59 The World Won't Listen - The Smiths

Purchased :  14  March  1987

Tracks :  Panic / Ask / London / Bigmouth Strikes Again / Shakespear's Sister / There  Is  A  Light  That  Never  Goes Out / Shoplifters Of The World Unite / The Boy With The Thorn In His Side / Asleep / Unloveable / Half  A  Person / Stretch  Out And Wait / That  Joke  Isn't  Funny  Anymore / Oscillate  Wildly / You  Just  Haven't  Earned It  Yet  Baby / Rubber  Ring

This  is  a  sobering  milestone - the  first  album  to  be  purchased  from  wages  after  four  weeks' work  as  a  trainee  accountant. It  was  bought  in  Manchester  on  a  Saturday  morning  after  receiving  my  first  salary  payment  the  day  before. I  remember  also  buying  George  Orwell's  A  Clergyman's  Daughter   on  that  trip  and  in  the  afternoon  Rochdale  beat  Peterborough  3-2  a  vital  win  in  their  ultimately  successful  battle  to  avoid  the  newly-introduced  automatic  relegation  to  the  Vauxhall  Conference. Despite  four  changes  of  job, a  marriage, a  birth , two  deaths  and  a  re-location  since  then it  doesn't  feel  too  long  ago.  And  part  of  the  reason  I  think  is  that  LPs  purchased  since  this  one  haven't  in  the  main  been  played   as  much  as  those  before  which  might  slow  this  blog  down  a  bit.

Anyhow,  back  to  The  Smiths. This  LP  was  conceived  by  Rough  Trade  not  the  band  themselves  and  was  basically  a  mopping  up  operation  collecting together  all  the  singles and  B-sides since  the  release  of  Hatful  of  Hollow  up  to  and  including  the  underwhelming  current  single  "Shoplifters  Of  The  World  Unite". If  , like  me, you  hadn't  bought  all  those  singles  it  was  an  excellent  value  for  money  purchase  and  we  got  it  to  number  2  in  the  charts.

It  starts  with  their  July  1986  single  "Panic"  which  sadly  gave  birth  to  the  McCarthyite  speculation  about  Morrissey's  attitude  to  race  that  continues  to  this  day. Which  DJ  in  particular  does  he  want  to  see  on  the  gallows ?  To  my  mind  it  seemed  instantly  obvious  that  the  primary  target  was  Radio  One's  fiercely  pro-Tory and  anti-indie  celebrity  DJ,  Steve  Wright. The  list  of  place  names  in  the  first  verse  is  there  to  hammer  home  that  "National"  Radio  One  is  the  enemy. Even  someone  as  brainless  as  Samantha  Fox  guest  reviewing  the  singles  for  Smash  Hits  got  that  point.  Having  said  all  that  it's  never  been  one  of  my  favourites.  Both  words  and  music  are  too  bludgeoning ; the  arrival  of  Craig  Gannon  to  share  the  guitar  burden  doesn't  seem  to  have  inspired  Johnny  Marr  to  produce  anything  special  for  this  track  beyond  an  obvious  love  of   T  Rex's  Metal  Guru. Still  it  became  the  joint  biggest  hit  of  the  group's  lifetime  so  it  did  its  job.

By  contrast  I  regard  its  follow-up  "Ask",  released  in  October  1986,   as  the  last  top  quality  recording  of  the  band's  career.  It  was  certainly  Gannon's  swansong  but  in  a  way  the  group's  too.  Probably  the  happiest  song  in  their  canon  it  sees  Morrissey  extending  the  hand  of  friendship  to  another  wallflower  reasoning  that  they  could  share  their  pessimism  about  the  ultimate  threat  if  nothing  else - " if  it's  not  love  then  it's  the  bomb  that  will  bring  us  together ". For  the  last  time  Marr  achieves  the  perfect  blend  of  acoustic  and  electric  lines  that  marks  all  their  best  work.  As  a  bonus  you  get  Kirsty  McColl  on  backing  vocals  although  she's  not  mixed  very  high.

"London"  ( B-side  to  "Shoplifters..".)  by  contrast  is  a  good  indicator  of  the  quality  slip  of  their  last  year's  work. A  close  cousin  to  "Shakespear's  Sister" which  we'll  come  to  in  a  moment  it  starts  with  a  feedback  howl  then  becomes  a  100 mph  rockabilly  thrash  with  Morrissey  droning  an  uninspired  address  to  a  modern day  Dick  Whittington. The  last  half  minute  is  OK  when  Mozza  shuts  up  and  Marr  introduces  a  melody  line  but  otherwise  it's  forgettable.

Next  up  on  this  very  uneven  side  is  the  sheer  class  of  "Bigmouth  Strikes  Again"  their  1986  single  plucked  from  "The  Queen  Is  Dead".  I 've  always  thought  the  inspiration  for  this  song  was  my  own  MP  at  the  time,  Geoffrey  Dickens a  right  wing  rent-a-mouth  who  disguised  his  own  interest  in deviant  sex  by  loudly  denouncing  any  supposed  reference  to  it  in  art or  culture. In  that  guise  he  had  launched  the  furore  over  "Handsome  Devil"  in  1984. Morrissey's  self  dramatising  and  violent  imagery  mesh  perfectly  with  the  palpable  fury  in  Marr  and  Joyce's  playing. There  are  two  very  different  guitar  breaks  in  the  song  ,the  first  achingly  melodic, the  second  a  rhythmic  thrash  that  explodes  into  spitting  licks  preceding  a  final  chorus. It's  so  rich  you  want  the  song  to  go  on  forever.

Instead  "Shakespear's  Sister " follows. Both  Morrissey  and  Marr  have  stoutly  defended  this  standalone  single  from  May  1985  which  is  near-universally  regarded  as  their  first  mis-step.  The  title  comes  from  an  essay  by  Virginia  Woolf  but  isn't  referenced  in  the  song  in  which  the  protagonist  rejects  the  twin  sirens  of  suicide  and  his  mother  for  love and  then  well  , there's  a  silly  irrelevant  verse  about  protest  singers  and  the  song  ends  after  barely  two  minutes. The  music  again  is  a  rockabilly  thrash  with  occasional   " How  Soon  Is  Now  " swoops  and  is  the  first  example  of  a  problem  that  Morrissey  still  hasn't  resolved  in  his  solo  career. When  he  writes  in  the  rockabilly  idiom  whether  with  Marr  or  Boorer  he  can't  come  up  with  a  tune. With  radio  uninterested  the  single  limped  to  number  26  then  disappeared.

Then  the  rose  between  two  thorns. "There  Is  A  Light  That  Never  Goes  Out" , included  because  it  was  considered  for  a  single  and  made  number  one  in  John  Peel's  Festive  Fifty  for  1986 , is  my  favourite  record  ever. It's  about  the  desire  to  go  out  on  a  high, Pete  Townsend  updated  for  the  raincoat  brigade. Morrissey  the  wallflower  gets  in  someone  else's  car  and  fantasises  about  being  wiped  out  before  it  turns  back  into  a  pumpkin. He  fails  to  seize  the  moment  "  A  strange  fear  gripped  me  and  I  just  couldn't  ask" - but  it  lives  on  as  a  golden  memory  of  a  time  when  he  had  chances. It  was  the  song  I  specifically  asked  our  DJ  for  at  our  wedding  reception , not  particularly  appropriate  perhaps  ( and  Julie  hates  The  Smiths )  but  it  had  to  be  done. The  music  is  incredibly  sympathetic  , Marr  toning  down  the  gutar  heroics  in  favour  of  strings  and  flute  and  allowing  Andy  Rourke's supple  bassline  to  dictate  the  flow  of  the  song.

