67 Japanese Whispers - The Cure

Purchased :  29  September  1987

Tracks :  Let's Go To Bed / The  Dream / Just  One  Kiss / The  Upstairs Room / The  Walk / Speak  My  Language / Lament / The  Lovecats

I'm  surprised  that  I  bought  another  LP  the  following  day  almost  as  if  I  was  trying  to  wash  away  the disappointment   of  Strangeways  Here  We  Come  with  an  album  of  more  certain  reward.

"Japanese  Whispers " was  a  stopgap  mini-LP  released  at  the  end  of  1983  to  collect  together  the three  singles  released  since  the  band's  challenging  last  album  "Pornography"  in  1982. Bassist  Simon  Gallup  had  left  the  group  ( temporarily  as  it  turned  out )  allowing  mainman  Robert  Smith  and  drummer  turned  keyboards  player  Lol  Tolhurst  to  pursue  a  more  pop  direction  like  so  many  of  their  peers  in  the  New  Pop  era. They  had  been  instantly  rewarded  with  a  real  commercial  breakthrough  and  this  record  neatly  captures  that  turning  point  in  the  group's  fortunes.

"Let's  Go  To  Bed" snuck  out  as  a  single  in  late  1982  and  came  as  a  considerable  surprise. Earlier  in  the  year  "Pornography"  had  been  an  album  of  unrelenting  morose  Goth- rock  heroically  out  of  step  with  the  times  and  with  Gallup  jumping  ship  it  had  been  widely  assumed  that  the  group  was  coming  to  an  end. Instead  Smith  and  Tolhurst  came  up  with  a  catchy  synth  pop  tune  that  sounded  like  no  one  else  due  to  its  complex  stop-start  bassline. Smith  has  subsequently  said  it  was  a sarcastic  comment  on  the  use  of  sexuality  to  sell  music ( making  Rihanna's  steal  of  the  keyboard  hook  for  her  S & M  single  highly  ironic )  but  to  me  it's  always  sounded  more  like  a  song  about  first  time  nervousness  and  one  remembers  that  Smith  and  his  wife's  relationship  goes  back  to  their  school  days. Despite  a  seemingly  irresistible  earworm  of  a  chorus and  a  reference  to  Christmas  in  the  second  verse  it  got  overlooked  in  the  December  rush  and  peaked  at  44.

"The  Dream"  was  originally  the  B-side  to  the  follow-up  single  which  we'll  come  to  shortly.  The  title  of  the  LP  seems  particularly  appropriate  to  this  track  as , Smith's  voice  apart , it  sounds  identical  to  Tin Drum-era  Japan  with  its  Oriental  keyboard  sounds  and  offbeat  rhythms.  The  lyrics  explore  similar  territory  to  the  previous  track  starting  out  with  images  of  childhood  innocence  then  getting  into  more  sexual  territory  as  the  song  progresses. What  it  doesn't  have  is  a  strong  melody  and  B-side  seems  about  right.

" Just  One  Kiss "  ( B  side  to  "Let's  Go  To  Bed" )  recycles  the  restless  clatter  of  "Pornography"'s  only  single  "The  Hanging  Garden"   ( itself  owing  much  to  Joy  Division's Atrocity  Exhibition )  but  whereas  that  was  a  defiantly  unmelodic  dirge  , here  we  have  a  beautifully  mournful  song , perefectly  delivered  by  Smith,   about  the  ephemeral  nature  of  nostalgia - "remember  the  sound  that  could  wake  the  dead  but  nobody  woke  up  at  all" . The  "haunting " keyboard  contributions  are  showing  their  age  a  bit  but  in  a  way  that's  thematically  appropriate.

"The  Upstairs  Room"  was  originally  on  the  12  inch  single  of  the  next  track  and  is  at  least  its  equal. Tethered  to  a  drum  machine  and  discreet bass synth  pulse  it's  an  appealing  mix  of  Japan-ish  keyboard  lines,  melodic  bass  runs  that  can't fail  to  suggest  Peter  Hook  and  economic  blasts  of  early  Banshees  guitar. The  song  concerns  Smith's  temporary  sojourn  in  Steve  Severin's  living  room  when  they  were  working  together on  The  Glove  project  and  seems  to  be  an  affectionate  but  mildly  reproachful  assurance  to  his  partner  Mary - "I  thought  you  would  know  that  I  always  sleep  alone".

