  generous  proportion  of  this  track, his  squalling  being  used  in  place  of  a  chorus. Lyrically  we're  back  in  "Handsome  Devil"  territory  with  Morrissey  interrogating  someone  about  their  affair  with  a  teacher  and  their  antics  in  a  tent  and  over  a  desk. Like  the  earlier  song it's  delivered  in  a  condemnatory  monotone. It's  crudely  effective  in  establishing  that  this  isn't  a  Smiths  album  but  it's  let  down  by  a  very  leaden  bassline  and  clodhopping  drums.  The  rhythm  section  is  a  recurring  weakness  on  the  LP  and  it's  no  coincidence  that  Mozza  temporarily  reunited  with  Rourke  and  Joyce  ( and  Craig  Gannon  for  that  matter )  on  his  next  recordings.

"Little  Man  What  Now"  raises  alarm  bells with  its  brevity  and  a  very  uncomfortable  marriage  between  Reilly's  acoustic  intricacies  and  Paresi's  brutalist  drum  track  ( sounding  very  like the  one  used  on  the  Bee  Gees  recent  chart topper  You  Win  Again. The  lyric  raises  a  wry  smile  with  its  tale  of  a  sixties  child  star  appearing  on  a  daytime  quiz  show   now  that  has-beens  have  never  been  more  in  demand  as  cannon  fodder  for  I'm  A  Celebrity...  and  the  like. Otherwise  the track  is  of  little  interest.

"Every  Day  Is  Like  Sunday"  is  deservedly  one  of  solo  Morrissey's  best-loved  songs. It  became  the  second  and  last  single  from  the  LP  in  June  reaching  the  Top  10  and  winning  some  support  from   daytime  jocks   who'd  previously   shunned  him. With  a  strong  melody  ( and  there  aren't  many  of  those  knocking  about  here ) and  a  gorgeous  sweeping  string  arrangement   behind  him  Mozza  laments  the  decline  of  an  old  fashioned  seaside  resort  ( no  specifics  but  my  money  would  be  on  New  Brighton ) with  genuine  sympathy  for  those  marooned  there. There's  a  little  nod  to  John  Betjeman - "come, come, nuclear  bomb" - and  the  video  featured  Cheryl  Murray  ( Suzie  Birchill  from  Coronation Street ). What  more  could  you  want ?

Well  a  bit  of  racial  controversy  would  do  nicely  and  so  along  comes  "Bengali  In  Platforms"  wherein  Morrissey  advises  a  young  Asian  boy  to  give  up  attempting  to  integrate. This  song  was  originally  demo'ed  by  the  short-lived  Smiths  mk  2  the  previous  summer  and  is  one  of  the  most  Smiths-like  tracks  here  with  its  melodic  guitar  hook. From  the  gentle  arrangement  and  Morrissey's  softest  tones  on  the  vocal  it's  plainly  meant  to  be  sympathetic  but  the  p.c. brigade  were  never  going  to  be  happy  with  the  line  "Life  is  hard  enouh  when  you  belong here".

On  "Angel  Angel  We  Go  Down  Together" he  invokes  the  spirit  of  Colin  Blunstone  by  singing  directly  over  a  string  arrangement  ( with  echoes  of  Kate  Bush's  Cloudbusting   in  there). Morrissey  urges  the  object  of  his  devotion  not  to  commit  suicide  after  being  stripped  bare  by  freeloaders  because  he  is  still  there  for  him/her. It's  quite  impressive but  ends  after  1  minute  and  40  seconds  and  the  spectre  of  Waters  begins  to  rise.

But  maybe  it  was  only  to  make  room  for  the  full  seven  and  a  half  minutes  of  " Late  Night, Maudlin Street "  with  Mozza  on  the  point  of  leaving  his  childhood  home  and  remembering  all  the  unhappy  times  he  had  there. You  imagine  that  if  this  song  had  been  presented  to  The  Smiths  JM  would  have  told  him  to  rein  it  in  a  bit  but  here  he  wails  ( in  and  out  of  key ) on  and  on,  verging  on  self-parody - "Here I  am ,the  ugliest  man".  There's  no  relief  in  the  music  either  with  no  tune  to  speak  of  and  another  crushingly  unsuitable  electronic drum  track . Street  provides  some  nice  piano  fills  halfway  through  but  they're  not  nearly  enough  to  stop  the  track  being  terminally  boring.