Then  it's  back  to  earth  again  with  "Shoplifters  Of  The  World  Unite"  which  raids  the  T  Rex  songbook  again. This  time  it's  Children  Of  The  Revolution  that  gets  mashed  up  with  the  judder  and  glide guitar  sounds of  "How  Soon  Is  Now"  . That's  probably  my  favourite  Bolan  song  but  this  is  a  long  way  from  The  Smiths'  best.  It's  not  the  easiest  song  to  interpret  but  it  seems  like  Morrissey's  getting  in  the  head  of  a  kleptomaniac  who's  tried  going  staraight  but  "I  was  bored  before  I  even  began". Morrissey's  fascination  with  working  class  criminality  has  always  been  the  least  appealing  facet  of  his  writing  to  me  and  the  second  hand   music  and  lack  of  melody  don't  compensate.

The  needle  swings  the  other  way  again  for  "The  Boy  With  The  Thorn  In  His  Side"  the  September  1985  single  which  stopped  the  rot  as  far  as  the  singles  chart  was  concerned. Now  I'd  always  taken  this  song  as  Morrissey's  most  succint  summation  of  the  geek's  dilemna - how  do  you  find  someone  to  share  your  love  if  you  don't  have  the  tools  to  go  out  and  find  them  ? - but  he  told  Margi  Clarke  on  The  Tube  that  it  was  actually  a dig  at  the  music  industry  after  the  failure  of  the  last  two  singles. Tellingly  it  marked  the  end  of  the  group's  admirable  but  commercially  unviable  resistance  to  making  videos. Whatever  the  context  it's  still  an  immediately  engaging  song  with  a  dense  layering  of  ringing  guitars  and  a  rock  solid  bassline. Morrissey's  yodelling  coda  made  sure  it  went  over  the  three  minute  mark.

Side  Two  begins  with  its  B-side  "Asleep"  an  unabashed  piano  ballad  about  longing  for  death although  there's  no  actual  exhortation  to  commit  suicide. Marr  lays  down  a  simple  melancholy  figure  and  then  conjures  up  the  spirit  of  Joe  Meek  by  surrounding  it  with  wind  sounds. Morrissey  sings  it  sotto  voce  as  if  afraid  of  waking  from  his  dream  of  death  before  the  burble  of  wind  chimes  carry  him  away.

This  is  a  more  even  side and  it  continues  with  "Unloveable"  the  slow burning  B  side  of  "Bigmouth  Strikes  Again" . The  languid  pace  and  Morrissey's  slightly  awkward  phrasing  recall  "I  Don't  Owe  You  Anything"  from  the  first  LP. Morrissey's  abject  self -pity  threatens  to  make  it  a  dirge  but   after  a  couple  of  hints  earlier  in  the  song  Marr  injects  some  bite  three  minutes  in  with  some  stinging  guitar for  a  memorable  coda.

Next  up  is  "Half  A  Person"  originally  B-side  to  the  patently  inferior  "Shoplifters...". The  story  of  a  downtrodden  stalker  following  her  idol  to  London  , Morrissey  and  Marr both  play  it  soft  with  Morrissey  at  his  most  plaintive  and  Marr  just  adding  electric  colour  to  an  acoustic  strum. Tracey  Thorn  and  Ben  Watt  would  eventually  hit  big  with  the  same  story  in  1995's  Missing.

"Stretch  Out  And  Wait"  is  the  band's  most  overtly  sexual  song, Morrissey  commenting  laconically  on  the  impulse  to  have  sex  amongst  the  underclass  -"Amid  concrete  and  clay  and  general  decay, nature  must  still  find  a  way".  The  acoustic  guitar  work  and  Joyce's  brush  strokes  suggest  Everything  But  The  Girl  again and  it's  easy  to  imagine  Tracey  Thorn  singing  it  but  it's  not  one  of  their  stronger  songs.

We've  already  covered  "That  Joke  Isn't  Funny  Anymore"  in  the  "Meat  Is  Murder " post  and  the  decision  to  include  it  again  here  was  highly  questionable. So  we  move  on  to  "Oscillate  Wildly" a  rare  but  wonderful  instrumental  originally  on  the  B-side  of  "How  Soon  Is  Now ?" It  starts  with  a  simple  yet  enthralling  piano  figure  before  Joyce  comes  in  with  insistent  hi- hat  and  Rourke  chips  in  with  both  a  prowling  bassline  and  unexpected  cello. But  Marr  dominates  fitst  with  some  dazzling  guitar  work  and  then  a  chokingly  melancholic  keyboard  melody. You're  then  left   tense  waiting  for  it  to  come  round  again  which  it  does  leading  us  out  of  the  song. It's  such  a  sad  yet  life-affirming  tune  that  you  wonder  why  no  film  director  ha  picked  up  on  it.

The  only  previously  unreleased  track  ( not  exactly  new  as  Gannon's  on  it )  is  "You  Just  Haven't  Earned  It  Yet  Baby"  a  phrase  apparently  directed  at  the  band  by  Rough  Trade  supremo Geoff  Travis. In  Morrissey's  hands  it  becomes  a  weapon  to  crush  the  hopes  of  whoever  the  song  is  addressed  to. Musically  it  introduces  some  new  elements  to  the  band's  sound; Marr's  guitar  acquires  a  pyschedelic  tinge  while  Joyce  lays  down  a  thumping  Northern  Soul  stomp  on  the  chorus. It's  notable  that  this  song  has  a  more  conventional  verse  chorus  format  than  most  of  their  songs  and  probably  would  have  made  a  good  single  but  they  decided  otherwise.

That  just  leaves  "Rubber  Ring"  an  intriguing  song  from  the  B side  of  "The  Boy  With  The  Thorn  In  His  Side"   in  which  Morrissey  extols  the  virtues  of  his  favourite  singles  as  an  emotional  crutch,  effectively  an  update  of  The  Carpenters'  Yesterday  Once  More. All  the  band  excel  here ; the  verses  hang  on  the  late  night  prowl  of  Rourke's  bass  recalling  Thin  Lizzy's  Dancing  In  The  Moonlight  while  the  giddy  rush  of  the  chorus  is  powered  by  Joyce's  tumbling  drum  rolls. Throughout , Marr  experiments  with  backwards  guitar  to  eerie  effect  until  Joyce's  final  crecendo  is  suddenly  interrupted  by  a  vocal  sample  from  an  ep  accompanying  a  book  about  communicating  with  the  dead  ( Joe  Meek  again ? ) .  It's  a  surprisingly  effective  way  of  bringing  the  LP  to  a  close.

"The  World  Won't  Listen"  seems  like  something  of  an  anachronism  now  (  I  know  Oasis  have  done  it  since  in  conscious  imitation )  when  the  whole  concept  of  "the  single"  has  been  turned  on  its  head  but  few  other  bands  of  any  era  could  have  put  together  such  a  compelling  LP  from  what  were  mostly  offcuts. The  band  may  not  have  liked  it  but  it  only  reinforced  their  greatness.

58 Black Celebration - Depeche Mode

Purchased :  29  December  1986

Tracks :  Black Celebration / Fly  On  The  Windscreen / A  Question Of  Lust / Sometimes / It  Doesn't  Matter  Two / A  Question  Of  Time /  Stripped  / Here  Is  The  House / World  Full  Of  Nothing / Black Dress / New  Dress

This  was  the  other  Christmas  money  purchase  of  1986 , also  from  Manchester.

"Black  Celebration"  was  their  fifth  album  released  in  March  1986. The  Mode  had  a  relatively  quiet  year  in  1985  after  an  LP  in  each  year  of  the  previous  four. They  released  just  two  standalone  singles  the  quietly  impressive  "Shake  The  Disease"  and  the  less inspired "It's  Called  A  Heart"  and  a  greatest  hits  compilation.  This  LP  reached  number  3  and  spawned  three  hit  singles. It  saw  a  further  refinement  of  their  sound  although  it  can  still  be  described  as  "pop"  unlike  their  subsequent  efforts.  The  metal-bashing  of  1984's  "Some  Great  Reward"  is  quietly  jettisoned  while  Martin  Gore  for  the  first  time  manages  to  avoid  any  real  lyrical  clunkers. He's  also  more  of  a  vocal  presence  here,  taking  the  lead  on  4  of  the  11  tracks.