Side  Two  commences  with  that  second "pop"  single "The  Walk"  which  finally  cracked  the  Top  20  for  them  in  July  1983. It  has  to  be  said  straightaway  that  there's  an  unmistakable  resemblance  to  Blue  Monday  in  the  pounding  bass  synth  and  frequent  percussive  breaks  but  the  topline  Oriental  melody  and  morbid  lyrics are  the  group's  own . There   are  hints  that  this  is  a murder  ballad  but  Smith  kept  it  vague  enough  for  radio  play  and  reaped  the  reward.

"Speak  My  Language " was  B-side  to  the third  and  biggest  hit  on  the  LP and  by  which  time  the  band  had  expanded  to  include  a  new  rhythm  section  of  bassist  Phil  Thornalley  and  drummer  Andy  Anderson. Smith's  desire  to  explore  different  musical  territory  is  immediately  obvious  on  this  loose , jazzy  track  with  Thornalley  playing  upright  bass  and  a  ragged  piano  picking  out  the  melody. However  Smith  doesn't  take  much  notice  of  the  tune  and  is  off-key  throughout  the  song; his  guitar  is  similarly  atonal  making  it  the  most  "difficult" track  on  the  LP. The  song  is  about  communication  failure  and  fittingly  the  chorus  is  a   babble  of  mumbles  before  the  title  plea.

"Lament" , another  track from  the  "The  Walk" 12  inch,  seems  to  have  been  inspired by  the  mysterious  death  of  corrupt  Italian  banker  Roberto  Calvi  in  London  the  previous  summer. Calvi  was  found  hanging  underneath  Blackfriars  Bridge   after  going  on  the  run  but  the  initial  verdict  of  suicide  has  been  widely  challenged. Smith's  sly  references  to  Catholicism  - "They  talked  of  how  they  loved  Our  Lady  and  oh  the  smell  as candles  die" - and  ice  cream  are  big  clues. It's  another  case  of  recycling  elements  from  "Pornography"  in  a  more  commercial  context , this  time  the  nagging  guitar  riff  from  "One  Hundred  Years"  ( the previous  album's  terminally  bleak  and  attritional  opening  track)  here  used  as  an  instrumental  chorus  between  Smith's  mournful  but  melodic  verses. The  synth  sounds  again  sound  a  bit  dated  but  it  remains  an  affecting  song.

Which  leaves  us  with  "The  Love  Cats"  which  took  them  into  the  Top  Ten  for  the  first  time  aided  by  a  Tim  Pope  video  which  fixed  Smith's  enduring  and  paradoxical  public  image  as  the  court  jester  of  Goth. It's  been  suggested  that  Smith's  inspiration  was  the  Australian  novel   The  Vivisector  by  Patrick  White  although  I  suspect  The  Aristocats  ( my  own  childhood  favourite film ) was  a  rather  bigger  influence  particularly  as  only  the  French  cat's  accordion  is  missing  from  the  alley  cats'  instrumental  line-up  here. That's  a  better  thought  to  dwell  on  than  the  unfortunate  association  the  lyrics  now  have  with  Galloway  and  Lenska.  It's  a  skilfully  executed  pastiche  particularly  the  milk  bottle  percussion  and  cat  crow  guitar  wails  but  I  can't  say  it's  one  of  my  favourites.

All  in  all  you  have  a  pretty  good  album ; indeed  some  fans  rate  it  their  best. Certainly  it's  the  most  accessible; on  all  their  subsequent  albums   ( some  of  which  we'll  be  covering ) Smith  would  aim  for  a  balance  between  pop  nuggets  and  less  easy  on  the  ear  material. I  prefer  one  of  its  predecessors  but  you'll  have  to  wait  a  bit  for  that  one.

66 Strangeways Here We Come - The Smiths

Purchased  :  28th  September 1987

Tracks : A  Rush  And  A  Push  And  The  Land  Is  Ours / I  Started  Something  I  Couldn't  Finish / Death  Of  A  Disco  Dancer / Girlfriend In A Coma / Stop Me  If  You  Think You've Heard This  One  Before / Last Night I  Dreamed  Somebody  Loved  Me / Unhappy  Birthday / Paint A  Vulgar Picture / Death At  One's  Elbow / I  Won't  Share  You

This  was  bought  as  soon  as  it  came  out  from  Woolworths'  in  Ashton-under-Lyne  on  a  Monday afternoon.

I  was  looking  forward  to  revisiting  this  one   because  it's  had  a  good  press  in  recent  years  whereas  I'd  always  assumed  my  disappointment  with  it  was  generally  shared.

