42 The Way We Wah

Purchased : May  1985

Tracks : Other  Boys / Some  Say / The  Seven  Thousand  Names  Of  Wah / Seven Minutes  To  Midnight / The  Death  Of  Wah / The  Story  Of  The  Blues  Parts  1 & 2 / Sleep / You  Can't  Put Your  Arms  Around  A  Memory / Hope / Remember 

I  bought  this  at  mid-price  somewhere in  Leeds.

This  is  a  compilation  of  material  Wah  in  their  many  guises  recorded  for  WEA  before   being  dropped  in  1983, strangely  ( for  the  time ) just  after  making  their  chart  breakthrough. Hit  singles  the  following  year  for  Beggar's  Banquet  prompted  this  retrospective   and  also  my  going  to  see  them  at  Leeds  in  November  1984. I  was  impressed  enough  to  pick  this  up  when  I  had  the  chance.

Wah  were of  course  a  vehicle  for  Pete  Wylie  who  changed  the  group  name  as  often  as  the  line  up. He  is  actually  most   remembered  for  coining  the  term  "rockism"  in  the  early  80s  to  describe  the  conservative  attitudes  in  music  criticism  that  he  and  fellow  post-punkers  were  kicking  against. Assuming  you  accept  its  existence , rockism  can  be  viewed  as  either  a  benign  attempt  to  elevate  the  best  popular  music  to  stand  against  the  classical  greats  or  a  more  malign  endeavour  to  create  a  hierarchy  in  pop  with  white  males  at  the  top  of  it. Either  way  the  concept  has  had  a  much  longer  shelf  life  than  Wylie himself  whose  last  hit  (barring  a  guest  appearance  with  The  Farm  in  1991)  was  in  1986  and  who  hasn't  released  anything  in  over  a  decade.  Joe  Strummer  even  credited  Wylie 's  "rockist "  jibes  with  inciting  Mick  Jones  to  leave  The  Clash.

The  album  is  roughly  chronological  so  on  Side  One  you  get  the  uncompromising  post-punk  stuff   that  made  Wylie  the  darling  of  the  inkies  while  selling  diddley-squat  while  Side  Two  shows  how , like  so  many  of  his  contemporaries,  he  took  the  New  Pop  shilling  and  headed  for  the  charts.

"Other  Boys"  is  one  of  six  tracks  from  their  debut  LP  "Nah  Poo  The  Art Of  Bluff"  which  charted  for  a  few  weeks  in  1981  despite  containing  not  even  a  minor  hit. Starting  with  a  whisper  spelling  out  the  title  followed  by  an  abrasive  guitar  blast  it  sets  out  their  uneasy  listening  template, a  brutalist  drum  machine, submerged  bass, screechy  keyboards  and  freeform  guitar  noise  that  looks  forward  to  JAMC. Then  you  have  the  Wylie  voice  a  phlegmy  one-dimensional  holler  that  always  aims  for  the  heroic  but  never  quite  gets  there. There  isn't  even  a  hint  of  melody  and  I  can't  quite  grasp  what  the  song's  about  perhaps  a  vague  call-to-arms  with  didactic  phrases  like  "guess  your  number"  and  "try  on  new  heads".

"Some  Say" , a  different  version  of  which  failed  as  a  single,  is  more  of  the  same  although  a  more  conventional  guitar  riff  makes  it  slightly  more  accessible.Wylie  rails  against  unspecified  oppressors  and  false  prophets  - "they  are  liars,  liars , liars"  although  the  fourth  verse  seems  to  refer  to  Ian  Curtis  with  the  line  "Dance  dance  to  the  music  of  the  last  chance  man"  referencing  the  hookline  of  Transmission. This   is  also  the  cue  for  some  very  Sumner-esque  guitar  thrashing. Elsewhere  there's  some  very  proggy  keyboard  abuse  in  the  instrumental  breaks.

"The  Seven  Thousand  Names  of  Wah"  affords  a  break  from  the  Wylie  voice  as  its  almost  entirely  instrumental. With  real  drums  and  something  approaching  a  melody  this  is  a  tad  more  accessible  despite  all  the  feedback  howls  and  in  places  starts  to  resemble  Love  Sculpture's  Sabre  Dance  with  which  it  shares  a  similar  tempo. Wylie  comes  in  at  the  death  with  the  line  "One  by  one  the  stars  are  going  out".

Next  up  is  a  live  version  of  "Seven  Minutes  to  Midnight"  the  most  celebrated  of  their  early singles  but  still  not  a  hit. The  title  is  a  reference  to  the  1980  setting  of  the  nuclear  doomsday  clock  although  the  idea  is  used  more  as  a  metaphor  (excuse? ) for  existential  despair   in  the  song.  And it  is  a  proper  song, the  first  hint  of  Wylie  the  songwriter  as  opposed  to sloganeer. Long-term  collaborator  Washington  lays  down  a  Steve  Severin -style  pulsing  bassline  which  anchors  the  song  while  big   chords  and  more  conventional  keyboards  add  drama  to  Wylie's  tale  of  confusion -"I've  got  a  problem  with  balance  now, there  is  no  right  or  wrong". The  self-lacerating  climax  - "I'm  the  lies  that  your  kids  should  be  told" - makes  you  warm  to  him.

The  side  concludes  with  "The  Death  Of  Wah"  a  5.5  minute  epic  which  closed  the  "Nah-Poo.."  LP.
It  begins  with  a  very  Steve  Morris  drum  pattern  that  runs  right  through  the  song  accompanied  by  Washington's  steely  bass  and  echoey  keyboards  which  also  recall  late  Joy  Division. The  lyrics  are  very  hard  to  decipher  the  most  obvious  phrase  being  "I  can  move  mountains" . Three  minutes  in  Wylie  starts  to  have  some  fun  and  reveal  some  rather  different influences. Washington's  bass  solo  leads  the  way  to  Blinded  By  The  Light  keyboards  and  a  verse  of  Everybody's  Talking.

Apart  from  one  more  track  from  "Nah  Poo",  Side  Two  sees  Wylie  cleaning  up  the  sound  and  heading  for  the  charts. It  begins  with  "The  Story  Of  The  Blues  Parts  1 &  2 "  their  No  2  hit  from  1983  and  the  biggest  hit  to  emerge  from  the Liverpool  post-punk  scene  until  the  Big  In  Japan  diaspora  started  claiming  the  top  spot  a  year  later. It  might  have  reached  number  one  if  the  band  hadn't been  barred  from  a  second  Top  Of  The  Pops  appearance  for  breaching  the  rules  on  recording  their  backing  track at  the  TV  studio. I  always  thought  it  was  a  bit  lucky  to  get  so  far,  taking  advantage  of  the  post-Christmas  lull,  media  interest  in  Liverpudlian  poverty  after  the  recent  transmission  of  Boys  From  The  Blackstuff  and  saturation  coverage  on  Radio  One  from  John  Peel  downwards (it  was  the  subject  of  Peel's  infamous  "breaking  wind" comment  on  TOTP). You  never  hear  it  on  the  radio  these days  and  I  think  that's  because  the  sound  hasn't  dated  well,  the  primitive  drum  machines  and   Fairlight  fake  brass  rooting  it  too  firmly  in  the  early  80s. Despite  an  obvious  debt  to  The  Associates  it  remains  quite  a  good  song   with  a  nice  build  up  to  a  rousing  chorus  and  sensibly  unspecific  lyrics  so  you  can  take  its  message  of  coming  through  trials  as  either  personal  or  political. Even  with  a  liberal  sprinkling  of  echo, Wylie's  vocal   struggles  to  stay  in  tune  but  the  pill  is  vitally  sweetened  by  having  a  couple  of  gospel  singers  to  help  him  out  on  the  trickier   bits.