The  album  starts  with  the  only  title  track  in  the  Mode  canon  and  continues  the  theme  established  by  the  previous  LP , that  emotional  and  sexual  support  is  the  best  crutch  available  for  navigating  through  a  shitty  world. With  lines  like  "Your  optimistic  eyes  seem  like  paradise  to  someone  like  me", Gore  seems  oblivious  to  the  danger  of  appearing  too  needy. The  intro is  suspiciously  similar  to  Meat  Is  Murder apart  from  Daniel  Miller's  impersonation  of  Churchill  announcing  " A  brief  period  of  rejoicing"  and  the  bassline  is very  similar  to  "Some  Great  Reward" 's  opening  track  "Something  To  Do". It's  a  solid  rather  than  inspiring  start. 

"Fly  On  The  Windscreen"  takes  us  further  into  the  dark  with  its  startling  opening  cry  of  "Death  is  everywhere ! " The  song  contemplates  human  vulnerability  in  the  Cold  War  era  again  boiling  down  to  a  demand  for  sexual  succour  " Come  here .kiss  me - now !!"  Alan Wilder  sets  it  against  a  grinding  pulse  replete  with  menacing  submarine  noises  and  a  radio  voice  possibly  saying  "Open  target !" It's  grim  stuff  but  effective.

From  the  intro  "A  Question Of  Lust"   sounds  like  it's  going to  be  more  of  the  same  then  Gore  comes in  with  the  line  "Fragile  - like  a  baby  in  your  arms"  and  it  becomes  a  romantic  ballad   the  synths buzzing  around  his  slow  perfectly-enunciated  delivery  until  allowed  to  soar  into  a  rousing  instrumental  climax  at  the  end. Gore's  plea  for  tolerance  amid  a  naked  declaration  of  his  faults  " I  need  to  drink  more  than  you  seem  to  think "  is  touching  but  radio  didn't  like  it  as  a  second  single  and  it  became  their  first  since  "Dreaming  Of  Me "  to  fall  short  of  the  Top  20.

A  major  sequencing  error  means  we  next  get  "Sometimes" another  Gore-sung  lachrymose  ballad. With  just  Alan  Wilder  on  piano  and  his  own  echoing  backing  vocals  Gore  delivers  another  slab  of  self-laceration  with  the  dreariest  of  tunes. The  only  good  thing  about  it  is  that  it's  short.  Gore  sings  "I  can  be  tiring  even  embarassing"  and  amply  demonstrates  the point.

After  that,  another track with  a  Gore  vocal   and  a  title  used  on  the  previous  album  doesn't  promise  much. In  fact  "It  Doesn't  Matter  Two"  is  better  than  its  predecessor with  a  genuinely  unsettling  choral  arrangement  ( owing  rather  a  lot  to  Philip  Glass )  behind  Gore's  mounful  tale  of  sexual  surrender. The  synths  build  nicely  throughout  the  track  though  it 's  slightly  let  down  by  its  too  soon  grinding-to-a-halt  ending.

Side  Two  begins  with  their  most  disturbing  track  to  date  " A  Question  Of  Time",  that  is  before  the  sexual  corruption  of  a  15-year  old  on  whom   Martin  Gore  has  his  eye . Although  he speaks  about  "them"  you  know  the  real  meaning  of  "I've  got  to  get  to  you  first"  long  before  the  eventual  confession  " I  know  my  kind -  what  goes  on  in  our  mind" . Dave  Gahan  knows  it  too  delivering  the  words  with  the  icy  enervated menace   of  Mr  Jones  in  Conrad's  Victory. Musically  it's  not  too  far  away  from   a   cleaner  "Master  And  Servant"  with  it's  throbbing  bass  pulse. In  a  remixed  version  at  a  faster  tempo  it  became  the  third  single.

The  first  comes  next. " Stripped" takes  a  leaf  out  of  Traffic's  book  with  its  theme  of  rural  retreat  although  the  music  is  still  dark  and  industrial. With  its  slow  juggernaut  rhythm  it  feels  vaguely  related  to  Tears  For  Fears's  Shout  although  the  spartan  Oriental  keyboard  melody  is  pure  DM. It  also  seems  like  a  dry  run  for  the  band's  later  leviathans  "Never  Let  Me  Down  Again"  and  "Walking  In  My  Shoes" and  like  them  ends  with  a  gloriously  Gothic  keyboard  refrain.

Then  we  have  one  of  my  favourite  DM  songs  "Here  Ts  The  House"  which  both  introduces  the  electric guitar  to  their  sound  and  has  their  most  beautiful  synth  line. A  simple  hymn  to  the  joy  of  cohabitation,  Gore  and  Gahan  virtually  share  the  lead  vocal  over  a  rock  beat,  simple  power  chords  and  what  sounds  like  an  overwound  alarm  clock  ticking. Then  halfway  through  Wilder  produces  a  gorgeously  forlorn  synth  refrain  that  then  backs  up  the  last  verses   as  in  Enola  Gay. The  effect  is  spellbinding.

"World  Full  Of  Nothing"  has  the  last  Gore  lead  vocal  on  a  slow,  third  person  tale  of  teen  sex  where  Gore  comes  close  to  the  fatalism  of  Morrissey - "She  doesn't  trust  him, nothing  is  true  but  he  will  do". The  stark  beginning  resembles  Yazoo's  Ode  To  Boy  and  the  last  few  synth  bars  Simple  Minds's  Seeing  Out  The  Angel  and  inbetween  Wilder's  string  synths  create  an  air  of  pastoral  prettiness  though  you  imagine  Gore  is  talking  of  a  bedsit  fumble  rather  than  a  woodland  rendez-vous.

"Dressed  In  Black"  is  a  curiously  low-key  number  in  waltz  time  with  Gore  recounting  a  sexual  adventure  of  his  own.  Gahan's  vocal  is  a  bit  uncomfortable  - you  get  the  feeling  that  he  took  it  on  through  fear  of  redundancy  more  than  anything  else. Wilder's  muted  synths  and  simple  bassline  make  it  pretty  but  it  doesn't  really  go  anywhere  interesting.

That  leaves  "New  Dress"  probably  the  angriest  song  in  their  canon  and,  despite  the  references  to  Princess  Di  and  apartheid,  more  topical  than  ever  as  our  politicians  continue  to  grovel  at  Murdoch's  feet  and  the  tabloid  press  gets  away  with  murder. Wilder  lays  down  a  stark and  formidable  rhythm  track  for  a  treated  Gahan  to  announce  some  heavy  headlines  before  the  killer hookline  -" Princess  Di   is  wearing  a  new  dress ! " It's  not  subtle  but  it  works. Wilder's  Hannett-esque  synths  then  colour  in  the  track  before  the  pounding  sledgehammer  beat  previously  used  in  the  climax  to  "People  Are  People"  reappears  for  the  nursery  rhyme  lesson  on  media  manipulation - "When  you  change  the  facts  you  may  change  a  vote" It   brings  the  album  to  a  close  with  a  ringing  piano  chord.

Some  fans ( including  Tom  Ewing )   rate  this  as  their  best  LP. In  vinyl  terms  I  think  side  two  is  their  best  side  of  music  but  "Some  Great  Reward"  beats  it  on  overall  consistency.

57 The Circle And The Square - Red Box

Purchased : 29th  December 1996

Tracks : For  America / Heart  Of  The  Sun / Billy's  Line / Bantu  / Living  In  Domes / Lean On  Me  (Reprise)  / Chenko / Lean On Me / Sasktachewan / Leaders In  Seventh  Heaven /  Walk Walk / Amen

This  was  bought  in  Manchester  ; I  didn't  think  anyone  could  object  to  my  spending  Christmas  gift  money  on  records.