It's  thus  a  great  relief  to  tip  the  record  over  to  "Suedehead"  the  bouncy  first  single  which  introduced  him  to  the  Top  5 in  a  chart   otherwise  clogged  up  with  anonymous  dance  acts  and  teen  pop  muppets -   many  of  them  tied  to  the  terrible  trio  of  Stock, Aitken  and  Waterman. It's  a  strong  safe  debut  not  wandering  too  far  away  from  the  Smiths  sound  but  containing  enough  new  features  such  as  the bar-room piano  keeping  pace  with  the  guitar  and  the  string  synth  punctuations. Lyrically  it  seems  to  be  Morissey  politely  asking   one  of  his  fans  to  back  off  a  bit  ( perhaps  the  rather  embarrassing  Shaun  Duggan  who'd   found  his  way  into  the  South  Bank  Show  programme  to  gush  about  the  band ) .

After  that's  faded  out  it  has  to  be  said  the  rest  of  the  second side  is  pretty  forgettable bearing  all  the  signs  of  a  rush-job. "Break  Up  The  Family " is  notable  for  the  hints  of  a  more  optimistic  frame  of  mind  in  the  lyric  "-I'm  so  glad  to  be  older "  but  the  music  is  very  uninspiring  being  built  around  a  dated  drum  machine  pattern.

Morrissey  should  have  known  that  "ordinary " is  the  last  word  you  put  in  the  title  of  a  pop  song. "The  Ordinary  Boys"  is  just  that  despite  its  lyric  championing  a  figure  who  stood  above  the  hoi-polloi. It  lumbers  along  frequently  threatening  to turn  into  That  Joke  Isn't  Funny  Anymore "  until  apparently  realising  that  the  key  ingredient  is  missing.

Who  just  happens  to  be  the  subject  of  the  next  song. "I  Don't  Mind  If  You  Forget  Me"  is  surprisingly  unambiguous  in  its  lyric  but  the  arrows  fall  well  short  with  "Rejection  is  one  thing  but  rejection  by  a  fool  is  cruel"  the  most  cutting  line. The  music's  even  less  inspired  just  another  thudding,  unsympathetic  contribution  from  Paresi, a  bit  of  guitar  abuse  from  Reilly  and  Morrissey  trying  out  a  different  unmemorable  melody  on  each  line. The  whole  song  is  irredeemably  half-baked ; I  can't  see  Marr  losing  any  sleep  over  it.

"Dial-A-Cliche"  again  has  similarities  to  "That  Joke  Isn't  Funny  Anymore"  in  the  acoustic  guitar  line   and  one  or  two  nicely  phrased  lines  but  otherwise  sounds  even  more  incomplete  than  the  one  before, a  melange  of  unrelated  lyrical  snippets  and  no  sense  of  where  it  wants  to  go  musically. Reilly  blows  some  French  horn  over  it  to  no  useful  effect.

Which  leaves  us  with  the  pseudo-controversial  "Margaret  On  The  Guillotine"  which  was  surely  recorded  with  the  express  purpose  of  getting  local  rent-a-gob  MP  Geoffrey  Dickens  to  give  the  album  some  free  publicity. Mission  accomplished  there  of  course  but  there's  liitle  song, just   a  two  verse  acoustic poem  that  could  have  come  straight  from  The  Final  Cut  ending  with  the  line  "When  will  you  die ?". Now  I  hate  the  bitch  as  much  as  anyone  and  mean  to  party  when  she  finally  does  shuffle  off  but  you  expect  a  bit  more  from  this  man. He  buggers  off  halfway  through  leaving  Reilly  to  talk  to  himself  for  a  couple  of  minutes  before  the  blade  falls  and  the  album  is  over.

EMI's  marketing  muscle  took  this  straight  in  at  number  one  but  it  didn't  hang  around  long  and  exited  the  Top  40  after  5  weeks  failing  to  make  it  back  even  when  "Everyday  Is  Like  Sunday"   was  in  the  Top  10. Reviewed  well  at  the  time  I  don't  think  anyone  will  claim  it's  a  classic  now. Certainly  Morrissey  didn't  seem  keen  to  repeat  the  experience  releasing  only  singles  for  the  next  three  years  ( eventually  collected  together  as  the " Bona  Drag"  album )  and  seeing  all  career  momentum  drain  away  as  a  result. We'll  return  to  that  many  posts  in  the  future.

For  now,  was  it  better  than  "Strangeways". Well  there  are  two  excellent  singles  here  and  you  can't  say  that  about  the  trio  from  the  group's  last  effort. However  at  no  point  does  that  album   sound  as  uninspired  as  the  second  side  here  once  "Suedehead"  has  gone  by. So  let's  call  it  a  draw.