All  the  above  really  relates  just  to  part  1. Although  the  transition  is  seamless  on  here  Part  2  was  the  B-side  and  is  a  spoken  rant  to  the  same  backing  track   about  poverty  and  oppression  that  could  have  come  from  Blackstuff's   George  Malone  but  for  the  supposed  quote  from  Sal   Paradise  in  On  The  Road.  In  fact  it  comes  from  a  different  character  in  another  of  Kerouac's  novels  which  I  find  quite  amusing; if  you're  going  to  be  pretentious  at  least  get  the  facts  right ! Actually  the  whole  thing  is  a  bit  unnecessary  making  Wylie  sound  like  a  self-righteous  berk  who  takes  himself  too  seriously.

We  then  back  track  to  "Sleep"  from  the  first  LP  subtitled  "A  Lullaby  For  Josie"  the  first  of  a  number  of  songs  in  Wylie's  career  addressed  to  his  girlfriend  and  muse  Josie  Jones. Although  relatively  accessible  it's  hardly  a  lullaby. The  prowling  bassline  and  questioning  piano  reveal  a  love  of  70s  soul. The  song  conjures  up  an  atmosphere  of  late  night  dread  with  Josie  exhorted  to  keep  moving  and  ignore  the  ramblings  of  an  ageing  pub  bore.

Midway  through  there's  a  mini-cover  of  Johnny  Thunders's  "You  Can't  Put  Your Arms  Around  A  Memory "  which  condenses  the song about  resignation  to loss  into  a  single  verse  and  chorus. With  a  near- identical  single  acoustic  arrangement  Wylie's  restrained   vocal  is  actually  an  improvement  on  Thunders  and  leaves  you  wanting  more. When  I  saw  them  in  Leeds  Wylie  thoughtfully  dedicated  the  song  to  George  Best  who'd  been  committed  to  prison  for  drink  driving  earlier  that  day.

The  album  ends  with  the  two  singles  that  bookended  the  big  hit  though in  reverse  order. "Hope"  was  seen  as  a  disappointing  follow  up  and  its  failure  to  advance  past  number  37  proved  that  Wylie  hadn't  become  a  superstar  overnight.  I  think  it's  a  better  song   and  ironically  sounds  much  more  authentically  bluesy  than  its  predecessor. With  a  slow soul  beat  played  on  real  drums and  a  gospelly  intro  Wylie  reins  himself  in  on  this  unambiguously  personal  song  of  hurt  and  betrayal   and  allows  the  impressive  backing  singers  to  lead  him  on  almost  every  line. The  chorus  is  particularly  good  ; the  girls  deliver  the  lead  line  "You  lied  to  me; I  wish  you'd  believe  me "  to  which  Wylie  responds  with  a  wordless  cry  of  pain  then  recovers  for  a  bittersweet  plea  "Remember  the  time  in  the  park  remember  the  time  after  dark"  underscored  by  a  plaintive  piano. The  best  bit  of  music  on  the  LP  by  some  way.

Finally  we  come  to  "Remember"  released  in  March  1982  under  the  silliest  of  his  nom  de  plumes, Shambeko  Say  Wah, and  widely  seen  as  Wylie's  first  attempt  at  a  hit  single. That  didn't  quite  come off , competition  for  the  charts  being  unusually  strong  at  the  time, but  the  change  in  the  sound  is  quite  plain.  With  a  driving  Northern  Soul  beat  and  the  guitar  barrage  dropped  for  a  power-pop  riff  that  makes  for  a  great  intro  it's  likely  the  future  Boo  Radleys  were  listening  at  this  point. Alas  the  song  that  follows  is  a  bit  disappointing.  Wylie  bludgeons  the  ear  with  an  unfocussed  rant  that  owes  more  than  a  little  to  Dexys"  There  There  My  Dear  minus  Rowland's  beguiling  eccentricity.

Wah  never  got  out  of  the  second  division  and  I  don't  play  this  very  often  now   but  it  is  a  good  reflection  of  an  interesting  period  in  pop  and  certainly has  its  moments. 

41 Hysteria - Human League

Purchased  :    May 1985

Tracks :  I'm Coming  Back / I  Love  You  Too Much / Rock  Me  Again  And  Again  And  Again  And  Again  And  Again  And  Again / Louise / The  Lebanon / Betrayed / The  Sign / So  Hurt / Life  On  Your  Own / Don't  You  Know  I  Want  You

This  was  purchased  on  cassette  from  Bostock's  in  Leeds. I  already  had  two  of  the  three   singles  but  crucially  not  the  one  I  most  wanted.

This  was  the  much-delayed  follow-up  to  their  multi-platinum  selling  "Dare"  in  1981. Released  two  and  a  half  years  later,   after  a  couple  of  standalone  singles  and  a  remix  album,  "Hysteria"  has  been  marked  down  as  a  critical  and  relative  commercial  failure. It  brought  their  brief  spell  as  chart  superstars  to  an  abrupt  end.  It  had  a  difficult  birth  with  first , "Dare"  producer  Martin  Rushent  and  then  Chris  Thomas  being  dropped  from  the  project  before  Hugh  Padgham  completed  the  sessions. The  title  is  reputed  to  be  a  reference  to  behaviour  in  the  studio. None  of  this  is  very  evident  from  what's  on  tape. Apart  from  the  introduction of  Jo  Callis's  guitar  the  sound  isn't  a  great  jump  forward  from  "Dare" ;  it's  clean  and  spare  synth  pop  that  doesn't  seem  to  leave  much  scope  for  quarrels  with  the  producer.

Ironically  the  first  song  is  titled  "I'm  Coming  Back"  and  it's  a  muted  resurrection to  say  the  least. Written  by  Phil  Oakey  and  Adrian  Wright  it's  a  mid-paced  electro-dance  number about  defiance without  a  strong  tune  and  most  notable  for  the  introduction  of  Callis's  power  chords  in  the  bridge  to  the  chorus. The  electro-percussion  break  in  the  middle  eight  resembles Yazoo's  Don't  Go  which  is  ironic  given  Oakey's  public  dismissal  of  the  latter  group.

"I  Love  You  Too  Much"  was  written  by  the  two  musicians, Callis  and  bassist  Ian  Burden  with  some  input  from  Wright  and  is  much  sprightlier  with  arching  harmonies  from  the  girls  Joanne  Catherall  and  Suzanne  Sulley   and  an  impressive  Bernard  Edwards-inspired  funk  bassline  from  Burden. Callis  plays  some  sizzling  guitar  in  the  middle  eight   of  a  song  about  obsession  which  could  have  been  a  single.

"Rock  Me  Again  And  Again  And  Again And  Again And  Again"  reminds  you  of  Oakey's  taste  for  ironic  cover  versions  carried  over  from  the  original  line-up, this  time  taking  on  a  song  by  the  sainted  James  Brown. I've  never  been  a  great  fan  of  Brown's  music  so  I  just  take  the  track  on  its  own  merits. You  fear  the  worst  from  the  intro  with  Oakey  really  straining  on  the  exclamatory  "oh's  but  after  that  he  does  a  credible  job  in  a  style  well  outside  his  comfort  zone. Musically  too  its  interesting  with  a  minimalist  staccato  synth  line  and  ironic  Shaft guitar  commentary  from  Callis. A  decent  false  ending  too.

Next  up  is  "Louise"  a  delayed  third  single  in  December  1984  released  as  a  follow-up  to  Oakey's  big  hit  with  Giorgio  Moroder,  Together  In  Electric  Dreams  that  autumn  and  like  the  others  peaking  in  the  teens. Written  by  Oakey,  Callis  and  Wright  it's  hung  on  a  nagging  synth  bassline  that  would  be  irritating  on  a  lesser  song. Conceived  by  Oakey  as  the  long-delayed  reunion  of  the  two  protagonists  of   Don't  You  Want  Me  it's  touching  and  sincere  despite  the  hammy  spoken  bit  and  has  a  good  claim  to  be  his  best  lyric.