Red  Box  were  pretty  much  the  last  group  I  heard  pre-fame  who  then  went  on  to  "make  it"  (albeit  temporarily).  I  first  heard  them  in  session  for  Radio  One  (I  can't  recall  whose  show)  in  late  1984  and  was  grabbed  straight  away  by  their  strong  melodies. I  listened  out  for  them  after  that   and  they  duly  scored  a  massive  hit  the  following  year  with  their  third  single  "Lean  on  Me"   which  made  number  3  and  could  have  gone  all  the  way  if  not  up  against  Take  On  Me  and  The  Power  of  Love.  They  then  took  over  a  year  to  come  up with  a  follow-up  "For  America"  which  also  made  the  Top  10. However  they  came  back  down  to  earth  with  a  bump  soon  after when  this  album  peaked  at  73  despite  containing  all  the  singles. Reluctant  to  go  on  the  road  and  not  having  a  great  visual  identity  (the  duo could  easily  be confused  with  the  rapidly  fading  Blancmange)  the  band  found  that  the  hits  hadn't  built  up  any  significant  fanbase  and  struggled  from  thereon  in.

It's  a  shame  because  this  is  a  really  good  album, not  perfect  but  certainly  deserving  much  more  attention  than  it  got. While  the  duo's  deep  interest  in  Native  American  culture  permeates  nearly  every  song  the  LP  knits  together  influences  from  around  the  globe with  their  two  great  strengths, instantly  hummable  tunes  and  the  "Box  vox"  ensemble  of  vocalists  ( including  rather  bizarrely  Anthony  "Gold  Blend" Head ) . I've  never  understood  why  (apart  from  elitist  snobbery )  it's  thought  of  as  uncool  or  "cheesy"  to  write  memorable  tunes  but  that  attitude  is  pervasive  and  Red  Box  did  suffer  as  a  result.

The  opening  track  is  a  case  in  point. "For  America"  is  a  serious  song  about  American  insularity  hardly  less  topical  now  than  it  was  then  but  it's  packaged  with  such  an  attractive  melodic  feast  of  phonetic  harmonies,  violin  break   and  taut  rhythmic  bounce  that  no  one  was  willing  to  engage  with  them  on  the  politics. Record  Mirror  contented  itself  with  a  derogatory  reference  to  The  Spinners. The  message  is  there  in  Simon  Toulson  Clarke's  scathing  delivery  of  "title  fights and  human  rights, we're  satellites  you're  parasites"  and  stinging  guitar  but  it  was  largely  missed.

"Heart  Of  The  Sun"  was  its  less  successful  follow-up  in  early  1987. It's  central  to  the  album's  theme  of  culture  clash, the  album  title  coming  from  a  line  in  the  chorus  and  referring  to  the  Native  American  distinction  between  them  and  the  Europeans. The  music  juxtaposes  semi-Burundi  drumming  with  Viktor  Sebek's   accordion  but  it's  a  little  too  laid  back  with  its  saccharin  girlie  chorus  and  celestial  keyboards.

The  lyrical  focus  switches  to  Britain  for  "Billy's  Line". The  lyric  is  an  opaque  narrative  but  I  think  the  gist  is  that  teenager  Billy  comes  south  from  Scotland, contracts  AIDS  then  returns  home  to  die. In  this  interpretation  the  stentorian  "Hey  you - God  On  My  Side"  chorus  refers  to  the  outspoken  comments  of  James  Anderton  the  militantly  Christian  Chief  Constable  of  Greater  Manchester. After  a  couple  of  odd  false  starts  the  music  aims  for  high  drama  with  grand  piano  chords  , piledriver  drums , a  wailing  guitar  solo ( from  Tears  For  Fears  sideman  Neil  Taylor)  and  even  a  sardonic  snatch  of   Land  Of   Hope  And  Glory  on  the  Fairlight.  It's  just  let  down  slightly  by  David  Motion's  sueaky-clean  production.

Another  change  of  continent  ensues  with  "Bantu"  sardonically  illustrated  on  the  inner  sleeve by  a  blacked-up  P W Botha. The  word  is  charged  by  its  association  with the  definition  of  blacks  and  creation  of  "homelands"  by  the  white South  African  government  from  the  1960s  onwards. Although  the  words  are  a  bit  woolly  the  song  is  a  rollicking  hybrid  of  Paul  Simon  ( who  Toulson  Clarke  is  pretty  close  to  vocally  anyway )  and  Adam  and  the  Ants   (in  particular  Kings  of  the  Wild  Frontier ) with  a  xylophone  riff  and  Burundi  drumming  laying  the  foundation  for  the  most  impressive  massed  harmonies  on  the  LP.

"Living  In  Domes "  is  a  big  dramatic  song  about  ( I  think )  the  building  of  American  cities  on  Native  American  ground  ( illustrated  by  an architectural  plan  for  the  Capitol  building ) which  thunders  in  on  parallel  drum  patterns  and  Indian  war  cries  before  settling  down  into  a  more  conventional  rock  track  with  wailing  guitar  work  from  Neil  Taylor. It's  episodic  in  structure  without  having  a  strong  chorus  to  really  tie  it  all  together.

The  side  then  closes  with  a  brief  snatch  of  "Lean  On  Me" as  a  taster  for  the  next.

The  second  side  opens  disappointingly  with  an  inferior  version  of  1984's  debut  single "Chenko"  which  drops  Close's  abrasive  but  arresting  sax  and  flute  riff  and  drains  the  energy  out  of  the  song. From  what  I  can  gather  Chenko was  a  Native  American  settlement  in  Peru  so  we  have  another  continent's  story  of  culture  clash  borne  out  by  this  version's  extra  lines  "What  can  we  do  - live  our  lives  like  you ? "

Then  comes  "Lean  On  Me"  my  favourite  single  from  the  summer  of  1985  that  helped  get  me  through  a  bad  time. I'm  not  normally  susceptible  to  universalist  anthems  but  this  song  just  generates  a  tremendous  warmth  with  its  melodic  richness  and  the  full  on  power  of  the  Box  Vox  on  the  harmonies. The  middle  eight  where  the  music  slows  to  repeat  the  introductory  xylophone  motif  then  erupts  in  a  riot  of  military  drums  and  synth  blares  before  a  power  chord- assisted  final  chorus  is  pure  pop  perfection.

"Saskatchewan"  is  another  re-worked  early  single  this  time  a  cover  of  a  Buffy-St  Marie  track  ( actually  titled  "Qu'appelle  Valley  Saskatchewan" ) . Their  original  version was  much  more  faithful  to  her  simple  song  of  homesickness  with  its  hymnal  melody  and  gentle  but  insistent  percussion. Here  they're  trying  too  hard  to  be  epic  with  funereal  organ  and  shouted  phrases  and  while  it's  still  an  attractive  tune  they've  lost  the  heart-tugging  modesty  of  both  earlier  versions. 

"Leaders  In  Seventh  Heaven"  is  an  ambitious  oddity, an  obtuse  political  fable  set  to  a  Stop  The  Cavalry  brass  and  drums  arrangement  by  ZTT  also-ran  Andrew  Poppy. Toulson  Clarke  delivers  a  honey-toned  vocal,  trading  lines  with  the  female  element  of   the  Box  Vox  before  another  rousing  chorus  with  the  pay-off  line  "You  can  find  a  new  leader  almost  any  old  where". Again  Motion's  production  leaves  it  sounding  slightly  thin.

"Walk  Walk"  another  celebration  of  Native  American  defiance  sees  the  Box  Vox  turning  a  relatively  weak  song  into  a  tour  de  force  with  the  power  and  complexity  of  their  chant  of  "Alleluia"  over  a  rock  beat. The  a  capella  break  in  the  middle  is  breathtaking ; Toulson  Clarke  is  the  backing  vocalist  here.

After  that  drama  there's  just  the  comedown  chant  of  "Amen" to  close  out  the  album.