Let's  get  the  history  right  first . This  is  The  Smiths'  final  original  studio  LP   but  it  wasn't  intended  as  such. Recording  it  was  not  a  particularly  painful  process; the  tensions  in  the  band  only  really  erupted  during  the  later  recording  sessions  for  the  B-sides  to  its  lead  single. It  was  intended  to  be  the   final  record  under  their  contract  with  Rough  Trade  with  the  band  having  signed  for EMI  earlier  in  the  year. It  wasn't  actually  released  until  after  the  band's  split  was  announced  with  Morrissey  abandoning  his  futile  attempt  to  keep  the  group  going  after  the  departure  of  Johnny  Marr. I  think  that's  unduly  influenced  people's ( including  my  own ) perceptions  of  it  ever  since.

My  expectations  of  it  had  been  lowered  by  the  sub-standard  singles  that  had  preceded  it  in  1987  although  their  singles  had  rarely  represented  the  best  of  their  work. The  prevalence  of  long  unwieldy  titles  was  another  danger  sign, "A  Rush  And  A  Push  And  The  Land  Is  Ours"  betrays  Morrissey's  Irish  roots, the  title   being  a  slightly  mistranslated  version  of  a  traditional  Gaelic  battle  cry. There's  no  political  content  in  the  song  which  is  delivered  by  the  ghost  of  a  young  suicide  victim who,  beyond  a  few  disconnected  musings  about  love, appears  to  have  no  real  message  for  the  living  ( by  coincidence, an  observation  you  could  also  make  about  the  ghost  in  a  Douglas  Coupland  novel  inspired  by  another  track  on  this  LP ) . By  this  time  Johnny  Marr  had  gone  on  record  as  being  disenchanted  with  his  guitar  hero status and  was  trying  to  broaden  out  The  Smiths ' sound  so  here  he's  replaced  the  guitar  with  music  hall  piano  and  glockenspiel. The result  is  that  bar  not  having  a  sax  solo  and  cockney-accented  vocal  it  sounds  like  the  also  recently deceased  Madness  which  probably  wasn't  the  intention.

With  "I  Started  Something  I  Couldn't  Finish"   it's  brass  that  infiltrates  the  sound  blaring  away  behind  Marr's  glam  rock  swagger  and  Mike  Joyce's  sledgehammer  snare. Morrissey  contributes  a  risky  lyric  seemingly  about  regretting  a  sexual  assault. Amusingly  this  was  thought  to  be  more  appropriate  to  be  a  second  single than  track  five  which  has a   throwaway  line  about  mass  murder  ( this  being  shortly  after  the  Hungerford  massacre ). The  whole  thing  anticipates  Suede  a  few  years  down  the  line  but  it's  melodically  weak  and  Morrissey's  vocal  is  over-mannered.

"Death  Of  A  Disco  Dancer" has  a  late  night  feel  with  Rourke's  prowling  bass  and  Marr's  echo-laden  guitar  ( suggestive  of  The  Edge). The  actual  song  is  rather  slight, possibly  about  a  suicide   before demolishing  the  hippie  ideal  with  the  subtlety  of  a  sledgehammer  - love peace  and  harmony  well  maybe  in  the  next  world ". It  makes  you  think  that  the  similarity  of  Marr's  main  riff  to  Dear  Prudence  is  deliberate. After  three  minutes  Morrissey  stops  singing  and  starts  some  atonal  piuano  plonking - his  one  and  only  instrumental  contribution  to  the  band's  music - heralding  a  lengthy  instrumental  coda  which  is  much  better  than  the  song  it' s  decorating ,  Joyce  brewing  up  a  storm  over  Marr's  corruscating  guitar  and  eerie  Farfisa .

The  lead  single  "Girlfriend  In  A  Coma"  follows . It's  an  interesting  combination  of  elements, a  propulsive  bassline , dainty  acoustic  guitar  and  heavy  ELO-strings  on    the  chorus. Inspired  by  the  cause  celebre  of  Karen  Ann  Quinlan  , the  first  great  right -to - die  test case  it  in  turn  led  to  Douglas  Coupland's  1997  novel  of  the  same  name  ( two  thirds  brilliant, last  third  terrible ). It's  Achilles  heel  is  its  brevity - just  over  two  minutes - which  makes  it  seem  glib  and  heartless.