Side  One  ends  with  "The  Lebanon"  the  fan-flummoxing  first  single  whose  failure  to  reach  the  Top  10  foreshadowed  the  fate  of  the  LP.  With  the  synths  taking  a  back  seat  and  even  the  drum  machine  programmed  to  a  rock  rather  than  dance  beat  the  sound  is  dominated  by  Callis's  searing  PiL  guitar  and  Burden's  thundering  bassline  which  combine  for  a  great  intro.  Written  by  Callis  and  Oakey  as  a  response  to  the  Palestinian  camp  massacres  of  1982  it  understandably  avoids  getting  into  the  ferociously  complicated  politics  of  the  hotspot  state  concentrating  on  the  observations  of  a  couple  of  individuals  caught  in  the  mayhem. I  think  the  much-criticised  line  "And  where  there  used  to  be  some  shops  is  where  the  snipers  sometimes  hide"  is  actually  quite  good  at  highlighting  the  human  tragedy  involved. The  girls  do  let  it  down  a  bit  singing  their  lines  off-key  with  all  the  passion  of  an  answering  machine  and  this  version  goes  on  too  long  merely  repeating  musical passages  from  earlier  in  the  song.

"Betrayed "  is  another  Wright / Oakey  composition  and  like  the  previous  one  displays  their  tendency  to  write  dirges  when  Callis  and  Burden  aren't  involved. But  for  Callis's  neat  surf  guitar  break  in  the  middle  eight  this  could  have  come  from  Travelogue (the  girls  don't  feature  at  all)  setting   unspecific  images  of  desolation  and  desperation  to  slow  and   ominous  synth  lines. It's  OK  but  B-side  material  really.

"The  Sign"  actually  was  a  B-side  to  "Louise"   and  lives  down  to  it. A  lousy  attempt  at  a  What's  Going  On   state-of-the  world  address,  it  pootles  along  at  mid-pace  with  a  decent  bassline  and  the  pay-off " I  saw the  sign"  line  copped  from  Blancmange's  I've  Seen  The  Word.

"So  Hurt"  picks  things  up  again  with  another  great  funk  bassline  from  Burden  who  co  wrote  it  with  Oakey  and  a  keyboard  riff  that  suggests  Oxygene. Addressed  to  a  deserted  man  the  song  has  a  similar  feel  to  "Love  Action"   with  the  same  shrill  harmonies  on  the  chorus.

Then  comes  the  delayed  gratification  of  "Life  on  Your  Own"  my  favourite  HL  single  both  then  and  now. Released  as  the  second  single  not  long  after  the  LP  it  perhaps suffered  as  a  result  of  the  lukewarm  reception  to  its  parent  and  only  reached  16,  disappointing  Virgin  who  had  hoped  for  another  number  one. It  should  also  be  mentioned  that  having  an  opening  line  of  "Winter  is  approaching  there's  snow  upon  the  ground"  didn't  help  it  sell  in  June. The  classic  intro  starts  with  just  the  percussion  track  then  the  synth  bassline  comes  in  followed  by  some  warm  minor  chords  on  the  synth. That  sort  of  gradual  introduction of  the  instruments  is  always  a  winner  with  me  and  the  song  itself  lives  up  to  it, a  mature  reflective  ballad  from  the  point  of  view  of  a  man  resigning  himself  to  his  unsuitability  for  commitment - "other  people  settle  down ; I  never  do".  Even  the  girls  do  it  justice  with  their  mournful  harmonies  on  the  chorus.

That  just  leaves  "Don't  You  Know  I  Want  You "  written  by  Callis,  Burden  and  Oakey. The  synths  again  take  a  back  seat  to  Burden's  brooding  bassline  and  Callis's  white  funk  guitar  at  least  until  the  soaring  chorus  with  its  impressive  ascending  harmonies. I  like  the  skittering  synths  on  the  middle  eight  and  Oakey's  line  "You  can  act  like  a  monarch  or  a  pillar  of  the  bourgeoisie"  seems  like  a  sly  poke  at  the  often  ponderous  socialism  of  his  ex-bandmates  in  Heaven  17.

I  personally  prefer  this  to  "Dare"  ( which  we  will  get  round  to  eventually )  for  its  more  adult  songs  and  smoother  sound   but  I  guess  I'll  always  be  in  a  minority  there. By  the  time  of  their  next  LP  half  the  band  had  been  shed  and  much  of  the  group's  personality  had  been  surrendered  to   Jam  and  Lewis  who , the  big  hit  single  "Human"  apart,  produced  a  very  uninspiring  album. Oakey  and  the  girls  have  soldiered  on  ever  since  dividing  their  time  between  80s  revival  tours  and   sporadic   hit  singles  which  haven't  persuaded  me  to  invest  in  the  relevant  LPs.

40 Heart Twango & Rawbeat - Original Mirrors

Purchased :  February  1985

Tracks :  Heart  Twango  &  Rawbeat / Dancing  With  The  Rebels / Teen  Beat / When You're  Young / Things  To  Come / Darling  .... in  London / Don't Cry  Baby / Please  Don't  Wear  Red / Swing  Together  / Time  Has  Come

Well  this  one's  a  bit  of  a  joker  in  the  pack. It  was  bought  in  Leeds HMV, possibly  at  the  same  time  as  "Meat  Is Murder" , despite  my  never  having  heard  a  note  of  the  band's  music. There  were  two  reasons. One  was  that  I  had  read  a  lot  ( mainly  favourable )  about  them  in  Record  Mirror  in  the  early  80s and  there'd  been  post-mortem  comments  like  Suggs's  that  Duran  Duran  were  an  inferior  version  plus  the  Record  Mirror  review  of  Talk  Talk's  Today  that  they  were  taking "a  huge  lump  out  of  the  much-missed  Original  Mirrors". That  suggested  I'd  missed  something. Secondly, four  years  after  its  release,  it  was only  £0.99  in  a  sale.

For  those  who  don't  recall  them  at  all  they  were  formed  out  of  the  Liverpool  post-punk  scene  in  1979  by  future  Lightning  Seed  (then  just  a  pip) Ian  Broudie  and  a  singer  Steve  Allen  from  another  forgotten  band, Steve  Allen. The  band  also  included  bass player  Phil  Spalding,  Jonathan  Perkins who'd  been in  the  pre-recording  line  up  of  XTC  and  experienced  drummer  Pete  Kircher  who  went  on  to  a  three  year  stint  with  Status  Quo  including  playing  at  Live  Aid. Despite  supportive  press  and  a  tasty  support  slot  with  Roxy  Music  in  1980  their  two  LPs  (of  which  this  is  the  second) bombed  completely  and  they  split  up  in  1981.

Now  obviously  the  sleeve  (see  above ) didn't  help  it  shift  many  copies  but  what's  in  the  grooves ?  Well  the  first , title,  track's  a  throwaway  near-instrumental  with  yobbishly  shouted  dance  instructions  though  no  one  in  1981  was  going  to  take  the  floor  to  this  horribly  dated  sub-Devo  jerky  guitar  pop. It  is  useful  in  establishing  the  parameters  of  the  sound  with  Broudie's  guitars  and  Kircher's  big  drums ( his  impression  of  Mick  Tucker  on  Ballroom  Blitz  is  the  best  thing  about  this  track; the  cod-Elvis  sign- off,  the  worst)  upfront  and  Perkins  kept  on  a  very  tight  leash . Not  a  great  start.