Commercial  failure  did  for  Red  Box. Close  left  the  project  in  1987  for  a  career  in  A & R  at  EMI  while  Toulson  Clarke  opted  to  sail  round  the  world  before  getting  down  to  a  follow-up. When  eventually  released  in  1990  with  some  of  the  original  players  still  on  board,  "Motive"  sank  without  trace  and  there  wasn't  a  third  album  until  2010  although  Toulson  Clarke  had  some  sporadic  success  as  a  songwriter  in  between.

As  we'll  see  this  wasn't  the  only  unaccountable  flop  from  this  period  as  the  tide seemed  to  go  out  commercially  for  my  taste  in  intelligent  British  pop  music  sometime  in  the  mid-80s. We'll  meet  some  other  victims  in  due  course.
 

56 Penthouse And Pavement - Heaven 17

Acquired : 23  December  1986

Tracks :  Fascist Groove Thang / Penthouse And Pavement / Play To Win / Soul Warfare / Geisha Boys  And  Temple  Girls / Let's  All  Make  A  Bomb / The  Height  Of  The  Fighting / Song  With  No  Name / We're  Going  To  Live  For  A  Very  Long  Time

This  was  Helen's  present  for  my  22nd  birthday.

It  originally  came  out  in  1981  as  their  debut  LP. It  reached  number 14  and  proved  surprisingly  durable  for  an  album  which  failed  to  produce  a  Top 40  single  although  it  was  undoubtedly  helped  by  the  association  with  The  Human  League  then  at  the  height  of  their  fame.

It  was  also  helped  by  Ray  Smith's  fantastic  sleeve,  rightly  regarded  as  an  eighties  classic. Of  course  right  back  to  Apple , artists  had  set  themselves  up  as   businesses   but  no  one  had  embraced  the  iconography  that  went  with  it  before. When  you  look  closer  the  discreet  pony-tails  on  Ian  Craig  Marsh  and  Glenn  Gregory  are  a  little  subversive  marker ; a  hint  that  all  is  not  what  it  seems  but  doubtless  not  all  its  purchasers  picked  up  on  that. Of  course  there's  an  element  of  hubristic  conceit  ; the  British  Electronic  Foundation  production  company  concept  (with  manager  Bob  Last  as  the  non-musical  strategist  on  board)  foundered  in  little  more  than  a  year  after  two  dud  albums (though  it  provided  the  template  for  ZTT).  The  boast  that  they  were  "opening  doors  all  over  the  world" was  never  fulfilled  although  Tina  Turner  has  reason  to  thank  them.

La  Roux  apart,  not  many  regard  the  contents  as  classic  and  my  expectations  in  1986  weren't  high.  I  never  ranked  the  list  I  gave  Helen  so  as  to  retain  an  element  of  surprise  but  this  wouldn't  have  been  high  on  it ; I'd  lost  interest  in  the  band's  recent  material  and  it   probably  only  survived  by  virtue  of  being  an  artefact  of  the  halcyon  year  of  1981.

Recorded  in  haste  in  an  atmosphere  of  fierce  competition  with  erstwhile  bandmate  Phil  Oakey's  Human  League , the  album  is  split  in  two  with  the  "Penthouse"  side  containing  four  tracks  with  overt  funk  influences and  the  "Pavement "  more  austere  synth-pop  more  in  the  style  of   Marsh  and  Martyn  Ware's  old  band .

The  "Penthouse"  side  starts  with " (We  Don't  Need  No )  Fascist  Groove  Thang"  their  debut  single  from  early  1981  which  was  stymied  in  its  progress  up  the  charts  by  (in  another  premonition  of  ZTT)  a  radio  ban  initiated  by  closet  Tory  Mike  Read  on  the  grounds  that  it  was  too  overtly  political. Few  songs  date  the  time  of  their  composition  as  precisely  as  this  with  the  line  "Reagan  is  President-elect". The  song  interweaves  political   observations with  dancefloor  slogans  possibly  as  a  riposte  to  the  New  Romantic  movement's  escapist  themes. Despite  the  fact  that  the  politics  are  wrong  headed  (it's  well  known  that  fascist  groups  disintegrate  when  the  democratic  Right  are  in  power  as  last  week's  local  elections  proved  yet  again)  and  the  music  isn't  dance-friendly  at  all  with  its  frantic  skittering  synths  and  sledgehammer  Linn  drum  beat,  it's  still  a  rousing  song   and  a  strong  statement  of  intent. The  middle  eight  with  John  Wilson's  bass  solo  writhing  over  the  top  of  the  brutalist  drum  machine  is  startingly  raw.

The  title  track  is  up  next, an  edited  version  of  which  was  released  as  the  third  single  at  the  tail-end  of  1981. It's  difficult  to  read  it  as  anything  other  than  a  proto-yuppie  anthem ; if  the  guys  intended  it  to  be  ironic  there's  little  evidence  in  the  grooves. Again  Wilson's  bass  is  prominent  (though  I  recall  one  of  Record  Mirror's  journalists  claiming  it  wasn't  actually  danceable)  but  he  also  throws  in  plenty  of  funk  guitar.  Then  you  have  session  singer  Josie  James  delivering  the  breathless  chorus. All  the  early  Wham  sound  is  here  apart  from  the  voice  and  Glenn  Gregory's  clumsy  phrasing  is  the  track's  weak  point.  This one  too  stiffed  in  the  forties  while  Sheffield  contemporaries   ABC  clocked  up  their  first  Top  20  hit  with  debut  single  Tears  Are  Not  Enough.

The  same  fate  befell  the  next  track,  "Play  To  Win"   released  a  few  months  earlier. Even  their  debut  on  Top  Of  The  Pops  couldn't  help  it  limp  over  the  line  into  the  Top  40  which  was  rare  in  the  early  80s.  However  it's  easier  to  explain  why  this  one  failed ; Glenn  Gregory  has  recently  said  it  needed  a  chorus  and  he's  dead  right. Over  the  cluttered   half  funk  half  salsa  (the  in  sound  of  summer  1981)  backing  track  with  a  pretty  horrible  farty  synth  sound,  Gregory  sings, chants  and  shouts   (almost  raps  in  places)  various  disjointed  busines  slogans  while  the  others  occasionally  interject  with  the  title  a  la  Fade  To  Grey  (the  phrasing  is  identical). It's  too  clever  for  it's  own  good  and  the  first  sign  of  an  enduring  tendency  to  forget  to  come  up  with  a  tune.

"Soul  Warfare"  isn't  very  good  either  (have  any  white  group  made  a  decent  record  with  "Soul"  in  the  title ?" )  and  was  a  resounding  flop  as  a  single  for  dance  troupe  Hot  Gossip  (B.E.F.'s  ill-fated  second  project  which  destroyed  the  Dindisc  label ) . It  starts  promsingly  enough  with  Gregory's  laconic  voice  and  the  cool  piano  fills  rather  fitting  the  icy  romance  as  business  transaction  theme but  the  chorus  is  awful    -  a  bridge  that  just  goes  on  and  on  with  crass  rhymes  instead  of  leading  somewhere. It  just  sounds  really  clumsy  and  unfinished. Both  these  last  two  tracks  testify  to  the band's  desperation  to  get  some  fast  product  out  there  and  compete  with  the  League.

Although  Martin  Ware  said  on  a  recent  documentary  that  the  Pavement  side  was  intended  to  be  a  farewell  to  their  old   synthy  sound  that  seems  like  a  gloss  on  the  fact  that  they  were  using  up  material  originally  intended  for  the  third  Human  League   LP. It  all  sounds  like  nothing  so  much  as  another  side  of  Travelogue  with  an  inferior  singer.

That's  not  meant  as  a  criticism. "Geisha  Boys  And  Temple  Girls"  is  melodically  strong  and  benefits  from  Gregory  adopting  a  softer  tone  in  contrast  to  the  high-pitched  synths  and  brutalist  electronic  percussion. The  others  come  in  on  the  crashing chorus  along  with  a  vaguely  Russian  male  voice  choir  singing  a  counter  melody. The  lyric  seems  to  allude  to  high  class  prostitution  of  both  sexes   (prefiguring  West  End  Girls )  without  any  direct  reference  to  Japan. It  would  have  made  a  much  better  single  than  "Play  To  Win"  for  one.