"Stop  Me  If  You  Think  You've  Heard  This  One  Before " is  the  stand-out  track, the  only  one  that  really  measures  up  to  the  music  on  their  other  LPs. Despite  the  defensive  title  the  song  is  a  catalogue  of  physical  mishaps  incurred  in  pursuit  of  a  loved  one with  Morrissey   singing  in  his  most  plaintive  tones  and  Marr  consenting  to  play  the  guitar  hero  once  more. The  only  criticism  is  that  his  stinging  guitar  solo  at  the  end  is  too  short.

Side  One  is  patchy  but  the  second  side  is  simply  poor.  "Last  Night  I  Dreamed  Somebody  Loved  Me "  ( released  as  the  third  single )  begins  with  an  over-long  irrelevant  intro  setting  mob  screams  ( strangely  reminiscent  of  the  start  of  The  Plastic  Age  on  the  previous  entry )  against  doomy  grand piano  chords. It's  nearly  two  minutes  before  Morrissey  comes  in  accompanied  by  strings. The  song  isn't  strong  enough  to  support  all  this  melodrama, a  lachrymose  reiteration  of  the  themes  on  "How  Soon  Is  Now "   delivered  drowsily  by  Morrissey. There's  a  brief  spark  of  life  from  Marr's  guitar  towards  the  end  but  too  little  too  late.

"Unhappy  Birthday"  is  weaker  still  with  its  bluntly  spiteful  lyric. Marr  seems  content  to  just  strum  along  on  acoustic  with  only  an  occasional   background  sigh  from  his  electric. Rourke  does  his  best  to  move  things  along  with  a  cajoling  bassline  but it's  an  umemorable  song  to  say  the  least.

The  problematic  "Paint  A  Vulgar  Picture "  is  a  five-and-a-half  minute  diatribe  against  the  music  business  in  general  and  Geoff  Travis  and  Rough  Trade  in  particular. Marr  and  the  rhythm  boys  set  it  up  nicely  with  a  fine  tumbling  riff  over  which  Morrissey  sometimes  has  difficulty  cramming in  all  his  bilious  words.Nevertheless  there's  a  fine  instrumental  break  halfway  through  and  if  that  had  closed  the  song  it  would  be  a  good'un. Unfortunately  Morrissey  picks  up  his  rant  where  he  left  off  and  it  just  gets  boring. It  hasn't  aged  well  either  in  the  light  of  Morrissey's  collusion  with  EM|I's  constant  re-packaging  of  the  archive  since  the  group's  demise.

The  final  two  tracks  pass  by  in  a  blur of  disappointment. The  sound  effect  of  a  coffee  percolator  is  the  best  thing  about  "Death  At  One's  Elbow"  ( my  nomination  as  the  worst  song  in  the  group's  canon )  a  tuneless  rockabilly  thrash in  which  Morrissey  exhorts  someone  called  Glenn  not  to  go  in  a  house  or  face  being  murdered  with  an  axe. This  is  a  clear  reference  to  the  murder  of  Edward  Evans - yes  we  have  heard  this  one  before ! It's  less  than  two  minutes  long  but  still  outstays  its  welcome.

"I  Won't  Share  You "  is  also  forgettable, a  limp  acoustic  strum  on which  Joyce  is  absent  and  nobody  else  does  anything  interesting . It's  been  universally  assumed  to  refer  to  Marr's  desire  to  work  with  other  musicians  but  you'd  think  if  that  was  the  case  Morrissey  would  come  up  with  better  lyrics  than  "Life  tends  to  come  and  go , just  as  long  as  you  know." There  again  it  does  fade  out  just  as  it  seems  Marr's  about  to  begin  a  solo  so  there  may  be  some  truth  in  it. Whatever  it  sounds  unfinished  and  a  very  poor  note  on  which  to  make  your  exit  as  a  group.

Sharp-eyed  readers  will  have  realised  that  there  was  still  one  Smiths  LP  missing  from  my  collection  at  this  point  in  time  so  this  isn't  really  the  end  of  the  story  for  me.  Nevertheless  the  group's  relatively  sudden  exit  was  a  profound  shock  to  me  as  to  many  others  and  cast  a  long  shadow  over  the  British  music  scene  for  some  years  to  come. In  a  way  this  LP's  obvious  deficiencies  went  some  way  to  tempering  that  sense  of  loss; maybe  it  was  for  the  best  if  the  magic  had  gone ( something  I'd  bet  Noel  Gallagher  ruefully  ponders  from  time  to  time) .  I'm  not  revising  my  opinion  of  it   but  it's  a  chapter  in  one  of  music's  great  stories  and  so  will  endure  for  all  time.