Next  we  have  "Dancing  With  The  Rebels"  as  resounding  a  flop  as  a  single  as  its  parent  album. This  starts  with  an  intro  of  drum  clicks  similar  to  Antmusic  then  Kircher  and  Spalding  lay  down  an  ominous  rumble  and  clatter  offering  a  solid  platform  for  a  good  song. Glitter  Band   massed  whhoah-ohs  don't  bode  well  and   then  Allen  comes  in  and  the  reason  for  their  failure  becomes  apparent. His  hiccoughing  pub-singer  drawl  with  added  Elvis  inflections  (copped  from  Alan  Vega)  is  ugly  and  grating  and  doesn't  hide  his  inability  to  sing  in  tune. In  a  cartoon  metal  band  he  might  fit ; in  a  sleek  and  shiny  new  pop  group  he  is  a  disaster. The  song  itself  is  another  call  to  arms  directed  at  "the  kids"  with  a  rather  offensive  nod  to  Jonestown - "Kool  Aid  lying  on  the  floor" . For  all  its  faults  there's  a  certain  frisson  in  Kircher's  pounding  that  makes  it  one  of  the  better  tracks.

"Teen  Beat "  is  dismal. The  influence  radar  picks  up  on  Perkins's  Radio  Radio  keyboards  on  a  song  that's  as  superficial  as  the  title  suggests. Quite  what  their  36-year  old  drummer  thought  of  this  slavish  obsession  with  chasing  the  youth  dollar  would  be  interesting  to  know.

And  here  we  go  again  with  "When  You're  Young" (not  The  Jam  song  of  the same  name) , another  patronising  yoof  anthem  which  is  utterly  vacuous  despite the  busy  bass, drum  flourishes  and  acid  guitar  solo.

"Things  To  Come"  is  an  improvement. An  excellent  intro  with  Spanish  guitar , castanets  and  Russianesque  male  harmonies  leads  into  a  song  with  a  relatively  interesting  lyric  about  The  Lone  Ranger. While  the  chorus  doesn't  make  much  sense  in  that  context - Kemo  Sabe  wasn't  noted  for  fretting  about  the  future - it  does  achieve a  sense  of  foreboding  and  drama  for  which  they're  clearly  striving.

"Darling ... In  London"  on  Side  Two  continues  the  Russian  theme  retaining  the  mass  harmonies  on  a  folk  reel  melody  before  the  song  proper  begins  and  the  lyric  seems  to  concern  Russian  sailors  looking  to  make  the  most  of  a  brief  stopover  in  the  West  (pre-dating  Letter  To  Brezhnev) . There's  some  interesting  phased  guitar  and  keyboards in  there  too.

"Don't  Cry  Baby"  takes  us  back  to  the  70s  by  melding  two  acts  from  the  opposite  ends  of  the  glam  spectrum  with  verses  that  are  pretty  similar  to  Bowie's  Golden  Years  and  a  chorus  that  recalls  the  over-produced  Spectorisms  of  the  Rubettes. It's  competent  pastiche, nothing  more.

"Please  Don't  Wear  Red"  is  one  of  the  two  sole  Broudie  compositions (the  title  track  is  the  other)  and  he  gives  us  a  break  from  Allen  by  singing  it  himself.  There  are  few  pointers  to  The  Lightning  Seeds  here  though. The  thunderous  drums, scratchy  guitar  and  screechy  keyboards  are  more  reminiscent  of  early  XTC. I  can't  make  out  enough  of  the  lyrics  (the  vocals  are  very  low  in  the  mix)  to  get  a  sense  of  what  the  song's  about  but  it  lumbers  along  without  having  enough  melody  to  leave  a  lasting  impression.

"Swing  Together"  brings  some  welcome  space  in  the  sound  being  mainly  acoustic  guitar  and  distant  keyboards  with  the  occasional  bass drum  thump  from  Kircher. It's  a  good  arrangement  but  the  lyrics  are  the  same  dismal  we  are  the  youth  nonsense  previously  peddled  by  Secret  Affair   and  hearing  Allen  more  clearly  doesn't  make  him  any  better.

"Time  Has  Come" sees  Broudie  trying  on  a  Banshees  ringing  guitar  sound  for  size  and  the  main  riff  is  quite  similar  to  Siouxsie  and  the  Banshees'  contemporary  Spellbound   which  may  be  connected  to  the  fact  Broudie  and  Banshee  drummer  Budgie  were  previously  in  Big  In  Japan together. That's  the  only  interesting  thing  about  the  track  which  has  empty  modernist  lyrics  and  no  tune. The  chorus  line  goes  "The  time  has  come  but  not  for  you". Couldn't  have  put  it  better  myself  boys.

So  no  I  hadn't  really  missed  anything. Duran  Duran  and  Talk  Talk  owe  nothing  to  these  guys. They  had  the  sound  but  not  the  songs , the  precursors  of   Re-flex  and  Wang  Chung  instead.

39 Meat Is Murder - The Smiths

 

Purchased :  February  1985

Tracks : The  Headmaster  Ritual / Rusholme  Ruffians / I  Want  The  One  I  Can't  Have / What  She  Said / That  Joke  Isn't  Funny  Anymore / Nowhere  Fast / Well  I  Wonder / Barbarism  Begins  At  Home/ Meat  Is  Murder

This  one  was  no  doubt  a  fairly  predictable  choice  as  the  first  purchase  of  the  new  year. I  was  one  of  those  who  helped  it  to  become  the  band's  only  number  one  album. Despite  that  it  doesn't  seem  to  be  anyone's  favourite ; the  critics  all  favour  its  successor. Disappointed  with  the  production  compromises  on  their  debut  the  band  produced  this  one  themselves  though  this  effectively  meant  Johnny  Marr  with  help  from  Stephen  Street  as  engineer. Sonically  it's  a  huge  step  forwards  with  Marr  greatly expanding  his  range  of  guitar  sounds  and  the  rhythm  section  much  more  assured. Morrissey's  vocals  are  also  much  improved.

Lyrically  the  album  is  much  less  introspective  with  Morrissey  picking  more  external  targets  and  introducing  a  political  edge  to  the  band  perhaps  fired  up  by  the  Band  Aid  project  he  had  scathingly  dismissed.  There's  also  a  sense  of  threat  running  through  the  album  with  many  of  the  songs  dwelling  on  violence  whether  at  school, home, the  fairground  or  the  abbatoir . Morrissey's  first  target  was  his  old  secondary  school  in  "The  Headmaster  Ritual". Many  years  later  I  discovered  that  my  father  had   taught  in  the  girls'  school  that  had  been  hived  off  from  Morrissey's  alma  mater  St  Mary's  and  he  concurred  with  Johnny  Rogan's  description ( in  Morrissey & Marr The  Severed Alliance )  of  the  headmaster  Vince  Morgan  as  a  martinet. Though  the  events  described  occurred  at  least  a  decade  earlier  the  song  bristles  with  anger  at  the  institutionalised  sadism ; the  world  of  bullying  Brian  Glover  not  Roger  Waters'  hpocritical  bleatings  or  Suggs's classroom  gangsters.  The  song's  yodelling  coda  has  Morrissey  echoing  down  the  empty  corridors  like  a  vengeful  fury. The  musical  attack  is  in  the  fiercely  strummed  acoustic  guitars  and  Joyce's  emphatic  drumming  with  the  electric  arpeggios  vaguely  reminiscent  of  Don't  Fear  The  Reaper  prodding  Morrissey  to  catharsis.

The  following  song  switches  the  focus  to  the  fairground  in  a  riot  of  plaigiarism  with  the  music  a  clear  lift  from  Elvis  Presley's  His  Latest  Flame  (the  first  clear  nod  to  50s  rockabilly  in Mozza's  career) and  much  of  the  lyrical  imagery  cribbed  from  a   poem  by  the  execrable  Victoria  Wood though  the  added  violence  is  all  Morrissey. Latterly  better  known  for  student  digs  and  its  Curry Mile  the  Rusholme  of  the  seventies  supplied  the  hooligans  who  disrupted  the  fairs  of  Morrissey's  childhood  and  it's  his  juxtaposition  of  this  memory with  the  teenage  romances  for  which  he's  relying  on  Wood - "then  someone  falls  in  love  then  someone's  beaten  up "  that  makes  the  song  compelling  although  Rourke's  bass  playing  is  also  worthy  of  note.