So  too  would  "Let's  All  Make  A  Bomb"  with  its  clever  double  meaning and  chant along  chorus. Is  it  an  anti-nuclear  song  ( I  think  it  is )  or  a satire  on  capitalism  ( again  anticipating  the  Pet  Shop  Boys )  ?  Mentions  of  sirens  and  vaporising  seem  clear  cut  but  then  "Take  the  M out  of  M A D "  and  you  get  ad . The  twitchy  synth  sound  reminds  me  of  New  Order's  Everything's  Gone  Green  released  a  few  months  later. The  track  is  also  full  of  trendy  salsa  whistles  particularly  on  the  abrasive  middle  eight.

"Height  Of  The  Fighting"  was  the  final  single  in  early  1982  albeit  in  a  remixed  version  with  added  horns  from  Beggar  &  Co  to  mitigate  the  uncompromising  dryness  of  the  sound. There  isn't  that  much  of  a  song  beyond  the  title  hook ; the  verses  consisting  of  Hugo Montenegro- like  grunted  slogans  like "Work"  and  "Sweat".  The  police  sirens herald  a  key  change  in  the  middle  just  as  it  starts  getting  boring.

"Song  With  No  Name"  explores  very  similar  territory  to  The  Black  Hit  Of  Space  from  Travelogue.  Gregory  seems  to  be  trying  to  mimic  Oakey  at  his  most  portentous  on  an  icy   Ballardian  fable  with  horror  movie  synth  screeches  for  punctuation. It's  dreary  and  tuneless , the  album's  worst  track.

That  leaves  us  with  "We're  Going  To  Live  For  A  Very  Long  Time"  essentially  a  chant  built  around  a  crashing  Linn  drum  hook. The  lyric  satirises  religious  cults  like  the  Jehovah's  Witnesses  based  on  the  idea  of  an  elect  although  it  could  be  applied  to  any  self-satisfied  grouping. As  an  attempt  at  a  synth-pop  We  Will  Rock  You  it's  not  bad  and  the  vinyl  version  ends  with  one  of  those  everlasting  grooves  on  the  phrase  "For  a  very  long  time"   which  is  a  good  joke.

It's  not  a  great  album, sterile  in  some  parts  and  unfinished  in  others   but  there's  enough  invention  and  intelligence  on  show  to  make  it  still  worth  a  listen.

55 The Colour Of Spring - Talk Talk

Purchased :  February  1986

Tracks : Happiness  Is  Easy / I  Don't  Believe In You / Life's  What  You  Make  It / April 5th / Living  In  Another  World / Give  It  Up / Chameleon  Day / Time It's  Time

This  was  bought  in  Leeds  on  a  weekday  afternoon. 

It  was  my  first  "just  out" purchase  for  quite  a  while. This  was  Talk  Talk's  third  LP  and  the  most  commercially  successful  of  their  original  albums,  benefitting  from  the  unexpected  success  of  the  single  "Life's  What  You  Make  It" , their  first  Top 40  hit  in  over  three  years. It's  also  the  last  LP  of  their  original  incarnation  as  a  modern  pop  band. To   someone  like  me who  hasn't  yet  found  a  way  into  their  subsequent  material  (and  is  dreading  having  to  write  about  it)  it  feels  very  much  like  a  swansong.

The  balance  of  power  had  altered  significantly  in  the  band  with  all  the  songs  written  by  Mark  Hollis  and  Tim Friese-Greene  and  original  members  Paul  Webb  and  Lee  Harris  augmented  by  an  expanded  cast  of  session  musicians  although  for  promotional  purposes  the  group  was  still  a  trio  for  the  time  being. This  is  the  first  LP  in  which  the  lyrics  are  reproduced  in  Hollis's  barely legible  scrawl.

Unlike  the  previous  couple  of  LP's  there's  very  little  anger  in  any  of  the  songs  which  are  melancholy  to  the  point  of  sickness. The  release  was  well-timed  as  1986  was  bookended  by  harsh  winters  and  the  first  provided  a  fitting  background  for  listening  to  this  LP.

It  sets  its  stall  out  straightaway  with  the  sardonically-titled  and  utterly  mournful  "Happiness  Is  Easy"  with  Hollis  lamenting  the  abuse  of  religion  to  justify  evil  acts. It  builds  slowly  from  the  shuffling  percussion  of  the  intro  with  xx's  acoustic  bass (Webb  isn't  on  the  track at  all)  wandering  seemingly  where  it  wants  and  acoustic  guitar ,  Steve  Winwood's organ  and  piano  dropping  in  and  out  of  the  mix ( you  really  need  headphones  to  catch  everything  going  on ) . Hollis's  point  is  driven  home  by  the  use  of  an  unschooled  children's  choir  singing  a  Christian  nursery  rhyme  while  he  repeats  the  title,  lower  in  the  mix,  shut  out  from  their  innocence (a  potent  reminder  to  me  that  I  would  soon  be  leaving  the  womb  of  the  education  system) . After  six  and  a  half  mesmerising  minutes  they  shuffle  away  leaving  you  numbed.

A  reviewer  on  Amazon  suggests  that  the  whole  LP  is  about  the  decay  of  a  long-term  relationship  and  while  it's  difficult  to  fit  the  previous  track  into  that concept  it's  clearly  what's  going  on  in  "I  Don't  Believe  In  You" . Hollis's  vocal  veers  between  despair  and  glum  resignation  on  this  slow-burning  song  which  throws  in  a  Floyd-esque  slide  guitar  solo  midway  through  and  features  brief  contributions  from  The  Lexicon  Of  Love  harpist  Gaynor  Sadler. It  fades  out  slowly  without  resolution  just  as  the  situation  it  describes  can't  be  resolved. EMI  bizarrely  released  it  as  a  fourth  single  6  months  after  the  last  and  long  after  the  tour  had  finished  and  unsurprisingly  it  tanked, a poor  fate  for  a  powerful  song.

"Life's  What  You  Make  It"  still  baffles  me; I  can't  see  the  hook  that  made  it  so  popular. It's  a  mantra  rather  than  a  song  with  no  chorus  and  no  great  melody  either. Mark  Hollis  sings  the  tritely  positivist  lyrics  like  he  doesn't  believe  a  word  of  them. Webb (an  under-rated  backing  vocalist) compounds  the  irony  with  his  "Everything's  alright" refrain. I  guess  the  hook  must  be  in  the  music, everything swirling  round  Hollis's  unyielding  bassline  played  on  the  far left  of  the  piano  and  Harris's  aggressive  drumming. The  scorching  guitar  and  organ  swells  both  sound  like they're  trying  and  failing  to  break  out  of  the  vortex  of  despair  at  the  heart  of  the  song.

And  then  "April  5th"  lets  a  little  light  in  with  Hollis  using  the  approach  of  spring  as  a  metaphor  for  his  own  hopes  of  rebirth. The  wintry  piano  chords  at  the  beginning  remind  me  of  the  Blue  Nile's  Easter  Parade  and  this  is  similarly  slow  and  stately . Webb  and  Harris  are  both  absent  with  Hollis  and  Tim Friese-Greene  providing  most  of  the  backing  on  organ  and  variophone. Hollis's  "Come  gentle  spring "  plea  is   a  delicate  whimper  and  his  closing  ad  libs  around  the  line  "Let  me  breathe"  are  almost  like  blubbering. I  do  think  this  last  section  goes  on  a  tad  too  long.