65 The Age of Plastic - The Buggles

Purchased :  September  1987

Tracks : The  Plastic  Age / Video Killed The  Radio  Star / Kid  Dynamo / I  Love  You ( Miss  Robot ) / Clean Clean / Elstree / Astroboy / Johnny  On  The  Monorail

This  was  a  long-desired  item  from  the  heyday  of  the  Travelling  Society  and  was  conveniently  available  at  mid-price  as  part  of  Island's  25th  Birthday  celebrations. It  was  bought  in  Manchester  on  a  Saturday  morning. I  also  visited  the  North  West  Museum  of  Science  and  Industry  for  the  first  time  in  its  new  location  at  Castlefield  which  made  for  an  interesting  connection  as  this  album's  most  well-known  track  was  riding  high  in  the  singles  charts  when  I  last  visited  the  museum's   humbler  previous  home  on  Grosvenor  St  in  1979.

This  LP  was  released  in  February  1980  but  it  is  essentially  a  product  of  the  1970s,  the  decade  that  looked  both  forward  and  back, that  loved  Dad's  Army  and  American  Graffiti  but  also  thrilled  to  Star  Wars  and  the  potential  of  the  silicon  chip. These  two  musicians  from  the  backing  band  of  portly  disco  singer  Tina  Charles  refract  that  dichotomy  with  an  album  that  uses  state  of  the  art  studio  technology  on  songs  which,   even  when  set  in  the  future  , ache  with  nostalgia  and  loss.

"The  Plastic  Age "  ( their  second  and  final  Top  20  hit )  sets  out  the  stall  perfectly.  It  proclaims  the  shiny  and  new  but  the  observer  is  ageing  and  needs  surgery  both  medical  and  plastic. This  is  not  the  Ballardian  nightmare  of  Numan's  Replicas  but  our  own  world  where  human vulnerability  will  endure  whatever  delights  technology  has  in  store  for  us. Despite  that  it  begins  with  the  external  sounds  of  an  actual  nightmare, disturbed  sleep  cries  amid  bleeping  phones  before  the  srt  of  bass  synth  pulse  that  would  shortly  characterise  the  work  of  Midge  Ure's  Ultravox  leads  into  the  song  proper. Geoff  Downes's  keyboard  work  is  phenomenal,  finding  a  new  sound  to  match  every  twist  of  the  lyric , the  quizzical  phrase  before  the  pay-off  line  in  the  chorus  absolutely nailing  the  ambivalence  at  the  heart  of  the  song.

Then  we  have  the  big  hit. "Video  Killed  The  Radio  Star"  gave  Island  their  first  number  one  and  led  directly  to  ZTT  and  Mr  Carlin's  beloved  New  Pop  but  those  are  the  least  of  its  triumphs. It  predicted  the  future  for  music  for  the  next  three  decades  and  was  my  suggestion  for  greatest  number  one  when  The  Guardian  invited  nominations  in  the  nineties  ( as  their  man  picked  I  Just  Called  To  Say  I  Love  You  we  needn't  discuss  that  any  further) .  And  yet  it's  a  song  that  looks  back  not  forwards ; the  narrator   is  lamenting  the  eclipse  of  a  musician  from  his  1950s  childhood  listening  to  the  radio. I'm  reminded  of  Charlie  mourning  the  death  of  Mantovani  ( who  died  a  few  weeks  after  this  album's  release )  in  Tim  Lott's  Rumours  Of  A  Hurricane . The  music  again  is  fabulous  from  the  mock  classical  intro   with  Trevor  Horn's  sighing  bass   to  the  completely  unexpected  rock  guitar  break  that  heralds  the  final  chorus. The  bubblegum  female  vocals  would  be  irritating  on  a  lesser  song  but  this  is  an  undeniable  classic.

"Kid  Dynamo"  is  a  similar  tale, the  singer ( with  Horn  treating  his  vocal  to  sound  deeper )   recalling  the  exploits  of  his  youthful  role  model  now  working  in  the  mainstream. This  is  much  more  of  a  driving  rock  song  with  Horn's  guitar  racing  against  Downes's  keyboards  and  again  prefigures  Ultravox. Talking  of  which  there  is  some  disagreement  on  who  played  drums  on  this  album  a  man  called  Paul  Robinson  or  Warren  Cann. It  certainly  sounds  like  the  latter  on  this  track  at  least. The  quiet  bits  are  again  suffused  with  an  exquisite  melancholy  especially  the  spoken  bit   about  the  media  building  stars.