"I Want  The  One  I  Can't  Have"  returns  to  more  personal  concerns. Lyrically  it  seems  a  cut-and-paste  job  with  verses  about  the  mind/body  dichotomy  previously  explored  on  "Still  Ill" , working  class  sex  and  a  teenage  delinquent  bundled  around  the  title  line  achingly  delivered  by  Morrissey  amid  lashings  of  rock  guitar  at  times  recalling  the  Jam's  Private  Hell.

"What  She  Said"  is  possibly  the  most  aggressive  Smiths  song  of  all  with  Marr's  fast- fingered  guitar  work  seemingly  locked  into  a  race  to  the  finish  with  Joyce's  dense  drumming. Above  the  din  Morrissey  arily  sings  of  a  female  kindred  spirit  a  bookish  recluse  who's  rough  sexual  encounter  with  "A  tattooed  boy  from  Birkenhead"  has  only  reinforced  her  view  that  life  isn't  worth  living.

After  the  storm  comes  the  calmer  "That  Joke  Isn't  Funny  Anymore"  which  was  released  months  later  as  a  single  and  became  the  only  one  apart  from  "Hand  In  Glove"  to  miss  the  Top  40 (after  which  they  were  obliged  to  make  promotional  videos) . It's  the  most  musically  ambitious  track,  in  waltz  time  (with  Joyce's  crashes  in  unusual  places)  with  backwards  guitar  and  a  false  ending  where  the  band  return  without  Morrissey  as  if  they've  sneaked  back  in  when  he  wasn't  looking. The  lyric  chastises  Morrissey's  critics  although  exactly  what  was  the  joke  is  never  quite  clear. It  climaxes  with  a  repeated  incantation  of  a  Katherine  Hepburn line  from  her  1935  film  Alice  Adams  "I've  seen  it  happen  in  other  people's  lives  and  now  it's  happening  in  mine"  Marr's  guitar  swooping  around  the  multi-tracked  vocal.

"Nowhere  Fast"  the  opening  track  on  side  two  always  strikes  a  personal  chord  with  me  for  the  line  "And  when  a  train  goes  by  it's  such  a  sad  sound"  because  I  lived  near  a  railway  for  my  first  thirty-three  years  and  the  heavy  goods  trains  going  by  did  indeed  become  a  comfort  sound.  Over   another  rockabilly  rhythm   Morrissey  seamlessly  blends  the  personal  and  political  with  his  wish  to  moon  the  queen  in  the  second  verse  while  he  bemoans  his  emotionless  stasis  elsewhere  in  the  song. Joyce's  rimshots  in  the  middle  eight  are  recorded  to  sound  like  gunshots  (pre-dating  Stone  Roses' s  Elizabeth  My  Dear )  but  it's  the  choking  melancholy  in  Morrissey's  voice  and  sympathetic  sadness  in  the  guitar  after  each  line   that  make  the  track  a  classic.

"Well  I  Wonder "  lets  Andy  Rourke's  bass  take  a  more  prominent  role  with  Marr  sticking  mainly  to  acoustic  while  Morrissey  delivers , latterly  in  falsetto, a  sparse  lyric  about  wanting  to  figure  in  someone's  consciousness  when  he  dies,  their  first  explicit  death  song.  He  fades  out  early  in  the  coda  which  eventually  dissolves  into  affecting  Mancunian  rain  falling . It's  good  but  does  seem  out  of  sequence, an  obvious  closing  track  placed  too  early.

Then  we  have  "Barbarism  Begins  At  Home"  a  popular  live  track  extended  in  the  studio  and  for  me  the  only  misfire  on  the  LP. It's  also  controversial  for  the  lack  of  a  writing  credit  for  Rourke  whose  funk  bassline  is  the  rock  of  the  song. Certainly  Morrissey's  contribution  is  relatively  spartan,  effectively  just  one  verse  bemoaning  arbitrary  parental  violence,  repeated  then  its  lines  ad  libbed   and  yodelled  up  to the  5  minute  mark before  Rourke  and  Marr   are  allowed  to  play  at  being  Chic  for  a  couple  of  minutes.  It's  not  bad  at  all  but  it  would  have  been  better  suited  to  being  on  a  12  inch  single ; here  it  seems  like  an  odd,  flabby   indulgence  on  an  otherwise  very  lean  and  tight  LP.

Thankfully  the  album  ends  on  a  real  high  with  the  title  track. You  don't  need  to  support  the  cause  to  appreciate  Morrissey's  passion   about  his  vegetarianism  and  the  fabulous  musical  setting  provided  by  Marr. Beginning  in  a  Floydian  fashion  with  cattle  lowing  and  chainsaw  noises  (Lulubelle  being  hacked  to  pieces ?)  Marr  interweaves  simple  piano  lines  with  a  bottomlessly  mournful  guitar  riff  while  Morrissey  in  a  brittle  tone  (slightly  treated)  decries  the  treatment  of  animals  and  specifically  the  Bisto  ad  presentation  of  meat  eating  -"It's  not  comforting  cheery  or  kind". The  chainsaws  return  at  the  end  of  the  song  to  drive  the  point  home. It's  The  Smiths  at  their  least  subtle  but  it  still  packs  a  powerful  punch.

With  only  one  belated  single  the  album  didn't  hang  around  for  long  and  has  been  overshadowed  by  its  successor  but  it's  still  a  fabulous  work  of  art.

38 Sisters - The Bluebells

Acquired : 23  December  1984

Tracks :  Everybody's  Somebody's  Fool  / Young  At  Heart  / I'm  Falling / Will  She  Always  Be  Waiting / Cath  / Red  Guitars /  Syracuse  University / Learn  To  Love / The  Patriot  Game / South  Atlantic Way

This  was  my 20th  birthday / Christmas  present  from, appropriately  enough,  my  sister.

It  took  a  while  for  me  to  get  interested  in  The  Bluebells. I  heard  their  first  couple  of  singles  in  1982-3  and  just  dismissed  them  as  another  group  of  fey  Scottish  guitar-janglers  as  beloved  by  Record  Mirror's  tiresome,  blinkered  reviewer, Sunie. It  wasn't  until  the  third  single, the  considerably  beefier  "Sugar  Bridge"  that  I  paid  attention  and  the  next  one  "I'm  Falling"  was  one  of  my  favourite  singles  of  1984.

Like  many  of  their Scottish contemporaries  The  Bluebells  were  a  shortlived,  somewhat  volatile  outfit  and  their  career  was  book-ended  by  legal  controversies. They  didn't  breach  the  Top  40  until  their  fourth  single  by  which  time  their  bass  player  and  one  of  the  guitarists  had   quit  so  this  album  - the  only  one  released  in  the  group's  lifetime  - had  to  be  completed  with  their  successors. That  gives  the  album  a  rather  schizophrenic  quality  as  the  newcomers  including  future  Smith  Craig  Gannon had  a  harder  sound  so  you  get  the  poppy  singles  all  recorded  by  the  old  line  up  on  Side  One  and  more  of  a  rock  album  on  the  second.

By  the  time  the  LP  was  released  they  were  already  falling  in  the  shadow  of  The  Smiths  and  the  offhand  reference  to  them  in  a  rather  embarassing  inner  sleeve  essay  from  a  Lord  Jed  of  Bermondsey  (if  this  is  a  joke  at  the  Style  Council's  expense  it  doesn't  work)  and  singer  Ken  McCluskey's  passing  resemblance  to  Morrissey  didn't  help.