Side  Two  opens  with  the  two  follow  up  singles  which  reverted  to  the  usual  pattern  of  falling  short  of  the  Top  40. "Living  In  Another  World"  is  the  most  uptempo  track  with  nods  to  classic  rock  in  Steve  Winwood's  Hammond  contribution  and  Mark  Feltham's  harmonica. It's  also  has  the  most  direct  lyric  with  the  first  line  "Better  parted"  summing  up  the  whole  theme  of  the  song , a  cry  of  pain  from  the  wreckage  of  a  relationship. Hollis  alternates  between  resigned  relief  and  grief (signified  by  the  heart-stopping  swell  of  Winwood's  organ) . Besides  laying  down  a  proddiing  bassline  Webb  provides  an  ironic  counter-vocal   interrupting  Hollis's  musings  with  the  command  "Forget ! "  and  closing  out  the  chorus  himself. The  lengthy  middle  eight  begins  with  a  crashing  piano  chord  echoing  with  terrifying  finality  before  Feltham  and  David  Rhodes  chip  in  with  solos. It  was  probably  too  rich  a  brew  for  a  1986  single  but  it's  one  of  the  standout  tracks  here.

"Give  It  Up"  seems  like  an  inner  dialogue  with  Hollis  posing  unanswerable  questions  like  "How  can  I  learn  if  I  don't  undertsand  what  I  see ? " . The  anguished  cries  of  the  title  set  to  the  glorious  Hammond  sound  on the  chorus  (where  Friese-Greene  proves  himself  the  equal  of  Winwood)  are  the  thrilling  heart  of  the  song  with  echoes  of  Joe  Cocker  at  his  peak. Webb  and  Harris  are  equally  important  in  moving  the  song  along  with  purpose.

They're  both  missed  on  the  next  track  "Chameleon  Day"  which  only  features  Hollis  and  Friese-Greene  with  variophone  and  sparing  piano .  Hollis's  love  of  Miles  Davis  and  John  Coltrane  is  obvious. Full  of  pregnant  pauses  you  can  barely  hear  Hollis  on  the  first  verse  then  he  bursts  out  on  the  second  "eclipse  my  mind  it's  in  some  kind  of  disarray". It's  effective  in  documenting  a  late  night  of  the  soul  but  not  really  my  cup  of  tea  musically. Unfortunately  it's  the  best  pointer  to  their  subsequent  material  on  the  LP.

That  leaves  us  with  "Time  It's  Time". It's  position  on  the  LP  means  it's  come  to  be  seen  as  the  swansong  for  Talk  Talk  the  pop  band  and  it  fits  well  with  its  message  of  rebirth  while  at  the  same  time  carrying  echoes  of  the  Gothic  despair  of  "The  Party's  Over". The  warm  beginning  where  Hollis  purrs  the soporific  lyric  suddenly  gives  way  to  a  determination  to  move  on  -"As  bad  as  bad  becomes  it's  not  a  part  of  you"  - and  the  Ambrosia  Choir  comes  in  with  a  wordless  ethereal  chant  behinfd  the  simple  "Time  it's time  to  live"  message. It's  stunningly  reminiscent  of  Pink  Floyd  especially  the  best  bits  of  Atom  Heart  Mother  with  the  same  ambition  to  elevate  the  deeply  personal  into  the  universal. After  five  minutes  there's  a  brief  melodica  solo  and  then  the  flutes  come  in  with  a  gorgeous  Pied  Piper  refrain  which  continues  for  the  rest  of  the  song , Hollis's  last  words being  "rest  your  head"  as  the  music  slowly  fades  away  and  EMI 's  great  white  hopes  of  1982  leave  pop  music  behind  forever.

That  wasn't  quite  the  end  of  the  story  for  me  as  I  went  to  see  them  in  Leeds  in  May  1986. At  the  time  I  was  disappointed  because  they  ignored  "The  Party's  Over"  altogether  (although  they  did  do  "Talk  Talk"  on  other  dates)  but  now  I'm  pleased  I  saw  them  on  their  last  ever  tour. We'll  discuss  the  subsequent  albums  at  the  appropriate  time  but  the  first  three  form  a  trinity  of  excellence  that  I'll  always  appreciate. There's  never  a  time  when  I'm  unreceptive  to  them  but  like  the  man  said  it  was  time  to  move  on.

* This  turned  out  to  be  the  last  purchase  of  my  university  days  because  I  was  losing  control  of  my  finances. The  main  cause  was  my  moving  out  of  the  hall  of  residence  for  the  last  year  and  renting  a  house  nearer  the  university with  two  other  guys. One  was  no  problem  at  all  but  I  soon  realised  that  living  with  the  other  with  no  constraints  on  his  behaviour was  a  bad  mistake . To  make  it  worse  he  was  actually  taking  a  year  out  due  to  exam  failure; you  never  knew  what  you  were  coming  home  to  ( starting a  fire  in  the  cellar  to  keep  himself  warm   despite  the  lack  of  a  chimney was  the  classic ).  On  top  of  this  there  was  a  pack  of  Hostel -style  feral  kids  in  the  neighbourhood  who  were  reportedly  targeting  students.  After  one  term  I  decided  not  to  return  and  lived  at  home  for the  next  ; there  was  some  justification   for  this  as  my  dissertation  was  on  local  politics  in  the  Rochdale  area  so  the  research  needed  to  be  done  in  the  local  libraries.

The  problem  was  that  I'd  already  given  the  landlord  post-dated  cheques  for  the  latter  two  terms  and  after  taking  legal  advice   I  didn't  have  the  nerve  to  cancel  them. My  attempts  to  sub-let  the  room  foundered  on  the  fact  that  it  was  little  bigger  than  a  shoebox. This  took  a  toll  on  my  bank  account  particularly  in  the  summer  term  when  I  chose  to  rent  a  university  flat  rather  than  return  to  the  house.

My  head  was  in  a strange  place  that  year. I  got  worked  up  about  things  that  were  utterly  trivial   such  as  my  former  Hall's  decision  to  withdraw  the  external  member's  scheme  (basically  you  paid  a  fiver  to  be  able  to  come  in  and  watch  TV  or  use  the  snooker  table ) . Despite  the  fact  that  such  facilities  were  available  at  the  University  Union  much  closer  to  where  we  lived  and  a  much-improved  security  system  had  made  the  former  policy  impracticable,  I  took  this  as  a personal  affront. On  the  other  hand  the  Careers  Office  had  to  track  me  down  to  go  in  for  an  interview  and  I  didn't  look  at  their  literature  until  my  last  fortnight.

This  neglect  and  a  very  sloppy  application  for  funding  for  an  MA  which  was  quite  rightly  rejected  meant  an  8  month  spell  on  the  dole. Returning  home  shielded  me  from  any  real  hardship  but  I  couldn't  walk  in  the  house  with  a  new  LP  while  I  still  owed  my  mum  money  for  the  rent  of  the  flat.

Which  is  a  long  explanation  for  the  hiatus  until  Helen's  birthday  gift  in  December.

54 Hanx - Stiff Little Fingers

Purchased :  late  December  1985

Tracks :  Nobody's  Hero / Gotta  Getaway / Wait  And  See / Barbed  Wire  Love / Fly  the  Flag / Alternative  Ulster / Johnny  Was / At  The  Edge / Wasted  Life / Tin  Soldiers / Suspect  Device

This  was  a  careless  purchase  made  on  my annual  post-Christmas  spending  visit  to  Manchester (probably  from  HMV). I  was  frustrated  at  not  finding  anything  I  really  wanted  at  a  discounted  price  and  settled  on  this  because  it  included  "At  The  Edge"  a  favourite  single  from  early  1980  that  I'd  never  heard  since. It  wasn't  until  I  got  home  that  I  realised  I'd  bought  a  live  album.