"I  Love  You ( Miss  Robot) "  is  rather  risque,  its  lyrics  recalling  Numan  or  even  the  lovably  daft  Automatic  Lover  ( a  hit  for  Dee  Dee  Jackson  some  18  months  earlier ) . It's  the  most  overtly  futuristic  track  with  its   mostly  vocodered  vocals  although  the  most  prominent  instrument  is  Horn's  steely  bass, its  metallic  tone  perfectly  in  sync  with  the  subject  matter. Again  the  tone  is  mourful  ; when  the  inevitable  question-  "Do  you  love  me ? " - is  posed  we  don't  need  to  hear  the  answer.

"Clean Clean" just  made  it  into  the  Top  40  as  the  album's  third  single. Apart  from  "Video"   it's  the  only  track  co-written  with  erstwhile  collaborator  Bruce  Woolley. An  ironic  look  at   warfare  it  would  make  the  perfect  soundtrack  for  NATO's  modern  "heroes" ,  wreaking  destruction  from  their  unreachable  cockpits  without  breaking  sweat. There  are  clues  to  later  hits  here, the  synth  rock  pulse  of  the  verses  suggests  the  thematically  similar  Dancing  With  Tears  In  My  Eyes  and  the  melodic  hook  in  the  chorus  calls  to  mind  Depeche  Mode's  A  Question  Of  Time .  It's  effective  but  lacks  the  melodic  warmth  and emotional  potency  of  the  better  tracks.

"Elstree"  is  perhaps  my  favourite. An  elegy  to  the  original  British  film  studios  from  a  former  employee  now  working  for  the  BBC  ( ironically  the  BBC  purchased the  studios  just  four  years  later ) it's  a  poignant  melody-fest  from  start  to  finish. The  lovely  instrumental  coda  has  the  best  sound  effect  in  my  collection  as  a  horse  gallops  from  one  speaker  to  the  other. As  a  late  fourth  single  released  when  they  were  already  part  of  Yes, it  isn't  that  surprising  that  it  stalled  in  the  50s but  a  shame  nonetheless.

Time  and  again  this  album  astonishes  with  its  prescience. The  mellow  and  wistful  "Astroboy"  could  be  written  today  about  teenage  screen  slaves  and  policing  by  CCTV. Horn  again  shows  what  an  under-rated  bassist  he  is from  the  foreboding  intro  onwards. He  also  slips  in  another  lament  for  the  golden  age  of  radio  -"Radio  stations  they  fade  as  in  dust, all  their  transmitters  are  crumbling  with  rust".

"Johnny  On  The  Monorail"  picks  up  on  the  period's  fascination  for  Japanese  technological  progress  with  a  hint  of  Ballardian  fetishism. This  lengthy  track  interweaves  dark  and  urgent  verses  with  a  breezy  chorus  restating  the   fear/hope   dichotomy  when  faced  with  the  future  theme  that  has  run  through  the  whole  LP.  The  acoustic  guitar   passage  before  the  final  chorus  captures  all  that  apprehension  that  something  valuable  will  be  lost  in  the  rush  to  leisured  nirvana  ( a  promise  yet  to  be  delivered  of  course).

The  final  irony  of  course  is  that  The  Buggles  as  a  band  didn't  reap  much  reward  from  the  new  musical  age  they  were  heralding. At  the  time  this  LP  was  only  a  moderate  commercial  success  and  received  mixed  reviews ; it   seemed  that  many  people  were  reluctant  to  see  them  as  anything  more  than  one  hit  wonders. Like  other  electronic  pioneers  of  the  time  ( New  Musik, M, John  Foxx ) they  were  unable  to  take  advantage  when  the  New  Romantic  scene  broke  big  just  a  year  later and  the  more  photogenic  likes  of  Spandau  Ballet  ( whom  Horn  had  to  rescue  when  their  singles  chart  positions  began  to  nosedive in 1982 )  came  to  the  fore.  It  probably  didn't  help  when  they  became  subsumed   in  Yes; the  contradictions  of  a  shiny  new  post-punk  outfit  helping  out  the  least  well-regarded  of  prog-rock  dinosaurs  are  obvious. Downes  bailed  out  early  on  their  second  LP  ( which  will  feature  here  but  you'll  have  to  be  patient ! )   and  it  was  completely  ignored  despite  Horn's   burgeoning  success  as  a  producer.  Nevertheless  this  LP's  critical  stock  has  risen  over  the  years  and  deservedly  so. We  all  share  the  same  mixture  of  hope  and  dread  at  what  lies  ahead  and  these  guys  articulated  better  than  most.