The  first  decision  the  band  had  to  make  was  how  many  of  their  five  previously  released  singles  to  include. The  two  recent  hits  were  a  given  and  sophomore  single  "Cath"  was also included. Wisely  they  excluded  their  vacuous  debut  "Forevermore" (whose  chances  were effectively  sabotaged  by  a  lawsuit  from the  Bluebell  Dance  Company  of  Paris  and  regrettably  they  had  disowned  "Sugar  Bridge"  after  London  brought  in  Alan  Tarney  to  give  it  a  modern  pop  sheen.

In  place  of  "Forevermore"  they  chose  to  start  with  the  extra  track  on  its  12 inch  version, "Everybody's  Somebody's  Fool"  albeit  re-recorded  by  the  new  line-up. It's  not  the  Connie  Francis  song  but  a  Robert  Hodgens  original  with  a  vague  lyric which  might  be  personal  or  political. It  starts  off  with  a  harrmonica  riff  repeated  for  good  measure  then  you're  straight  into  the chorus. Hodgens  and  Gannon reproduce  the  clipped  guitar  sound  from  breakthrough  hit  "I'm  Falling"  to  decent  effect  but  the  song  itself  is  too  superficial  to  really  impress.

Then  we  get  "Young  At  Heart"  the biggest  ht  in  the  group's  lifetime  and  an  even  bigger  hit  when  used  in  an  advert  in  1993. This  sparked  a  temporary  reunion  of  the  long  since  dissolved  group in  order  to  perform  the  song   on  Top  of  the  Pops,  original  bassist  Lawrence  Donegan  being  summoned  from  his  desk  at  The  Guardian  to  take  part (ironically  neither  he  nor  his  replacement  Neal  Baldwin  appeared  on  the  programme  when  the  song  was  a  hit  the  first  time round). The  song  was  originally  a  co-write  between  Hodgens  and  his  then-girlfriend  Siobahn Fahey  of  Bananarama  (Hodgens  is  the  pop  star  I  most  resemble  so  I  delude  myself  I  would  have  had  a  chance  with  her)  and  the  latter  group  had  a  first  crack  at  it. Their  version  is  dismal  so  it's  not  surprising  Hodgens  wanted  to  re-do  it  with  his  own  group. That  however  proved  costly  as  the  session  violinist  Bobby  Valentino  eventually  decided,  after  the  success  of  the  reissue, that  his  contribution  warranted  more  than  the  £75  session  fee  and  won  his  case  for  a  songwriting  credit.

The  'Nanas'  version  had  producer  Barry  Blue  using  all  the  studio  technology  they  could  muster  to  compensate  for  the  weak  vocals  so  The  Bluebells  went  in  the  opposite  direction  and  came  up  with  an  essentially  "unplugged"  version, acoustic  guitar, brushed  drums , double  bass  and  xylophone. Valentino  was  fatefully  brought  in  to  fill  out  the  sound  with  a  string  part. As  a  layman  it's  hard to  knock  the  Court's  decision ; Valentino  is  everywhere  from  that  familiar  chivvying  hoedown  riff  to  the  poignant  little  solo  in  the  middle  eight. The  song  is  about  coming  to  appreciate  your  parents  as  you  get  older  which  doesn't  fit  well  with  the  "just  divorced"  punchline  to  the  advert.

"I'm  Falling"  follows  next, by  far  their  best  song  from  the  swelling  string  intro to  Ken  McCluskey's  untethered  emoting  at  the  close. Apparently  about trying  to  help  someone  with  a  heroin  addiction  , McCluskey's  thick  Glaswegian  brogue  doesn't  help  Anglo  ears  to  hear  the  lyrics  too  clearly  but  the  sentiment  is  clear  enough  and  the  crabbed  guitar  sound  helps  conjure  up  the  dinginess  of  a  smack  den. Hodgens'  chainsaw  guitar  solo before  the  last  verse  has  real  bite  then  he  steps  up  to  the  mike for the  "I should  have  known  better  then..."  coda  with  his  clearer  diction   allowing  McCluskey  to  let  rip  with  self-disgust. This  is  the  one  that  people  should  remember.

From  that  point  on  the  album  is  largely  disappointing. The  next  track  "Will  She  Always  Be  Waiting ? "  illustrates  their  tendency  to  over-embellish  an  indifferent  song. Elvis  Costello 's  production  and  Ray  Russell's  string  arrangement  drown  the  rather  bland  melody  on  a  song  where  Hodgens  seems  to  be  trying  to  match  up  to  Aztec  Camera's  Roddy  Frame  with  his  vague  elemental  metaphors -"sleeping  on  slivers  in  the  cold  wind  of  winter's  chills". Seemingly  about  a  girl  hanging  on  for  something  better  (possibly  a  millionaire  like  Dave  Stewart ? ) it  could  conceivably  be  about  Thatcher. Whatever it's  not  as  good  as  the  band  clearly  imagine.

Then  comes  "Cath", their  second  single  re-released  in  the  wake  of  this  LP  and  crawling  to number  38  second  time  around. Why  they  thought  such  a trite and  irritating  song  was  worthy  of  another  shot  is  unknown. Actually,  hearing  it  again  there's  some  nifty  guitar  playing  throughout  including  a  great  solo  from  original  guitarist  Russell  Irvine ; it's  the  disconcert-the-keeper  chant  before  the  chorus  and  the  naff  "Cath-laugh-path"  rhyming  scheme  that  spoil  it.

Side  Two  begins  with  the  upbeat  "Red  Guitars"  the  first  of  three  tracks  recorded  by  the  new  line  up. It's  a  socialist  call-to-arms  disguised  as  a  Johnny  B  Goode  guitar  rebel  song. Whatever  the  strength  of  the  boys' political  convictions  you  don't  get  any  sense  of  passion  from  this  optimistic  sounding  song  with  summery  Duran  Duran  harmonies. Baldwin's  supple  bass  and  Gannon's  fizzing  guitar  keep  it  interesting  musically  but  the  lack  of  any  real  chorus  stops  it  from  really  grabbing  the  attention.

The  mystifying  "Syracuse  University"  follows , probably  my  favourite  track on  this  side,  perhaps  because  of  some  melodic  similarities  to  "Sugar  Bridge". The  lyric  seems  to  be  concerned  about  violence  and  economic  oppression  but quite  what  a  private  research  university  in  New  York  stands  for  in  that  context  is  unknowable  to  anyone  save  Hodgens.  In  any  case  it's  hard  to  take  him  seriously  when  the  middle  eight descends  into  bathos  with  the  line  "and  then  they  say  1 2 3 then  they  go  4 5 6"  made  worse  by  the  emphasis  in  the  music. On  the  plus  side  Gannon's  playing  is  excellent  really  driving  the  track  forward.

"Learn  To  Love"  was  recorded  by  the  old  line  up  with  the  help  of  a  Hammond organist  and  wailing  soul  diva  neither  of  whom  are properly  credited, She  may  possibly  be  the  Gabhin  Barr  thanked on  the  sleeve. It's  a  Northern  Soul  pastiche  in  the  vein  of  Style  Council's  Solid  Bond  In  Your  Heart  and  actually  pinches  the  "oh  so  free  and  oh  so  wild"  from  the  same  group's  Speak  Like  A  Child.  For  all  the  attractive   window-dressing  it's  not  particularly  tuneful  and  the  lyrics  are  the  same  sort  of  cliche-ridden  sloganeering  spouted  by  any  number  of  Weller  wannabes  like  The  Truth  or  The  Redskins.