Largely  influenced  by  how  rough  The  Jam  sounded  on  stage  I  was  never  attracted  to  live  albums  especially  from  punk  acts  and  would  never  have  bought  this  if  I'd  realised  it  was  a  live  recording. Of  course  Stiff  Little  Fingers  were  never  really  punk ; they  were  a  young  hard  rock  outfit  that  played  with  enough  energy  and  passion  to  be  assimilated  into  the  post-77  scene. This  LP  was  released  in  the  autumn  of  1980  falling  between  their  second  and  third  studio  albums. It  was  originally  intended  for  the  U.S.  market  but  released  in  the  UK  (always at  mid-price so  I  wasn't  even  getting  a  bargain) for  fear  fans  would  otherwise  pay  high  prices  for  imported  copies. It  captures  them  on  the  tour  for  their  second  LP  "Nobody's  Heroes" in  July  1980  mostly  at  Friar's  in  Aylesbury  but  with  one  track  recorded  at  The  Rainbow  in  London.  It  reached  number  9  in  the  charts.

I  have  the  feeling  this  is  going  to  be  one  of  my  shorter  reviews  since  it's  an  LP  that  does  what  it  says  on  the  tin, captures  four  guys  at  their  commercial  peak  bashing  out  their  best-known  songs  for  an  appreciative  audience. Without  having  the  previous  studio albums  I  can't  compare  the  songs   to  the  recorded  versions  so  I  have  to  take  them  as  I  find  them  here.

It  begins  with  the  applause  for  the  band  arriving  on  stage  and  they  launch  into  "Nobody's  Hero"  the  title  track  of  the  album  they  were  touring  at  the  time. It's  a  simple  three  chord  rock  track  played  ferociously. Jake  Burns's  vocals  are  surprisingly  clear  in  the  mix, sounding  halfway  between  Joe  Strummer  and  Kelly  Jones .  The  song  expresses  Burns's  discomfort  with  his  role  as  a  rock  star/ youth   spokesman  (not  that  he'd  hold  it  for  long) - "Don't  let  heroes  get  your  kicks  for  you  / It's  up  to  you  and  no  one  else " -  which  makes  it  an  ironic  choice  for  a  big  rock  gig.

From  the  same  album  comes  "Gotta  Getaway"  a  straightforward  angsty  song  about  wanting  to  leave  the  parental  home. It's  played  as  a  thrash  and  I  can't  think  of  anything  else  to  say  about  it.

"Wait  And  See"  is  the  song  about  the  circumstances  of  their  signing  that  most  punk  acts  seemingly  felt  obliged  to  write  (cf  The  Sex  Pistols's   EMI  or  The  Clash's  Complete  Control )  though  it  turns   into  a  lament  for  original  drummer  Brian  Falloon  who  decided  to  quit  when  the  band  relocated  to  London  in  1978  - "But  you  gave  yourself  the  sack / Now  there's  no  going  back".  Though  still  played  with  full-on  aggression  it's  more  melodic  than  the  preceding  tracks  and  unexpectedly  has  a  Clash-style  punk  skank  section  towards  the  end.

"Barbed  Wire  Love"  stands  out  for  the  sudden  switch  to  a  doo  wop  style  for  the  second  chorus  and  its  excrutiatingly  bad  lyrics  with  Jake  Burns  mining  the  Troubles  for  increasingly  painful sexual metaphors . "You  set  my  arm  alight"  is  bad  enough  but  "The  device  in  your  pants  was  out  of  sight"  is  just  unspeakable.

"Fly  The  Flag"  is  a  presumably  ironic  expression  of  Thatcherite  values -" A  race  of  winners  not  cramped  by  the  state / And  only  the  helpless  get  left  by  the  gate." It's  suitably  angry  but  not  very  tuneful.

Side  One  ends  with  their  most  famous  song  "Alternstive  Ulster"  an  impassioned  but  unspecific  plea  for  change  and  sticking  it  to  The  Man,  here  played  at  100 mph  after  a  crowd-teasing  extended  intro. It  follows  a  similar  pattern  to  a  lot  of  their  songs  with  melodic  verses  leading  up  to  a  fist-in-the-air  chanted  chorus  though  in  this  case  not  one  that's  easy  to  sing  along  to  with  six syllables  squeezed  in  where  only  four  should  go. It's  unsubtle  but  the  excitement  is  palpable.

"Johnny  Was"  is  the  joker  in  the  pack, the  one  recorded  elsewhere  and  an  eye-opening  ten  minutes  long  ( weren't  punks  supposed  to  shun  that  sort  of  thing ?) . As  Jake  Burns  says  in  the  intro  it's  a  Bob  Marley  song  about  a  man  getting  shot  for  being  in  the  wrong  place  at  the  wrong  time. By  the  time  I  bought  the  LP  it  had  acquired  an  extra  resonance  as  drummer  Jim  Reilly's  brother  had  met  exactly  that  fate  the  year  before  (an  event  that  inspired  Bananarama's  Rough  Justice ) . I  also  recalled  it  from  John  Peel's  final  all  time  Festive  50  in  1981 where  it came  in  quite  high  to  the  DJ's  chagrin. Though  an  early  champion  of  the  band  Peel   loathed  the  track  and  berated  his  listeners  for  voting  for  it.  The  first  couple  of  minutes  are  largely  taken  up  with  Reilly's  Cozy  Powell  routine  to  which  the  crowd  clap  along  in  true-ELP  fashion   and  it's  not  hard  to  understand  Peel's  reservations  although  the  jagged  guitar  riff  that  follows   is  pretty  good.  Halfway  through  there's  a  switch  to  a  reggae  bassline , Burns  starts  ad-libbing and  the  whole  thing  gets  a  bit  tedious. 

Then  comes  "At  The  Edge" . The  original  was  their  only  Top  20  hit  but  you  never  hear  it  ; even  30  years  on  it's  still  too  ferocious  for  radio. Here  the  Fingers  play  it  even  faster, Burns  snarling  out  the  lyric  of  teen  frustration  while  the  band  gallop  to  the  finish. Burns's  spitfire  delivery  of  "They're  criticising  something  they  just  can't  understand"  in  the  bucking  chorus  remains  impressive.

"Wasted  Life"   begins  (or  the  previous  track  ends ) with  a  snatch  of  the  opening  chords  of  Won't  Get  Fooled  Again.  After  that  though  it's  musically  very  similar  to  "Edge"  which  is  a  shame  since  the  powerful  and  brave  lyric  attacking  the  paramilitaries  on  both  sides - "They're  nothing  but  blind  fascists" -  deserves  a  better  setting.

"Tin  Soldiers" goes  the  other  way. The  music  is  a  tightly-wound  spring  of  palpable  fury  but  when  you  study  the  lyric  it's  a  relatively  minor  gripe  about  dishonesty  in  army  recruitment  advertising. The  injustice  of  kids  having  to  stay  in  the  army  until  they're  21  doesn't  cause  me  too  many  sleepless  nights  and  makes  the  song's  vehemence  almost  comical.

The  album  wraps  itself  up  with  "Suspect  Device"  another  attack  on  the  terrorists  blaming  them  for  the  misery  caused  to  the  youth  of  Ulster. It's  a  standard  thrash  notable  only  for  Burns  losing  his  voice  and  skipping  lines  in  the  second  verse. Then  it's  "Hanx! " and  they're  gone.

It's  an  interesting  document  of  a  band  that  have  largely  been  written  out  of  history  highlighting  both  their  strenghts  and  weaknesses. Their  commercial  decline  afterwards  was  swift. Their  1981  LP  "Go  For  It"  failed  to  produce  a  Top  40  single  and  their  "Listen  " EP  only  scraped  into  the  charts  because  it  was  marketed  as  a  VFM  package. When  1982's  "Now  Then"  failed  to  reverse  their  fortunes  they  decided  to  split  up  the  following  year. They  reformed  in  1987  and  have  plugged  away  ever  since  presumably  still  finding  an  audience  despite  their  new  material  having  zero  commercial  impact. They're  mostly  remembered  now  for  having  kept  former  Jam  bassist  Bruce  Foxton  gainfully  employed  for  over  a  decade.  At  the  time  of  writing  I  have  no  other  SLF  records  but  never  say  never.