The  next  track  is  a  bit  of  a  curveball, their  version  of  Dominic  Behan's  "The  Patriot  Game"  which  was  originally  part  of  the  "Sugar  Bridge"  double  pack  single. It's  a  fine  song  whether  or  not  you  agree  with  the  pro-IRA   sentiment  but  my  friend  Sean  took  it  off  in  disgust  when  he  realised  the Bluebells  had  followed  The  Clancy  Brothers' example  in  excising  the  verses  condoning  murder  of  policemen  and  mentioning  Irish  politicians.  The  arrangement  is  fine  and  points  the  way  to  Ken  and  David  McCluskey's  future  as  a  folk  act   but  it's  all  a  bit  Celtic karaoke.

Despite  the  bowdler-ization  of  his  song  (for  which  he  heavily  criticised  the Clancys) Brhan  was  happy  enough  to  co-write  the  final  track  with  Hodgens  and  Ken  McCluskey  (his  only  credit  on  the  LP). "South  Atlantic  Way"  essentially  updates   the  previous  song's  lyric  to  address  the  Falklands  War. The  sentiments  are  admirable  but  not  particularly  original  and  the  song  begins  to call  to  mind  the  woolly  worthiness  of   Big  Country  at  least  until  they  start  throwing  the  kitchen  sink  at  it  including  some  very  incongruous  Burundi  drum  patterns  from  David McCluskey. Finally  the  song  drowns  in  a  cacophony  with  equally  out  of  place  Bernard  Sumner-style  guitar  thrashing.

The  album  got  lukewarm  reviews  and  didn't  perform  well  in  the  charts  reaching  number  22  then  quickly  disappearing ; it  isn't  currently  available  on  CD. The  band  put  out  one  more  freash  single  in  early  1985  which  didn't  make  the  Top  40  and  then  called  it  a  day  until  the  1993 resurrection. The  McCluskey  Brothers  became  a  folk  act  while  working  as  a  lecturer  (Ken) and  a  music  therapist  (David). Hodgens  has  stayed  on  the  fringes  of  pop  as  a  DJ  and  club  promoter. Ultimately, as  this  album  testifies, they  didn't  have  enough  good  songs  to  compete  for  long  but  there  were  far  worse  groups  in  the  eighties  and  they're  worth  going  back  to  occasionally.

37 Hatful Of Hollow - The Smiths

Purchased :  1st  December  1984

Tracks:  William  It  Was  Really  Nothing / What  Difference  Does  It  Make / These  Things  Take  Time / This  Charming  Man / How  Soon  Is  Now / Handsome  Devil / Hand  In  Glove / Still Ill / Heaven  Knows  I'm  Miserable  Now / This  Night  Has  Opened  My  Eyes / You've  Got  Everything  Now / Accept  Yourself / Girl  Afraid / Back  To  The  Old  House / Reel  Around  The  Fountain / Please, Please, Please  Let  Me  Get  What  I  Want

Had  The  Smiths  released  their  debut  single  "Hand  In  Glove"  a  few  weeks  later  in  1983 , or  had  David  Jensen  not  picked  up  on  it,  then  this  purchase  would  be  significant  as  the  first  by  a  band  for  whom  my  enthusiasm  wasn't  rooted  in  my  schooldays. As  it  stands  it  is  a  marker  as  the  last  LP  purchase  of  my  teenage  years.

My  enthusiasm  for  The  Smiths  was  actually  a  bit  stop/start. I  liked  "Hand  In  Glove" , wasn't  as  keen  on  "This  Charming  Man", liked  the  next  two  singles  then  thought  "William... "  was  a  big  let  down. It  wasn't  until  my  friend  Anthony  lent  me  the  debut  LP  in  September  that  they  finally  clicked  with  me. We'll  come  to  discussing  that  one  in  due  course  but  its  impact  meant  that  I  purchased  this  one  as  soon  as  it  came  out.

There's  a  certain  irony  in  that  since  this  LP   largely  stems  from  the  band's (and   a  fair  proportion  of  their  early  fans')   dissatisfaction  with  how  their  debut  turned  out. Many  diehards  felt  that  the  LP  versions  of  tracks  previously  heard  on  sessions  recorded  for  the  John  Peel  and  David  Jensen  shows  on  Radio  One  in  1983  were  disappointing  compared  to  the  "originals". Of  course  by  this  time  The  Smiths'  success   had  attracted  new  fans  who  hadn't  heard  those  sessions  so  there  was  a  viable  market  for  putting  those  tracks  out  together  with  tracks  previously  released  only  on  the  flip  side  of  their  12  inch  singles. Again  it's  ironic  that   a  traditionalist  like  Morrissey  should  be  one  of  the  first  stars  to  recognise  that  a  growing  part  of  the  rock  audience  turned  its  nose  up  at  buying  singles. The  success  of  Hatful  of  Hollow  (it  stayed  in  the  LP  charts  for  a year  helped  by  being  at  mid-price)  inspired  other  acts  to  put  together  such  odds  and  ends  compilations  at  strategic  points  in  their  career  and  also  the  Strange  Fruit  label  set  up  to  release  the  results  of  John  Peel  sessions  (though  their  EPs  were  always  quite  expensive).

The  LP  kicks  off  with  their  most  recent  single  "William  It  Was  Really  Nothing"  apparently  inspired  by  Associates  singer  Billy  McKenzie  although  its  lyric  warning  a  friend  against  marriage  seems  closer to  Wham-era  George  Michael  or  Terry  Hall (whose  career  nosedive,  interestingly,  coincided  exactly  with  the  rise  of  The  Smiths). Clocking  in  at  just  over 2  minutes  I  still  find  it a  bit  throwaway  with  the  repetition  of  most  of  the  lines  despite  the  emphatic  halt  and  then  re-ascent  of  Johnny  Marr's  guitar  line  between  the  two  verses.

The  first  of  the  session  tracks  pops  up  next, a  version  of  "What  Difference  Does  It  Make"  recorded  for  John  Peel  in  May  1983. It's  important  to  remember  that  the  purpose  of  these  sessions  from  the  BBC 's  point  of  view  was  primarily  economic , to  reduce  the  amount  of  "needle  time"  as  any  pre-released  vinyl  played  generated  a  payment  to  the  Performing  Rights  Society  and  this  expense  was  harder  to  justify  on  the  less  popular  evening  programmes. (The  BBC  were  not  averse  either  to  using  these  session  tracks as  substitutes  on  their  earlier  shows; I  remember  Peter  Powell  getting  caught  out  when  he  used  a  Haircut  100  recording  during  his  album  chart  rundown  and  they'd  left  a  Birthday  greeting  at  the  end  of  it. )  As  such  a  quick  turnaround  culture  prevailed  at  Maida  Vale; you  didn't  get  many  overdubs  or  sound  effects  whoever  the  artist. That's  immediately  apparent  here  with  Marr's  guitar  lines  much  less  dense  and  therefore  giving  Andy Rourke's  bass  more  prominence. The  other  major  difference  is  in  the  drumming  with  Mike  Joyce  (rather  clumsily)  trying  for  a  jungly  rumble  which  he  was  persuaded  to  straighten  out  on  the  finished  version.  I  am  going  to  leave  discussion  of  the  lyrical  themes  of  the  tracks  that  ended  up  on  The  Smiths  until  we  get  there.

"These  Things  Take  Time"  was  originally  recorded  for  David  Jensen  a  month  later  (and  appeared  on  the  12  inch  of  "What  Difference  Does  It  Make"). It's  one  of  Morrissey's  many  tales  of  sexual  ineptitude  "behind  a  dis-used  railway  line"  (there  are  plenty  of  these  in  Manchester)  where  his  partner  is  needed  emotionally  rather  than  physically. It  also  addresses  his  fear  of  desertion,  perhaps  as  a  consequence - "vivid  and  in  your  prime  you  will  leave  me  behind " .  Anchored  by  Rourke's  grinding  bassline , Marr  chimes  and  glides  hypnotically  behind  the  vocal  ; even  on  an  average  song  the  inter-dependence  is  mesmerising.

Next  comes  a  session  version  of  "This  Charming  Man"  recorded  for  John  Peel  in  September  1983. Apart  from  lacking  the  striking  intro  this  doesn't  differ  that  much  from  the  single  version. This  is  their  signature  song  (and  their  biggest  hit  when  re-released  in  1992)  but  it's  never  been  one  of  my  favourites  due  to  its  relatively  optimistic  air  and  less focused  lyrics  including  the  Sleuth steal - "a  jumped  up  pantry  boy  who  never  knew  his  place". I've  always  interpreted  the  song  as  being  about  a  rent  boy  being  fawned  upon  by  an  older  predator.

"How  Soon  Is  Now"  follows; it's  almost  laughable  that  this  track  was  originally  thrown  away  on  the  12  inch  of  "William..." While  not  quite  my  favourite  Smiths  song  (it  goes  on  for  too  long  at  nearly 7  minutes and  the  bassline  plods) it  is  an  undeniable  classic  from  the  first  sawing  shudder  of  Marr's  guitar  (achieved  by  open  tuning  I'm  told) . Morrissey  drops  in  at  unpredictable  intervals  with  the  outsider's   wail  of  impatience  for  a  transformative  event  and  then  the  killing  realisation  that  it  won't  happen "So  you  go  and  you  stand  on  your  own, then  you  leave  on  your  own  and  you  go  home  and  you  cry  and  you  want  to  die". Marr's  work  empathises  with  sympathetic  shimmers , ironic  whistles  and  the  tinkling  glass  effects  suggestive  of  a  shattered  ego.

"Handsome  Devil"  is  a  song  that  even  Morrissey  would  think  twice  about  writing  now  with  its  overtly  paedophilic  themes -" I  think  I  can  help  you  get  through  your  exams".  When  he  sings  about  getting  his  hands  "on  your  mammary  glands" you  know  he's  singing  in  character  and  the  glands  in  question  are  budding  against  a  crisp  white  school  blouse. This  version was  recorded  in  May  1983  for  John  Peel (no  stranger  to  a  bit  of  underage  skirt  in  the  less  concerned  70s  himself). Marr  switches  between  long  pregnant  chords  and  an  urgent  choppy  riff  that  along  with  Joyce's  Rick  Buckler-esque  strident  drumming  makes  this  one  of  their  most  aggressive  songs.

"Hand  In  Glove" is  the  original  single  version  that  first  caught  my  attention  while  revising  for  A  levels  in  May  83. From  a  single  drum  beat,  Marr's  descending  arpeggio  and  scrawny  harmonica  riff  lead  into  a  relentless  churn  of  acoustic, electric  and  bass   controlled  by  Joyce's  emphatic  drums. Morrissey's  distant  wail  emerges  from  the  maelstrom  declaiming  a  great  love  but  the  mournful  tone  belies  his  words  and  the  last  lines  "But  I  know  my  luck  too  well and  I'll  probably  never  see  you  again" suggest  this  is  a  fantasy  based  on  the  barest  contact, a  girl  on  the  bus  perhaps  (making  this  a  distant  ancestor  of  James  Blunt's  You're  Beautiful ) . Though  not  a  hit  till  polished  up  and  given  to  Sandie  Shaw  it  remains  a  great  calling  card  for the  outstanding  group  of  their  time.

The  first  side  ends  with  a  version  of  "Still  Ill"  from  the  September  83  Peel  session. This  is  a  rather  raw  version  bookended  by  corny  harmonica  solos  that  were  replaced  by  scratchy  white  funk   guitar   on  the  finished  version. Morrissey's  vocal  is  less  than  expert  but  still  a  great  song.

So  many  riches  and  we're  only  halfway  through. "Heaven  Knows  I'm  Miserable  Now" was  their  first  Top  10  single  in  June  1984  and  to  casual  observers  the  archetypal  Smiths  song  juxtaposing  a  bright  guitar  jangle  with  lachrymose  self-pitying  lyrics.  Morrissey  bewails  his  lot  and  then  makes  a  confession  of  Mr Lockwood-esque  sexual  timidity "Oh  you've  been  in  the  house  too  long  she  said  and  I  naturally  fled ".

"This  Night  Has  Opened  My  Eyes" (from  the  September  '83  Peel  session)  is  one  of  their  darkest  songs,  dealing  with  the  abandonment  of  a  baby  with  Morrissey's  tenderest  vocal  giving  the  lie  to  his  Goodbye  To  Berlin  disavowal  of  emotional  involvement  -"I'm  not  happy  and  I'm  not  sad". Marr's  spare  clipped  playing  is  the  perfect  accompaniment  to  such  a  haunting  song  inspired  by  Morrissey's  love  of  sixties  kitchen  sink  dramas.

The  version  of  "You've  Got  Everything  Now" is  from  the  David  Jensen  session  of  June  '83. Again  the  lack  of  overdubs  (and  absence  of  Paul  Carrack's  keyboards)  gives  Rourke's  bass  greater  prominence   and  the  song  is  taken  at  a  slightly  slower  tempo  than  the  finished  version.

I've  always  thought  "Accept  Yourself"  was  one  of  their  weaker  songs, at  least  until  the  output  of  their  final  year  together. From  an  August  83  David  Jensen  session  it  has  Morrissey  conducting  a  dialogue  with  himself  alternating  between  his  usual  self-pity  and  self-help  positivity. This  is  also  reflected  in  the  music  which  lurches  between  Pretenders  melodic  flourishes  and  antagonistic  pounding  emphasised  by  Joyce's  crude  tub-thumping. It's  an  awkward,  uneasy  listen.

"Girl Afraid"  by  contrast  is  one  of  the  best  songs  on  the  album. The  B-side  to  "Heaven  Knows...."   I  think  it's  a  better  song. Morrissey  doesn't  come  in  until  50  seconds  in  allowing  Marr  to  weave  his  melodic  magic  around  one  of  Rourke's  best  basslines  and  the  quickly-improving  Joyce's  crisp  drumming. It  was  originally  written  for  piano  and  you  can  hear  that  in  the  guitar  lines. Morrissey  tells  the  tale  of  an  unhappy  relationships  from  both  perspectives  (the  male  one  surely  inspiring  Wham's Everything  She  Wants  later  in  the  year).  It's  brief  but  perfect.

The  rhythm  section  sit  out  "Back  To  The  Old  House"  an  acoustic  lament  for  a  lost  childhood  love (albeit  from  a  distance) .  Marr's  lines  seem  to  be  almost  tripping  over  each  other  in  their  elegaic dance  while  Morrissey  is  at  his  softest  and  most  lovelorn. Years  later  Everything  But  The  Girl  would  enjoy  their  biggest  hit  by  re-writing  the  song  as  Missing.

The  penultimate  song  is  the  legendary  Peel  session  version  of  "Reel  Around  The  Fountain"  without  Paul  Carrack's keyboard  parts  and  with  much  more  upfront   drums  and  bass.

Finally  we  have  "Please  Please  Please  Let  Me  Get  What  I  Want"  -  a  sub-two  minute  slice  of  utter  perfection  though  musically  it  owes  quite  a  lot  to  Tracey  Thorn's  Plain  Sailing . It's  the  most  direct  heartbreaking  Morrissey  lyric  of  all   just  pleading  for  a  change  of  luck   because  "Lord  knows  it  would  be  the  first  time. Marr  rounds  it  off  with  a  mandolin  solo  and  we've  come  to  the  end  of  the  LP.

So  bye  bye  teenage years. It's  perhaps  fitting  that  their  passing  should  be  marked  by  a  record  that  captured  so  much  of  their  essence  (particularly  the  later  ones). It's  so  hard  to  write  anything  new  in  praise  of  The  Smiths , a  beacon  of  light  in  a  dark  decade, a  giant  cairn  on  the  summit  of  the  eighties  to  which  you  can  only  add  your  little  stone.